Best Live Albums #8: Jeff Buckley- Live At Sin-É


Esta noche 365RadioBlog se congratula en presentar un disco en directo de lo más atípico, y esto último por varias razones que luego expondremos, pero que se ha convertido en uno de los álbumes en directo más aclamados de los últimos treinta veinticinco años. Estamos hablando del Live At Sin-É de Jeff Buckley. Atípico por ser el primer disco de alguien que aún no había grabado un disco. Atípico por ser grabado en un café neoyorquino ( donde durante varias semanas de 1992 estuvo tocando su repertorio y donde un año después, en 1993 cuándo se grabó, volvió y se grabó el álbum). Atípico porque en su edición original se grabaron únicamente cuatro temas a modo de EP: Mojo Pin, Eternal Life, Je N’en Connais Pas la Fin (I Don’t Know The End of It) y The Way Young Lovers Do, de Van Morrison. Atípico por su intérprete, un desconocido ilustre por ser hijo de Tim Buckley ( cantautor en los setenta pero que casi no conoció a su hijo),pero que a partir de este EP conmocionó el mundo de la música, y más con la dificultad añadida de hacerlo con una guitarra acústica en pleno auge del grunge y pasaría a ser considerado hasta hoy como uno de los más excelsos cantantes que jamás haya dado la música, con un solo disco a sus espaldas y este maravilloso directo com antesala, quizás habiendo magnificado su grandeza tras su inesperada muerte.
Sea como fuere, tanto en la versión EP como en su versión Legacy Edition- en este enlace os dejamos todo su contenido- Jeff Buckley demuestra ser una auténtica maravilla vocal, lírica y con una sensibilidad arrolladora, convirtiendo en oro todo lo que toca, como por ejemplo los temas del Legacy Edition que luego formarían parte de su LP Grace: Hallelujah, Grace, Eternal Life, Lover You Should’ve Come Over, aparte de las excelentes versiones como Just Like a Woman y If You See Her Say Hello de Bob Dylan, o Night Flight de Led Zeppelin.
En definitiva, Live At Sin-É ( expresión gaélica pronunciada Shin Ay que significa Eso es) supone un hito en el mundo de los discos en directo ya qe rompe con los parámetros establecidos en cuanto a consolidación de los artistas y reconocimiento previo, siendo este un contradictorio ejemplo de que hay artistas diferentes hasta en su forma de darse a conocer. Bendita manera la de Jeff Buckley. Lástima que ya no esté con nosotros para amenizarnos con más directos…

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El Impala Domado


Tame Impala. Grupo australiano con base en Perth formado en 2008 por Kevin Parker a la voz y guitarras, Dominic Simper con los sintetizadores , Jay Watson a la batería y Nick Allbrook ( al que sustituiría tras su marcha Cam Avery al bajo), caracterizado por desarrollar un rock muy enraizado en la psicodelia setentera más pura, con sonidos muy enredados y turbios, voces difuminadas y con eco, largas líneas de guitarras fundidas con órganos y sintetizadores, mucho pedal de distorsión, con mucha influencia también del sonido Manchester de los noventa y que han experimentado un éxito enorme en su país y allende sus fronteras gracias al impulso logrado con sus dos álbumes editados hasta la fecha y a los esfuerzos de su discográfica, Modular Records, por hacerles un sitio en la industria, apostando fuerte con ellos y llevándoles de gira con gente tan importante del panorama actual como The Black Keys y MGMT.
Sus precedentes, dos EPs rompedores como Hole in The Sky y Tame Impala, editados respectivamente en agosto y septiembre de 2008, fueron la antesala de su primer LP, Innerspeaker (2010), un grandísimo trabajo lleno de composiciones delirantes y un compacto trabajo de instrumentación y sincronización que hace que el disco suene redondo. Nos quedaremos con sus singles Sundown Syndrome, Solitude is Bliss, la grandísima Lucidity, una de mis favoritas Expectation ( que me recuerda mucho al pop mancuniano de los noventa), o Why Won’t You Make Up Your Mind?.
En Octubre de 2012, justo dos años después de publicar su primer álbum ( y su directo Live At The Corner, que en una arriesgada apuesta publicaron a la vez que su debut), sale a la venta Lonerism, discazo en toda regla con temas increíbles que recogen toda la esencia del Dream Rock y de la Neo Psicodelia, como el que hemos rescatado, este hipnótico, cadente y magnético Elephant, para mí su mejor canción sin discusión. Otra joya a destacar es Feels Like We Only Go Backwards y también sobresalen Mind Mischief y Music to Walk Home By.
Se puede apreciar una inspiración en la psicodelia setentera como la de gente como Todd Rundgren, algo de Glam en sus cadencias y una devoción palpable por The Flaming Lips ( de la que hablaremos muy pronto). El resultado, inmejorable: éxito de ventas en Australia y UK, aparte de ser considerado uno de la álbumes del año 2012.
A la espera de su nuevo trabajo, recomendar vivamente el sonido Tame Impala como una de las más agradables sorpresas de esta nueva década, ya que aunque suenen a añejos y su estilo nos retrotraiga a ambientes lisérgicos y de atmósferas hippies, se denota una modernidad estilística y una atemporalidad que les convierten en objeto de culto y les hace estar dentro de la más rabiosa actualidad.
Too Bad Your Chances Are Slim…!

