Maldad Policial


Interpol. Banda neoyorquina formada en 1998 por el cantante Paul Banks, Daniel Kessler, Greg Dudy ( sustituido por Sam Fogarino en 2000) y Carlos Dengler, caracterizada por desplegar un rock oscuro pero elegante, muy en sintonía con las bandas de pop rock de los ochenta, tipo R.E.M., aunque mucho tienen también de Joy Division, -siendo al principio el parecido casi irritante-, o los alemanes Bauhaus, cercanos pues al post punk o new wave, aunque otra vertiente de sus influencias los acerca a los grupos alternativos americanos como The Pixies, Sonic Youth o Dinosaur Jr. Es en 2000 cuando realmente comienza la andadura musical de esta banda con el Ep Interpol, aunque con su cambio de sello a Matador Records vuelven a editar otro álbum de  corta duración,  The Black EP, antesala de su primer y  brillantísimo LP Turn On The Bright Lights, muy ligado al estilo Joy Division y The Chameleons. Su segundo álbum, Antics (2004), esta lleno de talento, de buen hacer, con un voto estilístico hacia algo más personal pasado por el filtro de las influencias alternativas americanas, quizás algo oscuro pero con brillantísimos momentos como este Evil, por ejemplo.
Con su tercer trabajo, Our Love To Admire (2007), Interpol ficha con Capitol Records, notándose esto en su cuidadísima producción, texturas, matices, teclados, menos contundente pero muy elegante. Tras su directo en el Astoria de 2007, del cual grabaron la evidencia sonora, los neoyorquinos lanzan su cuarto álbum, el homónimo Interpol (2010), oscuro pero más sofisticado que los demás, antesala de su última y gran obra El Pintor (2014) para mí un cambio de rumbo muy interesante, además de ser su título un anagrama de Interpol, y resulta una obra digna de una banda como la copa de un pino.
Para rematar escogeremos sus mejores diez canciones de peor a mejor en orden descendente: Obstacle 1, The Heinrich Maneuver, NYC, Slowhands, Barricade, PDA, Rest My Chemistry, Lights, All The Rage Back Home y la fabulosa y poderosa Evil.
En definitiva, gran banda, original y que aporta muchos matices dentro del panorama actual, que no se cansa de ofrecer detalles innovadores dentro de su clasicismo alternativo y post punk, añadiendo nuevos matices sonoros acordes a los nuevos tiempos.
It Took a Lifespan, With No Cellmate, The Long Way Back…Saying Hey Why Can’t We Look The Other Way…!

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Un Señor llamado Ramón


El Señor Ramón. Banda pamplonesa formada por el cantante Lucas Irisarri ( también componente de Barracus junto a Gussy y co propietario de Discos El Gringo), junto a Eneko Reketibate, Manuto Moncada, Felipe Lázaro y Edmundo Irujo, caracterizados por desarrollar un rock muy cercano al estilo Americana pero con tintes alternativos en sus últimas producciones, habiendo dado un salto de calidad considerable con su último álbum 2012, recién salido del horno y con temas muy elaborados y ricos en matices como este asombroso y espectacular Gernika, la preciosa Lo Que Queda Atrás, Marrakech, El fin del Mundo, Keroseno, Berlín o El Ojo del Huracán, todas ellas marcadas por la especialísima y rasgada voz de Lucas, con arreglos cuidados pero a la vez siendo un sonido auténtico sin ansias de venderse al circuito Mainstream. Y es que Lucas y los suyos ya llevan años dando guerra, concretamente desde 2004, por todos los hartos y clubs de Pamplona, Navarra y el resto del país, ofreciendo unos conciertos llenos de garra y rock and roll, con canciones repletas de ritmo como Tiempos Mejores, Buenos Aires, El Trato o El buen Ladrón, todas de su disco homónimo (2010)o el cover que hicieron de Maneras de Vivir de Leño para una campaña turística del Gobierno de Navarra. Tras un tiempo de paréntesis en el que Lucas ha estado ocupado con su proyecto paralelo Barracus ( junto a Gussy Ex de El Color de la Duda) El Señor Ramón se volvieron a juntar el año pasado para grabar a medias entre el pueblo navarro de Aberin y Londres, con un proyecto ambicioso que pretende darles el espaldarazo definitivo al reconocimiento nacional que tanto se merecen, puesto que son una banda de muchísima calidad en estudio y con mucha fuerza e intensidad en directo. El señor Ramón, o el rock independiente con aires sureños que pega fuerte en Navarra. No Paraba de Llover…!

