Tom Waits : Hold On

En la entrada de hoy no me remitiré a hablar de una sola canción – aunque obviamente sí que centraré en ella un poco más que en el resto-porque sería una falta de respeto a toda la trayectoria musical y profesional de este extraño talento que nos ocupa, un talento oscuro, distraído, rozando lo bizarro, pero con una creatividad y sensibilidad demoledora. Un crítico dijo una vez que su voz suena como si le hubieran bañado y macerado en bourbon y después hubiese sido atropellado por un coche. Estamos hablando del inefable, del inclasificable, del inolvidable Tom Waits.

Este californiano nacido en Pomona en
1949 ya desde niño fue autodidacta en el aprendizaje del piano, instrumento que como otros muchos, tales como la guitarra y el acordeón, domina a la perfección. Embelesado por el jazz, el blues y el soul y cautivado por los escritores de la generación Beat como Jack Kerouac y Charles Bukowsky, Waits fue forjándose poco a poco una imagen de artistas sui generis, un cantautor atemporal inspirado en el vodevil y en la imagen del homeless alcohólico que se refrendaron en su primer álbum, Closing Time, y aunque no tuvo mucha repercusión, curiosamente empezaron a popularizarse sus canciones a través de versiones de otros artistas que le fueron otorgando prestigio y respeto entre los críticos y compañeros de profesión.

Hold On, buen ejemplo de espectacular tema de Tom Waits ( aunque podríamos haber elegido otros cien igualmente geniales), pertenece a su decimotercer álbum de estudio, Mule Variations (1999) y supone una de esas extrañas melodías a caballo entre el susurro y el lamento, entre el desdén y el talento, arrancando unos sonidos vocales al alcance de casi nadie que le confiere una estela maldita de vicios y excesos incontrolables con el tabaco y el alcohol pero que a su vez le otorgan una sensibilidad sobrenatural para componer maravillosos esbozos líricos. Hold On, aguanta, resiste, sigue a mi lado pase lo que pase y no te fallaré, dualidad entre esperanza y decepción, entre encanto y masoquismo, Waits sabe reflejar como nadie el lado agridulce de la vida.

Sobre estas líneas os dejamos una fenomenal versión de Hold On en directo de 1999. Además os dejamos una serie de vídeos donde vemos en primer lugar un fenomenal cover de Hold On de Waits a dúo con Emily Kinney.

Por otro lado no nos queríamos despedir hoy sin recordar la fenomenal huella que ha dejado este fenómeno raro y atípico a través de la influencia que ha dejado con canciones que otros han hecho suyas pero que pertenecen al calenturiento cerebro de este horrendo genio lleno de adicciones. En primer lugar hemos rescatado Jersey Girl en versión de Waits y de Bruce Springsteen, luego lo mismo con su original Downtown Train y la famosísima de Rod Stewart y por último con Ol’55 y el cover de The Eagles.

Para despedirnos os dejamos
Con dos joyas: un concierto de Tom Waits dentro de la serie storytellers y su arrebatadora versión del
Himno oficioso australiano Waltzin’ Mathilda.

Genio único, underground y marginal que ha logrado el reconocimiento de la crítica internacional y de su cada vez más nutrido y fiel grupo de incondicionales fans, Tom Waits pasa por ser el reflejo de un artista hecho y macerado a sí mismo, con sus miserias y grandezas, pero siempre y ante todo, Tom Waits.

They hung a sign up in our town
“if you live it up, you won’t
live it down”
So, she left Monte Rio, son
Just like a bullet leaves a gun
With charcoal eyes and Monroe hips
She went and took that California trip
Well, the moon was gold, her
Hair like wind
She said don’t look back just
Come on Jim

Oh you got to
Hold on, Hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You gotta hold on

Well, he gave her a dimestore watch
And a ring made from a spoon
Everyone is looking for someone to blame
But you share my bed, you share my name
Well, go ahead and call the cops
You don’t meet nice girls in coffee shops
She said baby, I still love you
Sometimes there’s nothin left to do

Oh you got to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here, you got to
Just hold on.

Well, God bless your crooked little heart St. Louis got the best of me
I miss your broken-china voice
How I wish you were still here with me

Well, you build it up, you wreck it down
You burn your mansion to the ground
When there’s nothing left to keep you here, when
You’re falling behind in this
Big blue world

Oh you go to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You got to hold on

Down by the Riverside motel,
It’s 10 below and falling
By a 99 cent store she closed her eyes
And started swaying
But it’s so hard to dance that way
When it’s cold and there’s no music
Well your old hometown is so far away
But, inside your head there’s a record
That’s playing, a song called

Hold on, hold on
You really got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
And just hold on

Oasis : Live Forever

Corría el año 1994, hacia finales de septiembre y principios de octubre. Hacía seis meses que Kurt Cobain se había quitado de en medio y los grunges seguíamos de duelo total buscando darle un nuevo sentido musical a nuestras vidas. El movimiento parecía estancado, Pearl Jam, Alice In Chains y Soundgarden seguían sacando buenísimos discos pero experimentando con otros sonidos más maduros y mestizos. Un día estaba viendo la tele, no recuerdo qué cadena ni qué programa, y hablaban del nuevo resurgir de la música británica , un nuevo fenómeno al que llamaban Brit Pop: ya había escuchado a Blur y su Parklife y a Supergrass y su I’m Free. Pero aquel día, aparecieron ellos, de golpe y sin avisar, con un temazo y de repente me robaron el corazón. Esta es la historia de cómo conocí a Oasis.