El Artista al Alba


Luis Eduardo Aute. Cantautor, pintor, escritor, escultor, poeta, director de cine, artista total nacido en Manila en 1943, hijo de catalán y filipina de ascendencia española, pasa por ser uno de los músicos más reconocidos, reputados y queridos de nuestro país, a pesar de lo intimista de su propuesta, de no casarse con ningún género ni tendencia y de hacer casi siempre lo que le da la gana o le pide el cuerpo, porque en esencia, no se limita a cantar ni componer, sino que muchas otras actividades llenan su espacio y su tiempo.
Ciñéndonos a lo estrictamente musical, Aute hizo sus primeros pinitos melómanos hacia 1968, ya regresado de Filipinas, comenzando a tocar en grupos junto a su hermano José Ramón, como Los Sonor, Los Tigres y Los Pekenikes, aunque en los siguiente años va alternando estas actuaciones con sus inquietudes plásticas, hasta que hacia 1965 trabó amistad con la eurovisiva Massiel, para la cual escribió Rosas en el  Mar y  esta a cambio le presentó a gente del mundillo como Juan Carlos Calderón al que dejó fascinado y le propuso grabar su primer álbum en 1968, 24 Canciones Breves, postergando entonces la actividad lírica hasta 1972 en favor de otras actividades como el cine o la literatura.
A partir de ese año comienza una carrera más o menor regular, revelando se como un cantautor intimista pero ácido, mordaz y romántico a partes iguales, con un constante halo de melancolía, desarraigo y modernidad costumbrista, muy influenciado por los poetas como Pablo Neruda, su ídolo, y con fuertes vínculos con sus coetáneos Javier Krahe o Joaquín Sabina, siendo también fuente de inspiración para nuevas generaciones como Ismael Serrano.
Sus diez canciones esenciales en nuestra opinión, de peor a mejor, son estas: Ay de Tí Ay de Mí, Dos o Tres Segundos de Ternura, Siento Que Te Estoy Perdiendo, Cuando Duermes, Slowly, Sin Tu Latido, Las Cuatro y Diez,Una De Dos, Pasaba por Aquí y Al Alba.
Aute en mi opinión es el gran cantante al desamor en nuestro idioma, un genio describiendo sentimientos de abandono y corazones rotos con innegable sarcasmo ( una de dos, o me llevo a esa mujer o entre los tres nos organizamos, si puede ser…) un romántico empedernido camuflado en una timidez proverbial (pasaba por aquí),que logró encontrar su sitio en un panorama musical cada vez más sofisticado y que sigue dando guerra hasta que el tabaco y las fuerzas se lo permitan. En homenaje a mi madre, grandísima fan del maestro Aute.
Al Alba…!

Mucho Más Que Eso


Roxy Music. Banda británica formada en 1971 en Londres por su cantante, el hierático y enigmático Bryan Ferry, arquetipo de la modernidad fría y sofisticada de los ochenta, junto a su alma mater e ideólogo Brian Eno, quien se encargaba de los teclados y de las composiciones hasta su marcha del grupo para emprender su carrera en solitario en 1973-aparte de tener serias diferencias creativas con Ferry-, al que reemplazaría Eddie Jobson. El resto de la banda, no menos brillante, estaba compuesto por el guitarrista y posteriormente productor Phil Manzanera y el batería Paul Thompson, aunque a lo largo de la historia pasarían bastantes ilustres más por sus filas como Paul Carrack ( Mike & The Mechanics).
Roxy Music es un grupo camaleónico: empezaron con un estilo de culto, original aunque cercano al glam, con reminiscencias post punk, que fueron diluyéndose con el paso del tiempo y los discos a medida que la influencia de Ferry era cada vez mayor, comenzando a asemejarse a los grupos New Wave americanos como Talking Heads; hasta llegar a los albores de los ochenta, donde se destapan como un grupo definitivamente pop, encajando muy bien en el estilo ochentero que combinaba melodías, coros, sintetizadores y dulzura en las interpretaciones. Sus álbumes, panacea del Art Rock, caracterizados por presentar sugerentes portadas femeninas rebosantes de post-modernidad y entre los que destacaremos Flesh and Blood (1980), y sobre todo Avalon (1982), su último trabajo, dan buena fe de ello, sentando cátedra y vendiendo lo indecible.
Luego vino la separación, Bryan Ferry se lanzó en solitario con joyas como Slave to Love, y posteriormente se reunieron en 2000 para realizar una exitosa gira, con Ferry pero sin Eno.
Os dejamos con sus mejores diez canciones en nuestra opinión de peor a mejor en orden descendente: Street Life, Over You, Virginia Plain, In Every Dream Home a Heartache, Do The Strand, Dance Away, Out of The Blue, Avalon, Love is The Drug y More Than This, su elegante aunque distante himno y una de las sintonías más conocidas de los ochenta.
Roxy Music, banda vanguardista donde las haya, con un genio creativo que les impulsó al principio (Eno) un coro de excelentes músicos como Manzanera y un carismático y frontman, prototipo de dandy de los ochenta ( y eso que, según Siniestro Total, a Bryan Ferry le huele el aliento).
More Than This…You Know There is Nothing…!