La Familia Funky de Sly


Sly & The Family Stone. Grupo multitudinario, casi una orquesta, formado en San Francisco en 1967 por el compositor, productor, cantante y múltiple instrumentista Sylvester Stewart, alias Sly Stone junto a músicos como su hermano Freddie a la guitarra, Gregg Errico a la batería y Rosie Stone, junto a Cynthia Robinson a la trompeta, Larry Graham al bajo y el grupo de gospel Little Sister, entre otros muchos. Es importantísima la influencia que tuvo esta macro banda para el posterior desarrollo y evolución del género funk o funky en los setenta, ya que Sly y compañía comenzaron a practicar un estilo muy heredado del gospel con coros y ritmos cadentes, acoplado de ritmo soul asincopado con bajos contundentes y una sección rítmica de vientos apoteósica, donde todos intervenían, las voces iban por lados distintos y en varias direcciones creando una orquesta brutalmente animosa y se da la circunstancia que fue una de las bandas pioneras en la integración multirracial y con componentes de ambos sexos en la misma. En 1969 con la irrupción de la psicodelia, tendieron un poco más al jazz y al pop en composiciones más elaboradas y con una duración más larga en sus temas, sobre todo a raíz de su éxito Stand!, incluyendo la técnica llamada Slap en el bajo.
Sin embargo una circunstancia curiosa ajena a la música y más ligadas la política hizo que Sly se viera obligado a expulsar a sus músicos blancos: la presión de los Panteras Negras hizo que Gregg Errico abandonara. A todos estos hechos se unió la tendencia de Sly por rodearse de guardaespaldas con antecedentes criminales, que hacían las veces de camellos y matones a sueldo contra los críticos indeseables. Con todo ello, la banda sufrió una crisis en el 72 que dio con los huesos de Larry Graham fuera del grupo, con lo que los pilares de Sly & The Family Stone comenzaron a tambalearse. En 1975 Sly comienza su periplo en solitario hasta 1983 en la que se hizo ya insostenible su drogodependencia. Ahora pasaremos a recordar sus canciones más relevantes de peor a mejor en orden descendente: Hot Fun In The Summertime, Sing A Simple Song, Life, Everybody Is a Star, You Can Make It If You Try,  M’Lady, Stand!, Everyday People, I Want To Take You Higher y la estupenda y precursora del funk Dance To The Music.
Grupo pionero y precursor, con influencias en bandas más actuales como Public Enemy, Beastie Boys, Fat Boy Slim, que les ha valido para ser incluidos en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992. No es para menos.

Dance To The Music…!

El Amor Según Arthur Lee


Love. Banda norteamericana formada en Los Ángeles en 1966 por el primer hippie negro y predecesor de Jimi Hendrix, el cantante, guitarrista y compositor Arthur Lee, junto al guitarrista y segundo de a bordo Bryan McLean, el bajista Johnny Fleckenstein y el batería Don Conka, la cual revolucionó el panorama musical de la época, siendo considerados unos adelantados a su tiempo, y si bien se valora muchísimo su trayectoria pop, hay que decir que en es en su primer disco de 1967, Da Capo, donde aparecen temas como 7 & 7 Is que supone la piedra de toque para el llamado Proto punk que más tarde desarrollarían formaciones como MC5.
Todo ello influiría primero en grupos como Led Zeppelin o Jefferson Airplane, siendo además precursores de la psicodelia con su segundo álbum de 1967, el mítico y reconocible por su portada Forever Changes, uno de los discos que más ha contribuido a la música posterior.
Además hubo un genio que bebió de las fuentes de Arthur Lee y lo tuvo como icono absoluto: se llamaba Jimi Hendrix, quien le debe mucho a Love en su estilo con la guitarra y a su forma de cantar.
Y es que Love es un grupo con poca producción original ( sólo dos discos como banda, luego Lee puso ese nombre a sus discos con músicos de sesión y disolvió Love), pero son señas de identidad cultural del pop rock, obras maestras de culto de los inciso del movimiento musical en Norteamérica.
A continuación nuestras diez mejores canciones de Love en nuestra opinión: And More Again, Your Mind And Me We Belong Together, A Message To Pretty, My Little Red Book, The Red Telephone, She Comes in Colors, Alone Again Or, ! Qué Vida!, A House is Not A Motel y la fantástica y arrebatadora 7 & 7 Is.
Grupazo fantástico a la vez que breve, icónico aunque poco aclamado hoy día, pero con un bagaje y un poso que influyó de tal forma en sus sucesores que cuesta encontrar un solo grupo o artista de los últimos sesenta y primeros setenta que no se hayan sentido atraídos por el reto o psicodélico en ocasiones, proto punk en otras, edulcoradamente pop en otras más, de una banda legendaria con un líder sublime y excelso que concentró su talento en dos maravillosas joyas del rock. Arthur Lee, el inmortal padre artístico de Jimi Hendrix.
Trapped Inside a Night But I’m A Day and I Go… Oop Ip Ip Oop Ip Ip Yeah…!