Un vídeo clip alternando escenas en blanco y negro y color, con un cantante con gafas de sol y un inicio con una batería cadenciosa para explotar en un “Maybe…I Don’t Really Wanna Know…!”. Zas, flechazo inmediato, una semana después ya tenía el disco en mi poder, y es que uno ha sido muy compulsivo con lo que le encanta.

Live Forever, lanzado como tercer single del disco de debut de Oasis, Definitely Maybe, el 8 de agosto de 1994, escrita por Noel Gallagher y producida por Oasis, Mark Coyle y Owen Morris a través del sello Creation, es una inspiración basada en la canción de los Rolling Stones Shine A Light, aunque bebe de su propio sonido y sus propias influencias (Beatles, Bowie, el glam de los setenta, el Mersey Beat y el Rhythm and Blues), interpretándose en ocasiones como un homenaje para Peggy, la madre de Noel y Liam.

Lo que está claro es que,  en contraposición a los mensajes de las canciones coetáneas compuestas por los grupos grunge, Live Forever destila optimismo, un mensaje de esperanza y de autoestima, al fin y al cabo y en resumidas cuentas, la eterna contraposición entre la música británica y la norteamericana.
Bajo estas líneas os dejamos el vídeo oficial de Live Forever en los States ( que resalta curiosamente los valores y personajes míticos británicos ( fútbol y Bobby Moore, Música y Lennon), y además el concierto entero de Madrid en noviembre del 97 donde tuve la oportunidad de verlos y fue una pena que anduvieran tan a la gresca los hermanos con lo buenos músicos que son, pues deslució bastante el show, aunque como casi siempre lo acabo salvando el bueno de Noel.

Bajo estas líneas os dejamos más actuaciones memorables de Live Forever en directo: en Glastonbury 1994; una actuación de 1996; un concierto en su tierra, Manchester, en 2007 y por último en Wembley en su debut en el coliseo londinense en 1995, actuación memorable donde las haya.

Muchos artistas han versioneada Live Forever pero nos quedaremos con los mejores covers en nuestra opinión : una curiosa versión de The Lemonheads de Evan Dando; la magnífica versión de la Royal Philarmonic Orchestra y la versión acústica de los propios Oasis en la MTV en 1994

Live Forever supuso el despertar a la fama de una de las más grandes bandas británicas de la historia , que si bien realizaron dos primeros discos de escándalo: el mencionado debut Definitely Maybe y What’s The Story? (Morning Glory), – cuyo lanzamiento coincidió con o estancia en UK y puedo asegurar que fue una auténtica locura-, luego su nivel bajó bastantes enteros, y aunque consiguieron un estilo propio y su legión inmensa de fans, es este tema el que los convirtió en auténticos, en genuinos, en un grupo a seguir, en unos triunfadores que lo refrendaron con sus dos otras joyas como Wonderwall y Don’ t Look Back In Anger. Oasis, pretenciosos, maleducados, genios inmortales que se dieron a conocer cantando al mundo su anhelo de vivir para siempre.

Maybe I don’t really wanna know
How your garden grows
‘Cause I just wanna fly
Lately did you ever feel the pain
In the morning rain
As it soaks you to the bone

Maybe I just wanna fly
Want to live I don’t wanna die
Maybe I just wanna breath
Maybe I just don’t believe
Maybe you’re the same as me
We see things they’ll never see
You and I are gonna live forever

I said, maybe I don’t really wanna know
How your garden grows
‘Cause I just wanna fly
Lately did you ever feel the pain
In the morning rain
As it soaks you to the bone

Maybe I will never be
All the things that I wanna be
Now is not the time to cry
Now’s the time to find out why
I think you’re the same as me
We see things they’ll never see
You and I are gonna live forever

Maybe I don’t really wanna know
How your garden grows
‘Cause I just wanna fly
Lately did you ever feel the pain
In the morning rain
As it soaks you to the bone

Maybe I just wanna fly
Want to live I don’t wanna die
Maybe I just wanna breath
Maybe I just don’t believe
Maybe you’re the same as me
We see things they’ll never see
You and I are gonna live forever

Gonna live forever

The House Of Love : Shine On

En el mundo en que vivimos, bueno en realidad a lo largo de toda la historia, ha prevalecido una circunstancia latente en todas las sociedades que han pisado la faz de la tierra, ya que es inherente al ser humano: la injusticia. Me explicaré mejor: el derecho ancestral, las leyes, siempre tienden a buscar la justicia, lo que es justo, el término medio o correcto de las cosas en cada situación y se busca su aplicación a todos los aspectos o facetas de la sociedad. A pesar de todo, como el ser humano es eso, humano, tendemos a equivocarnos bastante a menudo. Cuando está equivocación se desarrolla en un ámbito jurídico, o dirime entre dos partes, hablamos de injusticia.