Bob, Sus Balas de Plata y el Viejo Rock and Roll


Bob Seger & The Silver Bullet Band. Formación norteamericana cuyo líder Bob Seger había iniciado su andadura en la música a finales de los sesenta en la zona de su Michigan natal, hasta conseguir notoriedad en solitario a mediados de los setenta con un rock sólidamente americano, muy aferrado a las reglas clásicas, pero también con toque country y folk que enriquecían sus composiciones, con claras influencias extraídas de Elvis Presley y Little Richard, pero con temáticas socialmente comprometidas con la causa de los trabajadores de la industria automovilística de Michigan a los que pertenecía su padre.
Con la llegada de los ochenta, Seger decidió- a la manera de lo que en su día hiciera Bruce Springsteen con la E Street Band-, asociarse a una banda que le diera garantías en directo y le ayudara en un sonido más potente y acorde a los tiempos que corrían, con sección de vientos, piano y experimentados músicos, como Drew Abbott y Dawayne Bailey a la guitarra, el ex batería de Grand Funk Railroad, inimitable y enorme Don Brewer, su ex compañero Craig Frost a los teclados y el saxofonista Alto Reed. En definitiva, una super banda, compacta, experimentada, arrolladora en directo y liderada por un Bob Seger cuyas tablas, voz rasgada y ganas de rock and Roll les dieron muchas noches de gloria y gozaron de un gran éxito en los primeros ochenta sobre todo en los States.
Repasaremos ahora de peor a mejor sus mejores temas en nuestra opinión en orden descendente:
Katmandu, Beatiful Loser, Rock and Roll Never Forgets, Sunspot Baby, Still The Same, Night Moves, Turn The Page, Ramblin’ Gamblin’ Man, Against The Wind ( perteneciente a la banda sonora de Forrest Gump y un auténtico himno roadie en los ochenta) y Old Time Rock and Roll, considerada como una de las 500 mejores canciones de Rock y versioneada hasta la saciedad. Incluso formó parte de la banda sonora de la película de Tom Cruise Risky Business (1983), la cual ayudó a popularizar con su famoso bailecito en gayumbos.
En definitiva, uno de los reyes del llamado Heartland Rock de los últimos setenta y primeros ochenta junto a The Boss, comprometido, rockero, intenso, con una genial y extraordinaria banda detrás ( me quedo con el super batería Don Brewer), que nos amenizaron musicalmente -y siguen haciéndolo aún- de una manera enérgica y apasionada. Siempre, por supuesto, en honor del bueno y viejo Rock and Roll.
Still Like That Old Time Rock and Roll…!

Cine & Música #50: E.T.


E.T. Película norteamericana de ciencia ficción dirigida en 1982 por uno de los magos del celuloide, Steven Spielberg, y a sus órdenes una pléyade de actores infantiles como el protagonista Henry Thomas, que encarna a Elliott, Robert McNaughton como su hermano mayor y la célebre Drew Barrymore como la pequeña de la familia, los cuales ven como una nave espacial aterriza en la tierra y uno de los alienígenas se extravía, adoptándolo en su casa y haciendo muy buenas migas con él. E.T., no obstante, será objeto de ambiciones biológicas y políticas y será perseguido, aunque con la ayuda de Elliott y sus amigos conseguirá eludir a sus perseguidores ( increíble escena de las bicicletas voladoras, en la que me sentía super identificado, excepto por lo de volar llevando un extraterrestre en la cesta, claro está) y conseguirá hace señales a los de su especie para que vuelvan a rescatarlo.
Película enclavada en un marco puramente juvenil, con golpes muy graciosos ( teléfono, , disfraces, o cuando ocultan a E.T. entre los peluches), pero asimismo Spielberg dota al film de un cariz dramático en el sentido de que nos asusta sobremanera lo que pueda haber ahí fuera, poniendo sobre todo en relevancia el valor de la amistad por encima de todas las cosas.
Dos reflexiones: supone una vuelta de tuerca a Encuentros en la Tercera Fase pero más orientada a la familia, aunque el mensaje es el mismo; y segundo, apela a la no hostilidad ante lo desconocido.
Para la banda sonora, Spielberg contó con un mago del celuloide, John Williams ( responsable también de los scores de Star Wars, Superman o Indiana Jones entre muchísimas otras, vaya la creme de la creme ), y como no podría ser de otra manera, quedó inmortalizada en nuestros cinéfilos oídos como una de las soundtracks más populares y reconocibles de la historia del cine sobre todo su momento álgido de la persecución con las bicis voladoras.
Es una gozada darse cuenta de todos los buenos recuerdos que me trae esta película, recuerdo haberla vista en Burgos con mis primos y mi hermana, en las Navidades del 82, recuerdo que a la salida había nevado de lo lindo, recuerdo que me encantó la pelo y sobre todo Elliott que tenía mi misma edad por entonces. Pero lo que nunca olvidaré y mejor recuerdo de esta inolvidable película es que fue la primera vez que lloré en el cine ( y he seguido haciéndolo cada vez que la he vuelto a ver).