Cine & Música #59: West Side Story


West Side Story. Película norteamericana dirigida en 1961 por Robert Wise (Sonrisas y Lágrimas) y Jerome Robbins (coreógrafo de la versión para Broadway de El Violinista en el Tejado) y protagonizada por Natalie Wood, Richard Beymer, Rita Moreno y George Chakiris, en una adaptación cinematográfica de la obra musical de Broadway de 1957 obra de Leonhard Bernstein en la música y Stephen Sondheim en la letra. Historia recurrente, adaptación del clásico de William Shakespeare Romeo y Julieta, pero ambientada en la Nueva York de los años sesenta en el marco del enfrentamiento de dos bandas rivales, unos puertorriqueños y los otros irlandeses, donde surgirá un romance entre la chica puertorriqueña, María , hermana del líder de los Sharks, Bernardo y uno de los irlandeses de los Jets, Tony, con cuya fórmula ganó nada más y nada menos que diez premios Óscar de once nominaciones: película, dirección, actriz de reparto para Rita Moreno, actor de reparto para George Chakiris, fotografía, dirección artística, diseño de vestuario, montaje, sonido y banda sonora (a cargo de Saul Chaplin, Johnny Green, Sid Ramin e Irwin Kostal). Existen momentos indelebles de la música cinematográfica en este largometraje, tales como María, América ( la más famosa), Tonight, The Rumble, Cool, A Boy Like That I Have a Love y el maravilloso cierre con Somewhere. Es una película icónica en cuanto a lo estético, con sus coreografías impactantes y arrebatadoras, pero a su vez es una crítica mordaz del sueño americano , de la integración de los inmigrantes, del racismo y los estereotipos, es un homenaje a Nueva York, aunque se usaron multitud de escenarios, pero su esencia reside en Manhattan. Sobre todo, West Side Story, sea en su versión Broadway como en la cinematográfica, es una obra que ha trascendido el paso del tiempo, de las modas y de las circunstancias, siendo un documento eterno acerca del amor, las miserias humanas, la lucha por sobrevivir, la capacidad de adaptación a las nuevas reglas y la forma de romperlas. West Side Story era la película favorita de mi abuela, que en paz descanse, y a ella le dedico esta entrada. I Like To Be In America…Okay By Me In America…Everything Free In America…For A Small Fee In America…!

Ciudades del Rock # 21: México D.F.


México D.F. La Ciudad de los Palacios. Tenochtitlán. La ciudad del águila y el Nopal. La capital del floreciente imperio azteca o méxica, la capital de Nueva España, la urbe más poblada de Hispanoamérica con una conturbación de 25 millones de habitantes y una de las más populosas y amplias del mundo, también muy insegura y crisol de etnias mexicanas y del mestizaje hispanoamericano, ha forjado su historia a sangre y fuego, siendo un centro de conexión cultural entre dos mundos, con rebeliones, revoluciones, repúblicas, panchos Villas, Zapatas, narcos, todo lo que se pueda imaginar.
Por todo ello podemos imaginar que su rica cultura haya dado como resultado u panorama, musical de estilos variopintos y riquísimos en matices, con un estilo diferencial que les identifica del resto: estamos hablando de las rancheras y los corridos, mezcla de lo indígena y del folclore del colonizador español, con sus particularidades dependiendo luego de cada estado ( desde el tex mex del norte hasta los corridos y rancheras de Guerrero, Jalisco y Oaxaca o los más populares mariachis.
Ahora pasaremos a repasar las voces y grupos más relevantes del panorama mexicano de ayer y hoy.
En cuanto a históricos de la canción mexicana tenemos a Jorge Negrete, Pedro Infante, Javier Solís y Vicente Fernández, junto a Los Panchos o una voz femenina tan rompedora como Chavela Vargas. El fenómeno de los narco corridos con Los Tigres del Norte también es digno de mención.
En el ámbito romántico tenemos a Luis Miguel, Alejandro Fernández, Juan Gabriel, Cristian Castro o las divas Thalía y Paulina Rubio. Interesantes apuestas son las de la cantante Yuri, el solista Alex Syntek, la acordeonista Julieta Venegas y el grupo poprockero Maná. Mencion aparte para la inefable Paquita la del Barrio.
En el ámbito del Rock tenemos al máximo exponente mexicano en Carlos Santana, quien hizo escuela en los setenta junto al gran Fito de la Parra,( bateria de Canned Heat ) y otras bandas como Decibel o los punk Ritmo Peligroso y Masacre 68, los progresivos Chac Mool, Delirium o La Castañeda; bandas en los ochenta pertenecientes al sello Comrock como Kenny y Los Eléctricos, Punto y Aparte o El Tri; los metaleros Luzbel y Casino Shangai; en la escena pop hablaremos de los tijuaneros Artefacto y Alquimia.
En los noventa destacan Kerigma, Taxi y sobre todo Caifanes, uno de los mejores grupos hispanoamericanos.
Neón, Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio, Molotov , Botellita de Jerez, Rostros Ocultos y sobre todo Café Tacvba, representan la vanguardia del rock mexicano de los últimos años, con bandas también interesantes como Manchuria.
En definitiva, una escena musical rica, ecléctica, imponente y con mucho que ofrecer, que bebe de lo antiguo y de lo nuevo, de lo tradicional y lo moderno, igual que el tequila con limón y sal.
Viva México, Cabrones!