Pero hay otro tipo de injusticia que tiene que ver más con el reconocimiento a las cosas bien hechas, al talento, a la entrega a una causa. Existen bandas que por varios motivos, no han sido reconocidas como se merecen ni los resultados de su popularidad o de sus ventas son acordes a su calidad y su originalidad. Esto es lo que le pasó exactamente a una banda británica de finales de los ochenta y por ello queríamos contar su historia, la de uno de los grupos que abanderó junto a Psychedelic Furs o Inmaculate Fools el movimiento “psicodélico” de aquella época: The House Of Love.

Este grupo procedente de Camberwell, Londres, y formado en 1986 por Guy Chadwick ( el rubio cantante y alma mater de la banda), y Terry Bickers ( el multiinstrumentista genio en la sombra), junto a otros miembros más cambiantes a lo largo de los años, consiguió un estilo propio, profundo, denso y rítmico, muy en el estilo de The Jesus & Mary Chain pero más melódicos, menos distorsionados y con la magnética voz de Chadwick inundándolo todo, con un buen gusto increíble por los temas bien construidos y bien acabados, como lo es el gran ejemplo que os traemos hoy.

Shine On, inicialmente grabado en 1987, no consiguió entrar en listas, aunque en 1990 fue reeditado y consiguió alcanzar el número 29 en UK, 17 en Irlanda y 24 en Australia y hoy día permanece como el himno indiscutible de esta denostada banda junto a otro temazo como The Beatles and The Stones. La letra, bien construida, nos habla acerca de un amor aún no encontrado que pueda contrarrestar la soledad en que nos hallamos inmersos cuando nos encerramos en nuestro propio mundo.
En mi opinión es una auténtica joya que derrocha energía, elegancia y glamour, que busca por encontrar un estilo que le va como anillo al dedo y que ya no abandonarán en toda su carrera.

Sobre estas líneas os dejamos varias actuaciones de The House Of Love interpretando Shine On en varios festivales y actuaciones recientes como Glasgow, The Haunt en Brighton o Faraday. Hay alguna versión muy interesante de Shine On como la que realizó el grupo noruego Apoptygma Berzerk en clave de rock electrónico.

Shine On también ha sonado en series como Trigger Happy TV o anuncios como el de Osiris Shoes con el campeón del mundo de Skate Board Corey Duffel. Sea como fuere, tanto la canción como la banda distan mucho de haber obtenido el reconocimiento que en mi humilde opinión se merecen teniendo en cuenta su calidad y elegancia, pero sobre todo el impacto que tuvieron entre los que éramos por entonces jóvenes. El reproductor de cassette del coche de mi amigo Luis estaba literalmente quemado por haber reproducido una y otra vez esta magnífica canción.

In a garden in the house of love, sitting lonely on a plastic chair
The sun is cruel when he hides away, I need a sister – I’ll just stay
A little girl, a little guy – in a little church or in a school
Little Jesus are you watching me, I’m so young – just eighteen

She, she, she, she Shine On
Shine On
Shine On

In a garden in a house of love, there’s nothing real just a coat of arms
I’m not the pleasure that I used to be – so young – just eighteen

She, she, she, she Shine On
Shine On
Shine On

I don’t know why I dream this way
The sky is purple and things are right every day
I don’t know, it’s just this world’s so far away
But I won’t fight, and I won’t hate
Well not today

In a garden in the house of love
Sitting lonely on a plastic chair
The sun is cruel when he hides away

Shine On…
Shine On
Shine On

….and on…and on…

Shine
Shine On
Shine
Shine
Shine

Ocean Colour Scene : The Riverboat Song

Cuando comienzas una etapa de tu vida en un país extranjero, es muy importante imbuirte todo lo que puedas de los sonidos de ese país, que se te pegue el acento, la calle, las sintonías. Yo había aprendido a los 13 años, -cuando nos trasladamos a vivir a Francia-, que un país se respira, se vive desde cada detalle, desde cada gesto, desde cada sonido, se va aprendiendo y asimilando. Y por eso es muy importante abrir las orejas y los ojos todo lo que se pueda, ser receptivo y estar atento, así es como se aprende no sólo el idioma sino la cultura, la idiosincrasia, el poso del lugar.

Así pues, a finales de 1995 a mi llegada a Wolverhampton, UK, para disfrutar del programa Erasmus, me decidí a empaparme completamente del Stiff-upper-lip británico ( lo que nosotros llamamos flema) y para ello comencé a leer periódicos, ver la TV y escuchar la radio ( aún no estaba internet lo suficientemente desarrollado). Ahí fue donde descubrí un maravilloso programa en Radio 1 de la BBC titulado Breakfast Show con el hoy día famosísimo Chris Evans, el cual eligió como sintonía una canción que me enganchó desde la primera vez que la escuché y que aunque me costó averiguar el nombre de sus intérpretes al final me enteré que eran unos chicos de Birmingham llamados Ocean Colour Scene.