Tren de Largo Recorrido


The Doobie Brothers. Grupo californiano originario de San José formado en 1970 por el cantante y guitarrista Tom Johnston, el batería John Hartman, el bajista Greg Murph (sustituido casi en seguida por Dave Shogren), el guitarra rítmica Trian Porter y el batería Mike Hossack, que debutarían con el LP homónimo Doobie Brothers (1971) practicando inicialmente un sonido country rock, con ligera inclinación hacia la música gospel y con ayuda inestimable de sección de vientos.
Sus grandes éxitos vendrían inmediatamente con su segundo álbum, Toulouse Street (1972), con su primer gran éxito Listen to The Music y el tercero, The Captain and Me (1973) en el que se recogen canciones como este famosísimo Long Train Running, que les llevaría directos a los altares del rock. Su estilo ya se orienta hacia un boogie rock o rock bailable, aunque todavía predominaba el country rock de los inicios.
Fue en 1974 con la entrada en el grupo del teclista Michael McDonald cuando The Doobie Brothers cambian su tendencia musical hacia algo más soul, rock y ya se empiezan a entrever ciertas pinceladas jazz en sus composiciones, sobre todo a raíz de la publicación de su álbum Takin’ It To The Streets (1976). Así llegaron años muy exitosos de giras y aclamación popular de crítica y público por su capacidad de ser auténticos y no ser encasillados en ningún género en concreto. En 1982 se disuelven aunque regresarían con nueva formación en 1991 y comienzan a juntar a sus antiguos miembros, realizando en 1995 una gira conjunta con la Steve Miller Band.
Repasaremos en este punto sus diez mejores temas en nuestra opinión de peor a mejor en orden descendente: Take Me in Your Arms (Rock Me), Dependin’ On You, Need a Little Taste of Love, Minute By Minute, China Grove, What a Fool Believes, It Keeps You Running, Black Water, Listen To The Music y Long Train Running.
Banda difícil de catalogar por lo camaleonico de su estilo, lo cambiante de sus canciones ( tienen todo tipo de temas) y lo poco prodigados a la celebridad de sus miembros, a excepción de Michael McDonald, The Doobie Brothers se ganaron un merecido hueco en el Rock and Roll Hall of Fame por su perseverancia, su calidad y sus enormes tablas en directo.
Recuerdo un revival de The Doobie Brothers en las radio fórmulas de los noventa cuando editaron su disco en directo en 1995 y se les versioneó hasta la saciedad ( hasta La Unión osaron a hacer un cover de Long Train Running, nada malo por cierto ).
Es una banda fácil de escuchar en cuanto que engancha a la primera aunque fuera de tres o cuatro temas no han e ido el tirón comercial que se hubiera deseado para su innegable calidad.No obstante el legado que dejan es como para estar satisfechos.
Without Love… Where Would You Be Now…?