Best Live Albums #16: MC5-Kick Out The Jams


Buenas Noches, hoy 365RadioBlog os trae dentro de la sección Best Live Albums un disco absolutamente rompedor y transgresor para su época, sentando las bases de lo que unos años después sería llamado estilo punk rock en los Estados Unidos: se trata del disco grabado por la banda de Detroit MC5 en el Great Ballroom de la Motor City ( que realmente es lo que significa el nombre de la banda, el quinteto de Motor City) las dos últimas noches de octubre de 1968 y publicado en 1969, suponiendo una joya de los directos y siendo considerado como unos de los mejores 500 álbumes de la Historia del rock según Rolling Stone, exactamente el 294, a pesar de que en su momento fuera tildado de ridículo y pretencioso por el crítico Lester Bangs.
No obstante, la mayor repercusión que obtuvo el LP fue a raíz de la presentación de la primera canción por parte del genial y visceral frontman Rob Tyner, el cual, a voz en grito, patentó la famosa expresión : And Right Now, It’s Time to Kick Out The Jams Motherfuckers…!, la cual viene a decir, es hora de deshacerse de las restricciones, aunque a los ejecutivos de su sello, Elektra, no les gustó ni pizca la expresión y por tanto lo censuraron, si bien les salió el tiro por la culata ya que se vendió mucho más la versión sin cortes.
El disco empieza por lo tanto con la icónica Ramblin’ Rose, seguida del trallazo que cambió la música, Kick Out The Jams, un fantástico Come Together, cerrando la primera cara con la extraña Rocket Reducer N° 62 ( Rama Lama Fa Fa Fa).
El segundo acto abre con Borderline, sigue con Motor City is Burning, puro protopunk en toda su esencia, I Want You Right Now y por último la larguísima Starship, en un delirio instrumental en el que se dejan entrever trazas de lo que será el estilo Noise.
En definitiva, un disco inconmesurable en el que cinco adelantados a a su tiempo, cinco musicazos, -a saber: Rob Tyner a la voz y armónica, Fred “Sonic” Smith a la Guitarra y teclados, Wayne Kramer con la rítmica y teclados, Michael Davis al bajo y Dennis Thompson a la batería- consiguieron crear un estilo propio sin nexo alguno con lo anterior peor con una proyección futura que desembocaría en el punk como uno de los géneros imprescindibles del rock.
Además, esa portada icónica, mítica, a modo de collage, se quedó en mi retina desde el primer momento en que escuché esa elegía brutal de ruido trepidante y macarra. Sin duda uno de mis veinte directos imprescindibles. Lástima que hoy hayan quedado un poco olvidados, aunque los grupos de hoy no deberían ignorar todo lo que les deben a los rabiosos y geniales MC5.
Kick Out The Jams Motherfuckers…!

Los Abanderados del Punk Canadiense


Billy Talent. Banda canadiense formada en Toronto en 1993 por el vocalista Benjamin Kowalewicz, el guitarrista y voz de acompañamiento Ian D’Sa, el bajista y tercera voz Jonathan Gallant y el batería Aaron Solowoniuk, en un principio denominados Pezz ( bajo cuyo nombre grabaron dos EPs y un LP entre 1993 y 1998 con un estilo mezcla de ska y punk, pero que acabaron cambiando por temas legales de coincidencia con otra banda), y que, a partir de 2002 pasarían a su denominación actual, extraído de un personaje de la novela Hard Core Logo de Michael Turner, practicando un punk rock muy atractivo, bebiendo de fuentes de influencia como Fugazi, Jane’s Addiction o Refused, con detalles de Ska, lo que le valió engrosar con su álbum homónimo de debut la lista de los 500 mejores álbumes de punk rock y metal segun la revista Rock Hard– concretamente en el puesto 453-. De este trabajo saldrían temazos como Nothing To Lose, This Is How It Goes, Line & Sinker o River Below. Contundentes y resultonas todas ellas.
Su segundo disco, Billy Talent II (2006), supone una continuidad estilística con respecto al anterior aunque las letras son más agresivas y emotivas y las líneas de guitarras más duras y contundentes. Este segundo trabajo nos dejó su himno y canción más famosa, Red Flag, juntó a otras como la excelente Fallen Leaves, Devil In A Midnight Mass, Surrender o This Suffering. Todo ello le ayudó a alcanzar el número 1 en listas canadienses y alemanas.
Con su tercer disco, Billy Talent III (2009), sigue en la línea ascendente y es un muy buen álbum en su conjunto, aunque quizás sus canciones carezcan de la pegada del anterior. Ejemplos como Turn Your Back, Rusted From The Rain, Devil On My Shoulder, Saint Veronika o Diamond on a Landmine ilustran lo dicho.
Su último álbum hasta la fecha, Dead Silence (2012), supone un cambio de estilo respecto al anterior y un paso más en su exitosa carrera, con cortes tan interesantes como Viking Dead March, Surprise Surprise, Stand Up And Run, Show Me The Way y Runnin’ Across The Tracks.
En definitiva, grupo muy atractivo, con un punk coral de ayudas vocales, con cambios de ritmo de tranquilo a ruidoso y potentes in crescendos muy en la línea Green Day, todo ello soportado por la inconfundible voz de Kowalewicz y los riffs salvajes de D’Sa. Billy Talent, el talento de los abanderados del punk canadiense.
Cast Off The Crutch That Kills The Pain…The Red Flag Waving Never Meant The Same…!