The Riverboat Song fue publicado como primer single del segundo álbum de Ocean Colour Scene, Moseley Shoals (1996), producido por Brendan Lynch a través del sello Island, y supuso un éxito en listas Uk llegando al número 15 y abonando el camino para los
siguientes sencillos. A pesar de la originalidad, frescura y estilo setentero de tan maravilloso tema, The Riverboat Song no puede esconder la evidencia de un flagrante influencia o préstamo como es la de los acordes del tema Four Sticks de los legendarios Led Zeppelin ( aunque esta última se desarrolla en un ritmo 4/4 y la que nos ocupa en 6/8), y no sólo eso: la temática de las letras se asemeja bastante. No obstante, Ocean Colour Scene poseen más semejanzas musicales con los grupos sesenteros de su ciudad como The Spencer Davis Group de Steve Winwood, mezclado con un deje Brit pop de su misma época.

Sobre estas líneas os dejamos el vídeo de Four Sticks de Led Zeppelin donde se aprecian las similitudes entres ambas canciones y además dos actuaciones en directo de OCS interpretando The Riverboat Song. Debajo de estas líneas os dejamos con la memorable actuación de Ocean Colour Scene en el programa de Chris Evans en TFI.

Esta es una de las canciones que marcaron mi estancia en Inglaterra, principalmente por los recuerdos tan buenos que me trae de los clubs nocturnos, donde sonaba mucho, de momentos inolvidables, de ambientes espectaculares en fiestas y de una nostalgia brutal al volver a casa cada ve que la escuchaba. Ocean Colour Scene, un grupo que ha sabido labrarse una carrera digna aunque menos brillante de lo inicialmente esperado, contribuyeron a poner música a mis recuerdos de aquella maravillosa etapa de mi vida y que perduran cada vez que escucho él maravilloso riff que abre la canción y que la acompaña en todo su periplo, cual barco que surca un río sonoro donde fluyen las notas inagotablemente.

I see double up ahead
Where the riverboat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
Like a King who stalks the wings and shoots a dove
And frees an eagle instead
It’s more or less the same as the things that you said

I see trouble up the road
Like the things you found in love are by the way
You like to cheat on your soul
Like the best and worst of thoughts that lose control
Before you lie on your bed

It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

It’s more or less the things you fail to say in your way that’s your trouble
Like a King who stalks the wings and shoots the moon and the stars
And his double
It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

I see trouble up ahead
Where the river boat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
I see double, that’s my trouble

Antonio Vega : El Sitio De Mi Recreo

En el panorama musical de este país, a lo largo de su ya dilatada historia ( si empezamos a contar desde la irrupción de los primeros artistas pop a mediados de los sesenta) han surgido figuras verdaderamente brillantes y con la suficiente personalidad como para diferenciarse del resto a base de cualidades vocales, compositivas o en algún caso puramente estéticas.
Los ha habido que sobresalían por su registro vocal prodigioso (como por ejemplo, Nino Bravo); los que demostraban dotes para el baile y la pose escénica (como Miguel Bosé) o los que hacían y aún hacen gala de una habilidad proverbial para componer letras que hacen de un tema algo grandioso ( tal es el caso de Joaquín Sabina). Pero alguien tan completo, que supiera aunar una voz melodiosa y muy personal, un físico más que aceptable en sus inicios- aún sin haberse prodigado nunca en las lides del baile- y sobre todo unas dotes líricas y poéticas sobrenaturales, solo he conocido a uno: Antonio Vega.

Este superdotado de la música, a caballo entre Bob Dylan, Joan Manuel Serrat y Johnny Thunders ( por su declarada adicción a la Heroina que acabó sepultando su carrera, su salud y finalmente su vida) nació tocado por la varita mágica de una musa permanente, de una inspiración imperecedera, quizás debido a su experiencia vital y a una sensibilidad fuera de lo común, unido todo ello a unas circunstancias sociales de dependencia que le hacían constantemente estar al filo de la navaja emocionalmente hablando.

Antonio
, ya sea en solitario o con su primo Nacho García Vega en Nacha Pop, es un tío capaz de hacernos tocar el cielo desde su mirada depresiva y melancólica, de trasmitir sensaciones sumamente íntimas pero comunes a todos los mortales, bien con su trémula voz o con sus acertadas palabras. Es alguien, en mi humilde opinión, capaz de haber escrito cuatro de las cincuenta mejores canciones en castellano ( Se Dejaba Llevar, Lucha de Gigantes, La Chica de Ayer y El Sitio de Mi Recreo).