Best Live Albums #7: Allman Brothers Band-At Fillmore East


Buenas Noches, hoy 365RadioBlog retoma la serie Best Live Albums en la que repasamos uno a uno los mejores LPs en directo de la historia del rock, y hoy le toca a un disco inmortal, porque, aparte de ser el pináculo, la cima, el summum de sus creadores, todo un hito creativo y estilístico para las tendencias y corrientes venideras, supuso un antes y un después en la forma de grabarse y ejecutarse y fue una piedra de toque a la experimentación del rock con el jazz, el country y el blues.
Estamos hablando de la obra maestra de The Allman Brothers Band, At Fillmore East (1971), producido por Tom Dowd y grabado durante tres mágicas noches del marzo neoyorquino del 71, en la sala de conciertos Fillmore East en la que la banda de los geniales hermanos Gregg y Duane Allman (órgano, voz y guitarra slide respectivamente), junto con el enorme guitarrista Dickey Betts, el genial bajista Berry Oakley, Butch Trucks a la batería y timbales y el percusionista de ébano Jay Johani Johanson, elevó el rock a un estado superior e irreversible como germen de una serie de discos de otros artistas inspirados en esta increíble fórmula.
At Fillmore East, en su primera edición, contenía siete cortes, muy intensos cada uno de ellos y con improvisaciones y solos en su mayoría, siendo casi todos ellos clásicos del blues o del jazz de enormes músicos ya consagrados y re visitados por los hermanos de Nashville.
El show comienza con la enorme elegía del blues rock Statesboro Blues de Blind Willie McTell, con el slide de Duane echando humo y un ritmo trepidante; continúa con Done Somebody Wrong de Elmore James, con una armónica explosiva y el blues que se mete por las venas con el genial Dickey Betts haciendo de las suyas; el tercer corte, Stormy Monday de T Bone Walker, cierra la primera cara del primer disco con diez minutos increíbles llenos de sutileza blues era, clase de la buena, lujazo.
La segunda cara la llena totalmente el corte You Don’t Love Me, veinte minutos donde la mayoría son improvisaciones swing, blues y reminiscencias sureñas y dixie.
El segundo álbum comienza en su cara A con Hot ‘Lanta, de corte más jazz con el órgano y las guitarras en un esplendor jazz ístmico y rockero como jamás se ha visto, siendo uno de mis temas favoritos del grupo. Le sigue In Memory of Elizabeth Reed, compuesta por Betts y rebosante de glamour y guitarras gemelas entrelazadas, muy jazz y evocadora hasta la saciedad, incluso algunos pasajes me recuerdan a Santana (¿quién habría influido a quién?)
Y llegamos al punto álgido, la segunda cara del segundo disco, ocupada íntegramente por mi favorita, el tesoro llamado Whipping Post. Lo tiene todo, ese bajo, esa guitarra que se incorpora, el slide de Duane, el órgano de Gregg en un in crescendo que rompe con la voz cálida que acaba en un estribillo digno de los altares del rock y sus padres el blues y el jazz.
En la edición de luxe se incluyeron cinco cortes más : Trouble No More, Don’t Keep Me Wonderin’, One Way Out, Mountain Jam y Drunken Hearted Boy.
Este disco, aparte de ser grabado con la banda en auge y máximo apogeo ( después de cada día de concierto de los tres que duró la grabación se iban al estudio y repasaban y ensayaban los temas, de ahí que salieran todos ellos tan redondos) estilísticamente es homenaje al pasado y referencia para el futuro, en un año como 1971, clave para la música rock en vivo.
En cuanto al concepto de la portada, sencillamente genial, otro homenaje a la naturalidad de la banda y a su personal (The Crew) que sale retratado en la contraportada con todo el equipo embalado.
At Fillmore East representa el canto del cisne de Duane ( que fallecería poco después en accidente de moto) y a su vez la consagración de una banda excepcional en las improvisaciones y en la presentación de los temas en directo. Nunca me cansaré de escucharlo.
Sometimes I Feel…Tied To The Whipping Post…!

Perturbados por el Nu Metal


Disturbed. Banda de Nu Metal o Metal alternativo creada en Chicago en 1996 por los componentes de Brawl, a saber: Dan Donegan, Steve “Fuzz” Kmak, Michael Peackles y Mike Wengren, los cuales se unieron al vocalista neoyorquino David Draiman (quien sustituyó a Wade Bennett), para formar una banda a la que el propio Draiman se encargaría de rebautizar con el nombre de Disturbed (Perturbados), practicando un estilo agresivo, cercano al Nu Metal (con muchos reminiscencias de Korn o Pantera ), pero yendo progresivamente desembocando en un sonido más alternativo, con ritmo más entrecortado, reminiscencias grunge y Hard rock, con lirismo más acentuado y con estribillos más comerciales.
Disturbed engancha, es un grupo que te puede no gustar mucho su estilo, pero Draiman de entrada muestra ya algo diferente, con esos sonidos a caballo entre graznido y rugido entre estrofa y estrofa tan característicos suyos, estéticamente llama también la atención su mascota encapuchada presente en todos los discos, pero es su legión de fans teenage es la que les ha convertido en todo un fenómeno en los States. Por si fuera poco, una fantástica versión de Land of Confusion de Genesis les puso en valor respecto al panorama Mainstream, demostrando ser capaces de eso y mucho más.
Como trabajos, destacaremos su debut The Sickness (2000) y mi favorito y con el que los descubrí, Ten Thousand Fists (2004), el primero en el que incorporan riffs de guitarras y con el que tuvieron resultados excelentes y una gira posterior exitosa, a pesar de los constantes problemas vocales y etílicos de Draiman, a los que finalmente pudo sobreponerse.
Hemos elegido diez canciones como nuestras favoritas de peor a mejor en orden descendente:
Stupify, Prayer, Asylum, Inside The Fire, The Night, Another Way To Die, Indestructible, Ten Thousand Fists, Down With The Sickness ( su primer éxito) y Stricken, su canción más representativa, himno de sus fans y perteneciente al Video juego Guitar Hero III, siendo uno de su temas más complicados de ejecutar.
Disturbed anunciaron un receso indefinido en 2011, por lo que tras la grabación de su por ahora último trabajo The Lost Children, aún no se sabe si es un adiós o algo pasajero; en cualquier caso estamos ante una de las mejores bandas metaleras que ha dado este siglo, originales e intensos a partes iguales.
That I Am… Stricken And Can’t Let You Go…!