El Beneficio de la Duda


El Color de la Duda. Banda de Pamplona creada en 2000 por el frontman, guitarrista, cantautor y productor discográfico Felipe Carvajal, “Gussy”, Jokin Pallarès a la guitarra principal, Ricardo Ros “Ritxar” al bajo y Pedro Henares, “Pepo” a la batería, caracterizados por practicar un pop rock con mucho carácter, muy al estilo americana, con el timbre especial y personal de Gussy, a medio camino entre Javier Ojeda de Danza Invisible y con una dicción poderosa y atractiva al estilo Bunbury, unido a sus tres compañeros, implicados vocalmente, imprimiendo estilo y ganas sobre todo en directo, lo que les ha valido para vencer en varios certámenes pop rock de la comunidad foral, uno de los cuales les valió para grabar su primer LP en 2001 ( el otro fue la promesa de un viaje a Cancún y la grabación de un disco en México que nunca llegó a ser cumplida por los promotores y les embarcó en una demanda judicial).
Tras Mira y Verás, su primer álbum autoproducido ,- que aunque modesto en ventas imprimió un sello reconocible en la banda y les dio a conocer a nivel local-, vendría A Mi manera (2002), que aparté de buenas canciones, se dio muy bien en directo, con actuaciones memorables de hasta 500 personas en las sala pamplonesa Reverendos.
Suerte (2003) y Déjame Entrar (2004) continuaron con el estilo y la sensibilidad rockero muy a lo Burning del grupo, concluyendo su periplo como banda con Perdiendo el Norte, un alegato sureño que se vería prolongado en los posteriores trabajos en solitario de Gussy con su banda Barracus, junto a Lucas Irisarri de El señor Ramón, de los cuales hemos hablado ya en este blog.
A pesar de no haber tenido mucha repercusión nacional, El Color de la Duda son toda una referencia en el panorama Pop Rock foral y sobre todo han sabido hacerse amigos y colaborar con gente como Kutxi Romero de Marea, quien canta en este tema, el Club, o Carlos Chaouen, entre otros y temas muy interesantes como Ausencia, Campeón del Mundo, En Mi Mente, Tengo Celos del Viento o El Cielo del Rock, son argumentos suficientes para decir que estamos ante una banda que encontró su lugar en el panorama pop rock local, y que obtuvo su merecido reconocimiento por parte de la gente que les iba a ver y de los jurados de los certámenes en los que se impusieron, pero les faltó quizás un empujón para salir a nivel nacional. A todos ellos, especialmente a Gussy ( a quien tengo el gusto de conocer personalmente y que se ha enrolado en varios proyectos, como el Sello discos El Gringo) les deseo mucha suerte en su andadura en solitario y que ojalá algún día vuelvan a deleitarnos con esos retales de rock and roll que siempre permanecerán en nuestro recuerdo.
Bienvenido…Al Club de los amores no correspondidos…!

La Religión del Punk Hardcore


Bad Religion. Banda americana formada en 1979 en el Sur de Los Ángeles por Greg Graffin ( voz), Jay Bentley (Bajo), Jay Ziskrout (batería) y Brett Gurewitz aka Mr. Brett (Guitarra), caracterizada por liderar la propagación del punk en Estados Unidos a partir de bandas ya consolidadas en USA como The Ramones, The Germs o Black Flag y por popularizar el estilo Hardcore melódico hasta llevarlo a la esfera Mainstream, siendo una poderosísima influencia para los grupos de pop punk americano como Green Day, NOFX, Rancid o Sum 41, con su vocabulario, iconografía ( su símbolo siempre ha creado polémica) y sus armonías vocales en los coros ( llamados Oozin’ aahs).
En sus comienzos, Bad Religion practicaban un rock muy acorde a los ambientes de instituto que tan bien reflejados se aprecian en las películas y que tomaron prestados del Rock and Roll High School de The Ramones, pero con su estilo y su imagen no era difícil conseguir un contrato discográfico, así que Gurewitz consiguió crear Epitaph, a partir de entonces un referente para este género. De este modo y a través de este sello (toda una eminencia a posteriori del género punk) consiguen editar su primer EP en 1981, el homónimo Bad Religion que contenía seis canciones, precedente de su primer LP, How Could Hell Be Any Worse? (1982), un soplo de aire fresco del género que ayudaron a construir el entonces componente de Circle Jerks, Greg Hetson y tras la marcha de Ziskrout se incorporaría Pete Finestone, quien permanecerá los seis restantes álbumes en la formación, bastante inestable de no ser por Graffin quien es el único hasta hoy que no se ha movido.
En cuanto a discos destacar No Control (1989) o su enorme Recipe For Hate (1993) entre los dieciséis que atesoran, el último de 2013.
Ahora repasaremos sus mejores temas de peor a mejor en orden descendente: Struck a Nerve, Shades of Truth, Faith Alone, Strange Denial, Fuck You, I Want to Conquer The World, Sorrow, Incomplete, 21st Century (Digital Boy) y su himno American Jesus.
Una banda que marcó estilo, ( que se lo digan a Offspring, sus mayores fans) quizás un tanto repetitiva y con dificultades para evolucionar correctamente debido a los constantes cambios que se produjeron en su formación, pero qué duda cabe que han escrito una importante página en la música de los ochenta y noventa y representan una de las mayores influencias para las bandas americanas que empiezan por su estilo directo y coral pero a la vez crítico en sus letras y mordaz en sus afirmaciones contra las instituciones estatales.
Bad Religion, el hardcore melódico elevado a su máxima expresión.
We’ve Got The American Jesus…See Him On The Interstate…!