En concreto, la canción que nos ocupa hoy, El Sitio de Mi Recreo, compuesta por Antonio Vega en 1992 y recogida en un álbum homónimo dedicado a un compendio de sus mejores baladas, es sin lugar a dudas una de las mejores canciones jamás escritas en nuestro idioma: destila dulzura, fragilidad, tristeza, desesperanza; dentro de un mundo interior autobiográfico, riquísimo en matices, anegado en un mar de contradicciones, rebosante de melancolía, de aquello que pudo ser y fue pero de otra forma a lo concebido o imaginado. El sitio de mi recreo es un lugar interior que Vega teje magistralmente y quien lo escuche lo siente como propio, como vivido, marcado a fuego en su piel y en sus recuerdos, en una sensación agridulce como la vida misma.

Mientras la azarosa y complicada existencia de Antonio Vega comenzaba a languidecer, su fama y leyenda seguían agrandándose, todos querían colaborar con el, cantar sus canciones, saber de su vida. Fruto de ello comenzaron a lloverle ofertas de programas, conciertos y especiales difíciles de rechazar , rodeándose de gente como Miguel Bosé en la última aparición de Antonio antes de su fallecimiento en 2009 en un dúo soberbio y entrañable.

El ultimo testimonio de un demacrado Antonio, destrozado por la Heroina, unido a un controvertido largometraje documental sobre su vida titulado Tu Voz Entre Otras Mil  ( ya que, según su familia, la cinta se centra demasiado en sus adicciones y menos en sus canciones), nunca empañarán el recuerdo de uno de los más grandes artistas que jamás diera este país.

Como dijo Antonio Vega una vez acerca de El Sitio de Mi Recreo, “Es una canción paisajística, responde a un momento de inspiración en el que encuentras una secuencia que te lleva por un camino. Habla de los lugares donde uno se encuentra a gusto física y espiritualmente. Más que un lugar es un estado de consenso contigo mismo, un lugar no conflictivo”.
Y es que como oí decir a alguien respecto a este genial artista, la naturalidad es la más difícil de las poses. Siempre quedará en nuestro recuerdo la fragilidad de un ser genial que supo estremecernos con su sencillez.

Donde nos llevó la imaginación,
donde con los ojos cerrados
se divisan infinitos campos.
donde se creó la primera luz
junto a la semilla de cielo azul
volveré a ese lugar donde nací.
De sol, espiga y deseo
son sus manos en mi pelo,
de nieve, huracán y abismos,
el sitio de mi recreo.
Viento que a su murmullo parece hablar
mueve el mundo con gracia, la ves bailar
y con él, el escenario de mi hogar.
Mar, bandeja de plata, mar infernal
es su temperamento natural,
poco o nada cuesta ser uno más.
De sol, espeiga y deseo…
Silencio, brisa y cordura
dan aliento a mi locura,
hay nieve, hay fuego, hay deseo,
ahí donde me recreo.

Radiohead : High & Dry

La canción de hoy, una de mis favoritas de esta banda británica, me suscita dos discursos divergentes pero a su vez incluidos en la esencia misma del tema.
El primero de ellos reside en la temática de la canción, de la cual se pueden extraer varias interpretaciones, aunque nos quedaremos con la más aceptada ( ya que sus autores nunca aclararon este punto, pues prefieren que sus letras sean susceptibles de conjeturas varias) es la de la gente que se mueve en la vida por puro prestigio, únicamente para ser valorados por lo que hacen y no por lo que son, yendo contra sus principios en sus actos pero anhelando aceptación por encima de todas las cosas, incluso de la dignidad. “Kill Yourself For recognition” ( te matarías por reconocimiento) o “It’s The Best Thing That You Ever Had” ( es lo mejor que nunca has tenido, en referencia a los falsos halagos de gente que te ensalza y luego te escupirá en cuanto caigas), son verdaderas joyas líricas cargadas de realidad dentro de una melodía absolutamente embriagadora, de contrastes rítmicos  entre la sonoridad de la batería y el riff acústico que acompaña y viste todo el tema con una elegancia irresistible. Por no hablar de la melódica voz de Yorke.

Enlazando con el segundo discurso que comentábamos al principio, decir que esta preciosidad sonora llamada High & Dry y ejecutada por la maravillosa, originalísima y peculiar banda británica Radiohead – una de mis favoritas de todos los tiempos-, extraída como segundo sencillo de su segundo LP The Bends junto a Planet Telex (solo en UK, en el resto del mundo fue Fake Plastic Trees) en febrero de 1995- aunque ya habría sido grabada en 1993 pero fue descartada para su álbum de debut Pablo’s Honey-, producida por John Leckie y Radiohead a través del sello Parlophone (UK) y Capitol Records (USA), no es precisamente la favorita del grupo, habiéndola denostado y descartado desde hace mucho tiempo de las set list de canciones que suelen interpretar en directo.

Paradójicamente, sus dos canciones más queridas por sus fans y por el entorno mainstream, es decir, Creep y High & Dry, son dos temas que no tocan en vivo desde la gira de Paranoid Android, hace ya casi veinte años. Es esa exclusión la que sorprende, atendiendo la misma a dos posibles razones no aclaradas por Radiohead: bien podría ser porque son canciones que se han quedado fuera del estilo que adoptaron a partir de OK Computer (1997), más experimental, cercano incluso al dub o al techno, fuera de la onda mainstream, donde este tema encaja mejor. Otro argumento podría ser el de romper con un pasado enfocado en hits para dar paso a algo más conceptual, a un todo, no sólo piezas sueltas e inconexas, como parecen haber decidido hacer las cosas los de Abingdon.