Sabor a Buen Pop Rock Español


Danza Invisible. Grupo malagueño de Torremolinos formado en 1981 por Ricardo Texidó ( que abandonaría en 1993) Chris Navas y Manolo Rubio, procedentes del grupo Adrenalina, quienes reclutarían a Antonio Gil a la guitarra y al flaco rubiales Javi Ojeda como cantante, con esa personalísima y sonora voz que ha caracterizado a la banda desde sus inicios.
Unos inicios por cierto menos ligados al pop rock posterior y con más afinidad a la New Wave británica y a las tendencias post punk y pseudo electrónicas del grueso de bandas que compusieron la Movida Madrileña, aunque Danza Invisible perteneciera más al movimiento que a la Movida en sí al desarrollar su música fuera de la capital. Ya con su primer single Mis Ojos Hacia Tí, de su segundo álbum Contacto Interior ( el primero fue el mini LP de debut Sueños  de 1982), los malagueños comenzaron a cosechar merecida fama en el circuito de garitos de la costa del Sol, para posteriormente abrirse al ámbito nacional con su siguiente trabajo Maratón (1985), del que rescatamos temas como uno de mis favoritos, El Club del Alcohol o El Ángel Caído. Con Música de Contrabando (1986) comienzan a granjearse un nutrido grupo de fans que les corean las canciones, tales como Sin Aliento o No Habrá Fiestas Para Mañana, pero es con su siguiente disco,-después de su Directo-, A Tu Alcance (1987) donde se advierte un giro pop en sus letras y ritmos que les aboca a un éxito clamoroso e irrefrenable con temas como Sabor de Amor ( su himno y canción ochentera por antonomasia), Reina del Caribe, el cover de Van Morrison A Este Lado de la Carretera o El Brillo de una Canción. Seguido de un recopilatorio, editan su séptimo trabajo de estudio,, Catalina, más intimista y con referentes caribeños, como la homónima, Naturaleza Muerta o la preciosa versión que hicieron del Yolanda de Pablo Milanés.
A partir de aquí, el resto de sus discos se vuelven más prescindibles,si acaso se salva Clima Raro (1993)- con Amor de Madre y Para Siempre,- quedándonos sobre todo con sus buenísimos directos, como el que pudimos presenciar en 1995 en el pabellón de la Universidad de Navarra, donde mi amigo Luis y yo nos colamos a la parte de arriba de las gradas que estaba cerrada y nos apostamos en una especie de balconcillo medio agazapados y “brindando” por la amistad y las buenas vistas…
Volviendo a Danza Invisible, resaltar que ante todo su música rezuma frescura, buen rollo, energía. En sus colaboraciones también se nota su sello, como la que hicieron con sus paisanos Efecto Mariposa en el tema No Me Crees y en numerosos tributos y conciertos.
Y es que, aparte de llevar treinta y pico años ya en esto, su humildad y cercanía les granjean simpatías allá donde van, amén de su innegable calidad musical que les ha llevado a estar donde se merecen por méritos propios. Siempre fui más fan de su simpatía que de su música, sin desmerecer un ápice está última.
…Naranjas en agosto… Y Uvas en Abril…!

La Psicodélica Mariposa de Hierro


Iron Butterfly. Cuarteto de San Diego formado por Doug Ingle, Ron Bushy, Jerry Penrod, Darryl De Loach y Danny Weis ( aunque sufriría varios cambios de formación durante sus periodos de existencia ), famoso por crear una de las paranoias psicodélicas por excelencia de la historia del rock, una canción de diecisiete minutos de duración con un extraño título: In-A -Gadda-Da -Vida, sobre el cual se han hecho infinidad de especulaciones: la primera versión afirma que fue una deformación en la pronunciación de In The Garden of Eden ( En el Jardín del Edén). La segunda teoría promulga que al batería le iban dictando el título por auriculares y al no oír bien ( o estar muy pasado de drogas), dijo el título como le pareció. Una última versión sostiene que Ingle (de madre mexicana) quiso registrar a un asistente llamado David a causa de la pérdida de un cenicero y exclamó Indagar a David! En su lengua materna. Ninguna de las tres versiones ha sido confirmada o desmentida jamás por el grupo.
Sea como fuere dicho tema pertenece al Olimpo de la psicodelia de finales de los sesenta y supuso una enorme influencia para lo que estaba por venir; por ello, aunque esta canción es su tema más conocido, Iron Butterfly fue una banda de bastante más recorrido, considerándolos unos de los padres del Heavy Metal y del Hard Rock, incluso do arock progresivo con trepidantes y larguísimos temas y sonoridad estridente que les entroncan con los primeros Deep Purple , aunque no pudieron mantener una estabilidad creativa que les hubiera llevado más lejos debido a sus continuas disputas -de hecho estaban en el cartel de Woodstock pero se cayeron a última hora por una terrible trifulca entre ellos en el aeropuerto-.
Tras un primer receso en 1974, Iron Butterfly, sin un líder claro, retoman la actividad en 1977 parando de nuevo en el 85 para volver en 1987 hasta hoy, aunque prodigándose más bien poco productivamente, por lo que las canciones que repasaremos de ellos casi todas son de sus primeros tres discos. De peor a mejor y en orden descendente, estas son mis favoritas: Iron Butterfly Theme, Real Fright, Flowers and Beads, Easy Rider, Possession, Are You Happy?, New Day, Unconscious Power, Fields of Sun y la mencionada In-A -Gadda -Da-Vida. En este punto nos plantearemos si el resto de canciones no da el nivel o fueron eclipsadas por semejante obra maestra. Juzguen ustedes. Yo me quedo con ese atronador órgano, esas líneas de bajo y solos de batería, y esa voz de ultratumba que me transportaban a otros lugares sonoros…
In- A- Gadda-Da-Vida, Babe, Don’t You Know That I’m Loving You…!