Las Malas Compañías Son Las Mejores


Bad Company. Superbanda británica formada en 1973 por dos ex miembros de Free, el genial vocalista Paul Rodgers y el batería Simon Kirk, más el ex integrante de Mott The Hoople Mick Ralphs a la guitarra y el otrora componente de King Crimson Boz Burrell al bajo, la cual representa una de las mejores bandas compuestas por músicos de sesión y una de las primeras que fusionó rock con blues sin sonar a anticuado, siendo el paradigma de la modernidad en su época y dejando un extraordinario reguero de influencias y versiones a sus espaldas, sobre todo debido a su fantástico primer álbum, el homónimo Bad Company (1974), éxito rotundo y absoluto que les granjeó un fama y reputación incluso entre sus colegas de profesión, con un etilo intenso, vibrante, lleno de mezcla de estilos y reminiscencias de Free y Mott The Hoople pero con un intenso y marcado Hard Blues conferido por la sublime voz de Rodgers y su extraordinario carisma.
Con su debut, llamado también Bad Company ( nombre que Rodgers tomó de la homónima película de 1972 protagonizada por Jeff abridores), alcanzaron el número 1 en el Billboard, al igual que su segundo álbum Straight Shooter (1975), y el tercero, Run With The Pack, contó con la colaboración del ex guitarrista de Free Paul Kossoff, quien les acompañó en la gira de promoción del mismo tocando su gran éxito All Right Now., por todo lo cual acabrian obteniendo disco de platino en ventas.
A partir de Burnin’ Sky (1977), el éxito comienza a decrecer y sobre todo después de que Peter Grant, su representante y el nexo de unión entre los miembros del grupo, perdiera interés por la música a partir de la muerte de John Bonham ( batería de Led Zeppelin) en 1980.
Así las cosas Bad Company se disuelve en 1982 tras publicar Rough Diamonds, primer LP de la banda en tres años ( el anterior había sido Desolation Angels, de 1979, donde se usaron sintetizadores por primera vez en la historia de la banda).
Ya sin Rodgers, en 1986, Kirke y Ralphs emprendieron una nueva aventura contando con Brian Howe, ex vocalista de Ted Nugent, Steve Price al bajo y el ex Uriah Heep Greg Dechert a los teclados). No fue una unión muy afortunada, salvó una gira en 1987 te lomeando a Deep Purple, su música se fue difuminando hacia algo más comercial y AOR, con la salvedad de su disco de 1990 Holy Water, producido por Terry Thomas y con varias canciones en listas,supuso su penúltimo álbum y el canto del cisne antes de que Howe dejara la banda en 1994, siendo sustituido por Robert Hart, ex Distance, aunque sólo estuvo hasta 1997.
Sería el momento en que el gran Paul Rodgers, hasta entonces involucrado n varios proyectos, volvería al redil en cuatro mágicos años llenos de giras multitudinarias por los EEUU hasta 2002 año en que de nuevo volverían a la inactividad, estado del que aún no han salido.
Para terminar sus diez mejores canciones, dignas de una banda de leyenda: Burnin’ Sky, Ready For Love, Seagull, Silver Blue and Gold, Electricland, Rock And Roll Fantasy, Shootin’ Star, Bad Company, Feel Like Making Love y mi favorita Can’t Get Enough.
Bad Company, o la demostración de que las malas compañías siempre son las mejores.
Can’t Get Enough…!

Cine & Música # 58: Terminator


Terminator. Película norteamericana de 1984 ( inicio de una saga de otros cuatro largometrajes más) dirigida por el canadiense James Cameron (Titanic, Avatar) y protagonizada por el musculoso Arnold Schwarzenegger y la atlética Linda Hamilton, en la que se narra como una máquina humanoide / Schwarzenegger, es enviada desde 2029 hasta 1984 para asesinar a la madre del jefe de la resistencia John Connor, Sarah Connor/ Linda Hamilton, para que no se llegue. Producir la rebelión. Tras una persecución trepidante , Sara y Kyle consiguen vencer a la máquina pero se deja un final abierto para siete años después retomar la historia con Terminator 2, The Judgement Day (1991). En esta ocasión, el Terminator llega para proteger a un adolescente John Connor de un nuevo androide casi indestructible. Es mi favorita de la saga por su trepidante acción y por sus toques irónicos, no en vano consiguió cuatro Oscars en 1992.
Terminator 3: La Rebelión de las máquinas (2003), con la inquietante Kristanna Loken como androide pseudo inmortal, es la última película de la saga que he visto, ya que me falta Terminator 4 : The Future Begins, con un Cristian Slater haciendo de John Connor madurito y la última, pendiente de estrenar Terminator 5: Génesis, con estreno previsto en junio.
Todas ellas tienen el sello de una banda sonora muy identificable, firmada por Brad Fiedel ( Mentiras Arriesgadas) y que acompaña como tema principal a todos los filmes de la saga. hay momentos brillantes musicalmente hablando como en Terminator 2, el grandioso You Could Be Mine de Guns ‘N’ Roses, reapareciendo dicho tema en Terminator 4.
En definitiva, gran saga, de la cual me quedo con las dos primeras, sobre todo con la segunda y que está llena de efectos especiales, de tiros y persecuciones, aunque u encierra un mensaje pacifista y antropológico que nos advierte de los peligros de la tecnología mal usada. Por otro lado, esta saga sirvió para inaugurar la moda en el cine de los ochenta de los actores musculosos y con poco talento, como Schwarzenegger, Stallone, Dolph Lundgren, Chuck Norris…Aunque todo hay que decirlo, éxito tuvieron y mucho.
Sayonara Baby…!