Sobre estas líneas y en la cabecera os dejamos las dos versiones del vídeo, esta última la original de 1995, que al parecer no gustó demasiado a la banda y por ello encargaron otro, de 1998, que se convirtió en el oficial y que narra historias paralelas dentro de un a cafetería típicamente americana donde se sucede una trama con desenlace fatal.
Además hemos recuperado algún vídeo de actuaciones en directo ya remotas interpretando High & Dry, concretamente una de Glastonbury en 1997, otra de un show de TV en 1996 y otra en un a sesión de estudio en la radio en 1995

Por otro lado también hay bastantes versiones de este atractivo tema por parte de artistas como Jamie Cullum en 2002, la de la banda afroamericana Jacksoul en 2006 y una curiosidad con el cover del uruguayo Jorge Drexler también de 2006.

Es increíble lo menospreciada que ha sido esta canción por radio fórmulas y por el auto veto al que fue sometida por los propios Radiohead, pero la verdad es que High & Dry contribuyó sobremanera a aupar a The Bends como uno de los mejores álbumes de su década en cuanto a ventas y calidad se refiere, todo un Hit muy a pesar de sus creadores.

Two jumps in a week
I bet you think that’s pretty clever don’t you boy?
Flying on your motorcycle,
Watching all the ground beneath you drop
You’d kill yourself for recognition,
Kill yourself to never ever stop
You broke another mirror,
You’re turning into something you are not

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

Drying up in conversation,
You will be the one who cannot talk
All your insides fall to pieces,
You just sit there wishing you could still make love
They’re the ones who’ll hate you
When you think you’ve got the world all sussed out
They’re the ones who’ll spit at you,
You will be the one screaming out

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

It’s the best thing that you ever had,
The best thing that you ever, ever had
It’s the best thing that you ever had,
The best thing you ever had has gone away

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

Pearl Jam : Alive

Lo que voy a contar hoy puede pareceros una soberana estupidez pero para mí no lo es. Os voy a narrar uno de los días más importantes de mi vida y lo digo en serio. No por el día en sí, sino por lo que aconteció en ese día y la trascendencia que tuvo en mi futuro inmediato. Hoy os contaré el día que escuché Alive por primera vez.

Recuerdo que una mañana de noviembre de 1991 mi gran amigo Luis vino al cole con una cinta de vídeo: “es el programa Metrópolis de ayer, me dijo, quiero que lo veas, salen unos grupos muy raros de una ciudad americana, Seattle, molan que te cagas”. Vale , dije y me la llevé a casa, puse el vídeo y empecé a ver clips de rock de un movimiento nuevo e incipiente llamado Grunge. Ya conocíamos a Nirvana de pocos meses atrás, el Nevermind nos impactó sobremanera, pero el hecho es que no recuerdo casi nada de ese vídeo… solo una canción: un grupo con un cantante con camisa de cuadros y melenas encima de un escenario, en blanco y negro, lleno a reventar de jóvenes como yo, extasiados, casi hipnotizados por una canción de cadencia lenta, con un bajista enorme y con gorro de rastafari; un guitarrista pequeño y con sombrero de Cowboy; otro guitarrista flacucho pero con cara de buen tío y un pedazo de cantante con la voz más profunda, sonora e increíble que haya escuchado jamás: Así fue como mi corazón rockero se entregó irremisiblemente a Pearl Jam.

Alive, primer single del primer disco de Pearl Jam , Ten (1991), fue su carta de presentación al mundo, su primer examen cum laude, en definitiva su himno absoluto y el del inicio del grunge, el movimiento del desarraigo, de la llamada Generación X, de los hijos de padres separados y que se cambiaban de domicilio constantemente, con serios conflictos familiares que les hicieron refugiarse en drogas, sectas, alcohol o en un todo en uno que suponía estar en un banda de Rock and Roll.
Y paradójicamente, este himno generacional forma parte de la autobiografía real del maestro Eddie Vedder, que como buen mito del rock que de precio , sufrió un infancia tortuosa y llena de zancadillas emocionales.

 

El tema, concebido como una trilogía ( llamada extraoficialmente por VedderMamasan Trilogy”, trilogía de la madre sirvienta, junto a Once y Footsteps) narra la situación de un hijo al que su madre empieza a contar que quien él cree que es su padre no es su verdadero padre, sino alguien que murió sin llegar a conocer y su sustituto fue con quien su madre llenó su vida… Pero al crecer y parecerse tanto a su desconocido progenitor despierta renacidos e inusitados deseos sexuales y carnales en su madre que le llevan a abusar de él con consecuencias que se desarrollarán en Once ( cuando se convierte en un asesino en serie) y Footsteps ( cuando ya en el Corredor de la Muerte recuerda todo lo que le llevó hasta allí).
Ese mantra I’m Still Alive que erróneamente nos hacía sentirnos más vivos que nunca realmente significaba el recuerdo de un padre, la reencarnación en alguien sin identidad al que hace sufrir el mero hecho de recordar a alguien que nunca conoció. Esa tortura interior, ese drama, Vedder lo transformó en energía, en pura adrenalina con la ayuda del ex Green River Stone Gossard ( que ya tenía compuesta la música del tema para su anterior banda, aunque con otro título, Dollar Short.)