Club de Fans Alternativo


Teenage Fanclub. Banda escocesa procedente de los alrededores de Glasgow formada en 1989 por Norman Blake, Raymond McGinley y Gerald Love (sus tres miembros más estables), a los que más tarde se uniría Francis MacDonald, caracterizados por practicar un rock alternativo que nace en su primeras formas como un shoegazing similar al practicado por sus vecinos The Jesus and Mary Chain, pero más influenciados por grupos más líricos como The Byrds o The Beach Boys, y con ciertas reminiscencias de los ingleses The Housemartins, también en una línea power pop con poderosos e intensos riffs que a medida del paso de los años y los discos se van agudizando y haciendo más melódicos.
Teenage Fanclub es sobre todo un grupo de melodías, de empastes vocales, muy a lo Big Star, aunque empezaron en una línea más noise con A Catholic Education o The King. Tras la publicación de su tercer LP Bandwagonesque se empieza a notar un ascenso en cuanto a éxito comercial fruto de sus temas más maduros y pop, guitarras de riffs más afinados y melodías más del gusto británico. Sus álbumes Thirteen, el enorme Grand Prix (que contiene varias de sus joyas más brillantes) y sobre todo su obra maestra dulce, ecléctica, melódica, naif y entrañable a más no poder, su techo creativo en mi opinión, uno de los mejores discos que escuché en los noventa, Songs From Northern Britain (1997), oda al folk Byrds revisitado por cuatro fenomenales escoceses.
Pasemos a repasar sus mejores temas de peor a mejor en orden descendente: I Don’t Want Control Of You, Mellow Doubt, Hang On, Radio, The Concept, Speed of Light, It’s All in My Mind, Start Again, Sparky’s Dream y mi absoluta favorita, la joya aterciopelada y exquisita Ain’t That Enough.
Una vez los pretenciosos hermanos Gallagher dijeron que después de Oasis, la mejor banda de la tierra, les seguían bastante de lejos Teenage Fanclub. Probablemente se equivocaran con respecto a Oasis, pero dudo mucho de que entonces hubiera muchos mejores grupos que este Club de fans adolescentes con semejante calidad vocal y lírica digna de los tiempos de las mega bandas folk rock.
Here is a Sunrise,  Ain’t That Enough…!

Cine & Música #49: Memorias de África


Memorias de África. Película titulada originalmente Out of Africa dirigida en 1985 por Sydney Pollack y protagonizada por un dúo de lujo como Meryl Streep y Robert Redford, respaldados por Klaus María Brandauer, que narra la estancia de la escritora y aristócrata danesa Karen Blixen ( cuyo pseudónimo literario fue Isak Dinesen), en Kenia UNT a un marido mujeriego y bastante mayor que ella, por lo que desencantada, decide buscar aventuras de la mano de un cazador y aviador vividor y liberal que hará su vida un poco más fácil y la arrastrará a la pasión, aunque tras algunos problemas, Karen se verá obligada a volver a su Dinamarca natal.
Fantástico film romántico dentro del género literario Bildungsroman, basado en la biografía de Blixen Isak Dinesen: The Life of a Story Teller de Judith Thurman y también en Silence Will Speak de Errol Trzebinski, el cual consiguió nada menos que siete Óscar en la edición de 1985, entre los que se encuentran los de mejor película, mejor director y por supuestísimo, mejor Banda Sonora Original de la mano del mítico John Barry (Cowboy de Medianoche, Bailando con Lobos).
Probablemente sea uno de los scores más reconocibles de la historia del cine, con diversos pasajes en los que se trabaja muy bien los momentos en los que se encuentra la protagonista, quedando para el recuerdo la escena del paseo en avioneta de Redford y Streep en el que se observan toda la sabana keniata y los animales que habitan en ella, dotando de un romanticismo bien entendido y un lirismo sin precedentes a una escena abocada a la inmortalidad. Muy posiblemente esta escena, -sin desmerecer en absoluto el resto de la cinta en la que ambos protagonistas están soberbios- sea la que le otorgó a Pollack el Óscar .
A modo personal, recuerdo ver esta película con mi madre y ver como, sin ser de lágrima fácil, se emocionaba y estremecía con esta escena, no pudiendo menos que acabar regalándole esta banda sonora en uno de sus cumpleaños.
Por otro lado he de decir que tanto Pollack como Meryl Streep y Robert Redford forman parte de mis favoritos de la industria y que Barry pone la guinda en un delicioso homenaje al romanticismo por parte de estos genios del celuloide.