El Pequeño Gran Genio del Heavy Metal


Ronnie James Dio. Nacido Ronald James Padavona un 10 de julio de 1942 en New Hampshire, hijo de una familia de inmigrantes italianos, representa el referente del cantante de Heavy Metal junto a Ozzy Osbourne, el más carismático, transgresor, pionero de la mano cornuta ( que heredó de su abuela y que se ha transmitido hasta nuestros días), con un timbre y sostenidos que crearon escuela, y que, a pesar de sus escasos 1’60 de estatura, lo convirtieron en el auténtico emperador de los vocalistas heavy metal de la historia.
Ya desde sus inicios , el pequeño Ronnie James mostró una exaltada inquietud por la música, sabiéndose además dotado para la canción, haciendo sus primeros pinitos con la voz, bajo y trompeta en formaciones como The Red Caps y Ronnie & The Prophets, donde desarrollaba un rock and roll clásico, pero fue ya en los sesenta cuando influido por The Beatles forma Blue Jagger, con una orientación más blues , aunque ya al final de la década, con la irrupción de la psicodelia, Dio forma The Elves, que pasaría a ser ELF ( debido a que Ronnie James era el más alto del grupo), con un estilo vocal que sorprendería a músicos ya afamados que los iban a ver a sus excelentes conciertos, entre los que se encontraba el gran Ritchie Blackmore, o los miembros de Deep Purple Ian Paice y Roger Glover, quienes viendo un enorme potencial en la banda, decidieron producir su disco debut homónimo de 1972. No sólo eso, sino que además , cuando Blackmore decidió formar su banda Rainbow, quiso contar con este pequeño gigante del rock. Nunca tuvo un acierto tan rotundo, ya que Dio se acopló a la formación y a su estilo como anillo al dedo y firmó temas legendarios del rock de los setenta.
En 1978 Tony Iommi se fija en él para sustituir a Ozzy Osbourne (curiosamente recomendado por la actual esposa de Ozzy, Sharon Arden, a la sazón manager de la banda) y da totalmente en el clavo, cambiando la cara a la banda y dándole un aire más metálico y acorde a los tiempos que corrían, siendo legendarios ambos álbumes en los que interviene con Black Sabbath, sobre todo Heaven and Hell y el directo tras el cual diría adiós para formar su propia banda, Dio, en 1983, con la cual, secundado por los grandes Vivian Campbell a la guitarra, Jimmy Bain al bajo y Vinnie Appice a la batería, consolidaría su éxito y pasaría a los anales del heav metal como referente absoluto del género.
Tras intensos años de éxitos y giras mundiales con Dio, Ronnie James se vuelve a reunir con sus amigos de los Sabbath para formar Heaven and Hell en 2007 , donde interpretan temas de todas sus etapas, incluso colabora en proyectos cinematográficos como el hilarante Tenacious D de Jack Black, lamentablemente esa frenética actividad se verá sesgada por su muerte en mayo de 2010 a causa de un cáncer de estómago. En su memoria y la de todas sus etapas desgranaremos sus diez mejores canciones de peor a mejor: The Last in Line, Don’t Talk To Strangers, Neon Knights, We Rock, Stand Up And Shout, Man On The Silver Mountain, Rainbow In The Dark, Stargazer, Heaven and Hell y la sublime y poderosa Holy Diver. Todos ellos himnos con el sello personal de un genio que elevó un género a la categoría de religión. Forma de vida. pocos artistas tan comprometidos, votos y entusiastas de su profesión, capaces de aplazar sesiones de quimioterapia por dar un concierto ante dos mil personas.
El inigualable Ronnie James Dio, Unos cuernos de gratitud en su honor.
Holy Diver… You’re The Star of The Masquerade…No Need To Look So Afraid…Jump, Jump…!