Debajo de estas líneas os dejamos varias actuaciones memorables de Pearl Jam y su Alive, entre los cuales he rescatadora memorable concierto de San Sebastián al que tuve el grandísimo honor de asistir y competir primera fila con un tal Mikel Erentxun dándolo todo.

Alive no solo es una canción, es un alegato a la vida, ver el lado bueno de las cosas a pesar de todo, es un destino vital, es el grito de una generación que busca su identidad, su lugar en el mundo a través de la manifestación de un movimiento global como fue el
Grunge, la transición natural de la New wave, el punk y el heavy metal confluyendo en un estilo agónico, contundente y elegíaco.
Alive, un canto al simple hecho de estar vivo y sentirse vivo.

Son she said
Have I got a little story for you
What you thought was your daddy
Was nothin’ but a…

While you were sitting
Home alone at age thirteen
Your real daddy was dyin’
Sorry you didn’t see him
But I’m glad we talked,

Oh I, oh, I’m still alive
Hey, I, oh, I’m still alive
Hey I, oh, I’m still alive, well…

Oh she walks slowly
Across a young man’s room
She said I’m ready, for you
I can’t remember anything
To this very day
‘Cept the look, yeah the look
Oh, you know where
Now I can’t see,

I just stare
I, I, I’m still alive
Yeah, I, oh, I’m still alive
Yeah, I, oh, I’m still alive
Yeah, I, oh, I’m still alive

I’m still alive
Yeah, yeah, yeah
Oh, oh yeah

Is something wrong she said
Of course there is
You’re still alive she said
Oh do I deserve to be?
Is that the question?
And if so, if so
Who answers, who answers?

I, oh, I’m still alive
Yeah, I, oh, I’m still alive
Yeah, I, oh, I’m still alive
Yeah, I, I’m still alive, yeah yeah yeah yeah yeah yeah

The Allman Brothers Band : Soulshine

Hoy os hablaremos de un tipo al que en el mundo de la música se le conoce por el apelativo de Soulshine. Un genio orondo, con más de 14o kilos de
peso, melenas pelirrojas y camisas XXXL preferentemente negras, que maneja la Gibson Les Paul con una maestría inusual y cuyo timbre de voz rasgado y muy personal le ha hecho ser reconocido como uno de los
Músicos de Blues Rock más prestigiosos y carismáticos de los últimos veinte años.

Estamos hablando del enorme Warren Haynes, nacido en Asheville, Carolina del Norte un 6 de abril de 1960 y que a los doce años y emulaba a la perfección a sus ídolos Hendrix,  Clapton y Duane Allman. Espoleado por su padre Edward, quien le regaló su primera Les Paul ’59 y a quien debe el apodo de Soulshine ( porque lo iluminaba todo con su ilusión y su calidad con la guitarra), Warren Haynes comenzaría colaborando con David Allan Coe y The Dickey Betts Band, imbuyéndose en una amalgama de estilos a caballo entre el blues, el rock sureño y el jazz fusión con Jimmy Reed, Lightning Hopkins y Johnny Winter como sus referentes de las seis cuerdas.

Es así como en 1990 Warren Haynes pasa a engrosar la carismática lista de músicos de la Allman Brothers Band al ser el propio Gregg Allman quien lo reclutara tras haberle visto en varias actuaciones con su antiguo compañero Dickey Betts y desde 1990 comenzó a deslumbrar a propios y extraños con sus dotes vocales, guitarristicas y compositivas, dejándose el alma en cada canción y aportando destellos de su magia en forma de inolvidables temas como el que nos ocupa.

Soulshine, canción incluida en el álbum de regreso de The Allman Brothers, Where It All Begins (1994), nunca llegó a ser publicada como single, pero fue aclamado desde el primer momento por los fans más acérrimos de The Allman Brothers
Band,
por su cadencia bluesera con tintes rock impregnados de sabor sureño y una letra autobiográfica a cargo de Haynes que evoca sus memorias paternas, un ansia vital de creer en lo más profundo de uno mismo y una esperanza de saber que en el alma de cada uno brilla una luz que no se apaga cuando se alimenta con pasión.

Tras abandonar temporalmente The Allman Brothers, y no sin antes maravillar al mundo con ellos en Woodstock ‘ 94, Warren Haynes se juntó con un par de ex miembros para formar Gov’t Mule, una sensacional jam Band con la que nos ha dado inolvidables actuaciones y geniales trabajos en estudio, recuperando a su vez Soulshine e incorporándola al repertorio de su nuevo grupo en el LP en vivo Live… With A Little Help From Our Friends.
Dejamos aquí un par de actuaciones de Gov’t Mule interpretando Soulshine.