Ciudades del Rock #16: París


París. La Ciudad de la Luz. La rutilante, brillante, ordenada , refinada, romántica, hipercentralista y ampulosa capital de Francia también se ha ganado a pulso el título de Ciudad del Amor.
Bañada por el Sena y con siete colinas al igual que Roma, la antigua Lutecia es uno de los centros de las artes con museos como el Louvre o Quai D’Orsay, la cultura con el Centro Pompidou la gastronomía, con restaurantes como Maxim’s, la moda, el entretenimiento (cabarets como Moulin Rouge o Folies Bergère), de la arquitectura con la Tour Eiffel, La Defense, L’Arc du Triomphe, Le Sacré Cœur y multitud de obras más.
Es la ciudad de los bulevares, de los puentes, de los arrondissements o barrios, de la excelsa catedral de Nôtre Dame, de los paseos por el Sena en bâteau-mouche… Y es la ciudad de la música, con su imponente Ópera, sus músicos callejeros, sus acordeones por doquier.
Es hora de hacer un repaso a la música francesa y parisina en particular. Comenzaremos con los mitos de la llamada Chanson Française, heredera de los vodeviles décimo inicios y de la ópera, con el auge de las varietés surgieron figuras como Mistinguet, su amigo Maurice Chevalier, la afroamericana Josephine Baker, el inmortal Jean Gabin, y ya un poco más adelante la reina indiscutible y atormentada Edith Piaff, el belga Jacques Brel, el enorme Yves Montand, Christophe, la chica que popularizó el pelo a lo garçon, Mireille Mathieu, el asombroso armenio de origen Charles Aznavour, Sacha Distel, los cantautores del 68 Georges Brassens y Georges Moustaki, Boris Vian, Charles Trenet y luego las chicas, muy en auge en esa apoca, como Françoise Hardy, Sylvie Vartan, la actriz Brigitte Bardot, France Gall, la británica Jane Birkin que junto a Serge Gainsbourg revolucionó la canción romántica, el célebre Claude François, el rockero Johnny Halliday, el cantautor Renaud, el solista más importante de los ochenta, mi favorito Jean-Jacques Goldman; el rey del tecno futurista Jean-Michel Jarre, hijo del compositor Maurice Jarre. El pop en los ochenta tuvo un marcado acento femenino con Elsa, Viktor Laszlo, Mylene Farmer, Desireless, Patricia Kaas, Vanessa Paradis o Lio, aunque tenemos como exponentes masculinos a Florent Pagny o Patrick Bruel. Como grupos tenemos a L’Affaire Louis Trio, Les Rita Mitsouko, Mano Negra con Manu Chao al frente, Les Négresses Vertes, Images, Indochine, Gold o ya en los noventa los grandísimos Noir Désir (cuyo cantante dio con sus huesos en la cárcel por asesinar a su novia la actriz Marie Trintignant).
En los últimos tiempos, destacar al súper DJ David Guetta, Khaled, Alizée, el grupo Rhinocêrose, Ruda Salska, la ex primera dama Carla Bruni, BB Brunes o Trust.
Mucho solista, pocos grupos, carácter individualista, mucho talento en general. Y muchos recuerdos de mi estancia imborrable en tierras galas que me abrió los ojos y os oídos a una nueva música y que gracias a canales musicales como M6 o RadioNRJ mi afición creció y creció hasta convertirse en la pasión que es ahora.
Au Revoir Paris, à bientôt !

Lista Spotify #25: 365RadioBlog Dic 2014- Ene 2015

Buenas Noches, hoy 365RadioBlog hace un inciso en las entradas de los viernes en las que solemos hablar de los mejores álbumes en directo para traeros una lista Spotify con lo mejor de las entradas publicadas en Diciembre 2014 y Enero 2015l con los siguientes grupos y artistas: Duran Duran, The Connells, TV On The Radio, The Beatles, John Lennon, George Harrison, Paul McCartney, The Strokes, Frank Sinatra, Status Quo, Medina Azahara, The Notwist, ABBA, Villancicos, Johnny Winter, The Supremes, Sade, Jeff Bucklet, Queen Live, El is Presley, Música Infantil, El Último de la fila, Jet, The Who Live, Robbie Williams, Chuck Berry, The Stooges, Los Piratas, Wolfmother, Deep Purple Live, Grand Funk Railroad, Jethro Tull, Ska-P, Ok Go, Kiss Live, Heart, The Jesus and Mary Chain, Tahúres Zurdos, A Perfect Circle, Bruce Springsteen Live y Rainbow.
Espero que la disfrutéis, feliz fin de semana.
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