Best Live Albums #15: U2- Under A Blood Red Sky


Buenas, hoy 365RadioBlog retoma la serie Best Live Albums, en la que os traemos los mejores discos en vivo que jamás haya dado el rock. Hoy nos desplazamos al año 1983 para traeros uno de los primeros recopilatorios o grandes éxitos en vivo, el primer LP en directo de la mejor banda irlandesa que jamás haya existido y una de las diez mejores bandas de la historia del Rock: nos referimos a U2, “iuchu”, una banda de leyenda compuesta por el iluminado y genial Paul Hewson, aka Bono, el soberbio guitarra anglo-irlandés The Edge, el controvertido bajista Adam Clayton y el pedazo de batería Larry Mullen Jr, en un discazo original por su concepción y por ser un atípico álbum en directo: estamos hablando de Under A Blood Red Sky, una grabación oficial del concierto que ofrecieron estos cuatro fenómenos el 5 de junio de 1983 en unas minas abandonadas que se convirtieron en el Red Rocks Amphiteatre de Morrison, Colorado, donde deleitaron al personal con un concierto mágico en un entorno inigualable y además sirvió para cerrar de alguna manera la primera etapa de la banda con un recopilatorio en vivo que engloba los discos Boy (1980), October (1981) y War (1983), todos ellos, al igual que este, producidos por el gran Steve Lillywhite. De todas maneras, aunque el concierto en sí fue un éxito y el disco se basa en él, de las ocho canciones que consta el álbum, tan sólo dos se grabaron en este emplazamiento, -Gloria y Party Girl-, siendo cinco de ellas tomadas del concierto de St. Goarhausen , Alemania y la restante, 11 O’ Clock Tick Tock, en Boston.
El LP inicia su andadura con la mítica Gloria, Bono haciendo de las suyas y soliviantando al personal que acaba en un coro inmenso y majestuoso; le sigue 11 o’Clock Tick Tock, mejoradísima en su versión en vivo, una de las preferidas del momento, I Will Follow ( antesala del estilo U2 posterior), Party Girl cerrando la primera cara y con un buenísimo sabor de boca.
El segundo acto abre con una de mis favoritas, la pacifista y elegiaca Sunday Bloody Sunday, en plena efervescencia del IRA y la contra británica; continúa con Electric Co, la cual incluye dentro de sí misma fragmentos de otras canciones como The Cry, Send in The Clowns o un fragmento cantado por Bono de West Side Story. La increíble unión de New Wave y post punk se refleja en el mejor tema de October, New Year’s Day, otro pedazo de himno, para terminar esta maravilla breve pero intensa con 40, tema semi olvidado de su discografía pero que en ese momento tuvo su razón de ser.
Disco imprescindible para entender y resumir la primera etapa de los irlandeses, y aunque luego vendrían otros directos mucho más completos, elaborados y efectistas, Under A Blood Red Sky ( que por cierto es una frase de New Year’s Day) supone un artesanal recopila torio inicial con un gancho increíble de pasión, intensidad y rock en su estado puro, antes de posteriores sofisticaciones y floristerías, que hicieron que U2 subiera un escalón en la carrera hacia el éxito y se encontrara un paso más cerca de la Gloria.
Under a Blood Red Sky…A Crowd has Gathered in Black and White…!

En El Garaje de BRMC


Black Rebel Motorcycle Club. Banda norteamericana afincada en Los Ángeles pero oriunda de San Francisco formada en 1998 por Peter Hayes y Robert Been ( que comenzó su carrera con el pseudónimo Robert Turner para evitar ser asociado con su padre Michael Been, líder de The Call), turnándose ambos a la guitarra, bajo y voz, acompañados de la batería Leah Shapiro ( quien a partir de 2008 sustituyó a Nick Jago), caracterizados por desplegar, sobre todo en sus dos primeros discos, B.R.M.C. (2001) y Take Them On, On Your Own (2003), un fantástico estilo punk rock salpicado de garaje con similitudes con The Stooges, The Ramones, The Doors o bandas ochenteras como Spacemen 3, aunque también desarrollan ritmos más pausados y densos que se presentan como herederos directos del shoegazing y la neopsicodelia británica como My Bloody Valentine, Ride o muy en particular The Jesus and Mary Chain.
A partir de su tercer álbum, Howl (2005),  su estilo da un giro ligeramente retro hacia atmósferas más folk, rock, blues, incluso gospel, sin perder en absoluto su esencia garajero y su look de macarras cincuenteros, no en vano su nombre está tomado de la banda de moteros que acompañaban a Marlon Brando en el film Salvaje ( The Wild One, 1953), sustituyendo a su primigenio nombre, The Elements- el cual se cambiaron por haber otra banda ya registrada con el mismo-. En cuanto a inspiración seco positivas, BRMC beben de la generación Beat de la mano de autores como Allen Ginsberg ( a quien deben el título Howl de su álbum homónimo). Aunque sobre todo Black Rebel Motorcycle Club han adquirido sin duda notoriedad por abanderar la llamada New Rock Revolution de principios de siglo junto a otros ilustres grupos coetáneos como Kings of Leon, The White Stripes o The Strokes, aunque últimamente se han ido desmarcando de dicho movimiento para enarbolar la bandera de la protesta social en canciones de rebeldía y oposición a la administración Bush. Ahora pasaremos a mencionar sus mejores canciones en nuestra opinión de peor a mejor en orden descendente: Ain’t No Easy Way, We’re All in Love, Let The Day Begin, Love Burns, Beat The Devil’s Tattoo, Red Eyes and Tears, Weight Of The World, As Sure As The Sun, la maravillosamente trepidante Whatever Happened To My Rock And Roll y la cadenciosa y envolventemente garajera Spread Your Love, símbolo de la elegancia rebelde de unos modernos que han hecho del garaje su hábitat natural, envolviéndose de una aureola de culto pero a su vez funcionando bastante bien en ventas, con ganas de hacer historia pero sin ganas de venderse bajo ningún concepto.
Spread Your Love Like A Fever…And Don’t You Ever Come Down…!