Además esta maravillosa canción ha sido reintegro retada por multitud de artistas de copete como la maravillosa Beth Hart; la original grabación de Larry McCray en 1993 (con el permiso de Haynes, el cual luego la recuperaría para The Allman Brothers Band); la actuación en American Idol de CJ Harris o la del viejo amigo de Haynes David Allan Coe.

Es complicado asimilar que tamaña obra maestra sea menos conocida que cualquier tema de Pitbull o de Melendi, pero la verdad es que a quienes veneramos a Warren Haynes, The Allman Brothers y al Blues Rock en general nos llena de orgullo que el espíritu de Soulshine siga impregnando los repertorios en directo de bandas y artistas que comienzan a salir o despuntar, porque la música así se merece a tipos como este pelirrojo orondo que convierte en oro las notas que salen de su Gibson Les Paul y que desgrana cada verso cantado como si fuera el ultimo que fuera a pronunciar.

When you can’t find the light,
That got you through the cloudy days,
When the stars ain’t shinin’ bright,
You feel like you’ve lost you’re way,
When those candle lights of home,
Burn so very far away,
Well you got to let your soul shine,
Just like my daddy used to say.

He used to say soulshine,
It’s better than sunshine,
It’s better than moonshine,
Damn sure better than rain.
Hey now people don’t mind,
We all get this way sometime,
Got to let your soul shine, shine till the break of day.

I grew up thinkin’ that I had it made,
Gonna make it on my own.
Life can take the strongest man,
Make him feel so alone.
Now and then I feel a cold wind,
Blowin’ through my achin’ bones,
I think back to what my daddy said,
He said “Boy, in the darkness before the dawn:”

Let your soul shine,
It’s better than sunshine,
It’s better than moonshine,
Damn sure better than rain.
Yeah now people don’t mind,
We all get this way sometimes,
Gotta let your soul shine, shine till the break of day.

Sometimes a man can feel this emptiness,
Like a woman has robbed him of his very soul.
A woman too, God knows, she can feel like this.
And when your world seems cold, you got to let your spirit take control.

Let your soul shine,
It’s better than sunshine,
It’s better than moonshine,
Damn sure better than rain.
Lord now people don’t mind,
We all get this way sometimes,
Gotta let your soul shine, shine till the break of day.

Oh, it’s better than sunshine,
It’s better than moonshine,
Damn sure better than rain.
Yeah now people don’t mind,
We all get this way sometimes,
Gotta let your soul shine, shine till the break of day.

Echobelly : King Of The Kerb

Una de las mejores cosas que tiene la música es su capacidad de abordar cualquier tema por escabroso que sea con la máxima naturalidad, su facilidad y accesibilidad para enviar un mensaje , -a veces cifrado, a veces abierto- o para tratar un tema socialmente mal visto o controvertido.
Por ejemplo, un tema como la prostitucion, socialmente discutido con muchos detractores y algunos defensores, ha estado presente de forma recurrente en la historia reciente de la música. Canciones como Roxanne de The Police, Walk On The Wild Side de Lou Reed o Con Nombre de Guerra de Héroes del Silencio son muestras válidas que constatan este hecho.

Pero hay cuestiones más sórdidas detrás de determinados aspectos más conocidos, actitudes propias de una sociedad esclavista y manipuladora que sigue permitiendo o consintiendo ( aunque la ley no lo ampare ) determinadas actividades de control humano , de lo que se viene a llamar trata de blancas.
Estamos habando del proxenetismo, de la deleznable figura del coloquialmente llamado chulo, el “pimp” anglosajón que controla dos o tres fulanas desde su esquina manteniéndolas vigiladas y amenazadas y que suele tener un matón a sueldo para que no se le escapen o le denuncien arruinándole un negocio en el que sus márgenes son mucho más provechosos que los de sus explotadas socias.

Este es el mensaje que lanza la aparentemente inocente y jovial canción que nos ocupa hoy, King Of The Kerb-, literalmente El Rey de la esquina o de la acera- , segundo single del segundo álbum de la banda británica Echobelly titulado On (1995), escrita por la cantante y carismática frontwoman de ascendencia hindú Sonya Madan y su ex pareja y socio musical, el guitarrista sueco Glenn Johansson. El tema , producido por ellos mismos y grabado en Londres, salió como single el 23 de octubre de 1995, después de haber cosechado buenos números en listas con el primer sencillo Great Things y de ser ya bastante conocidos por Insomniac, mayor éxito de su álbum de debut Everyone’ s Got One (1994). Con este sencillo llegaron al número 25 en UK.

En esta engañosa jovialidad Brit pop, Echobelly ( término que alude al vacío en el estómago siendo una metáfora de tener hambre de éxito), etiquetados como banda pop rock de connotaciones ligeras y lúdicas, a través de su compositora , con su rasgo vocal diferenciados de otras bandas, busca temáticas más comprometidas, más al filo de la navaja, que les transporten a otra dimensión como banda para dejar de ser catalogados como “moñas”.
A fe que este tema lo consigue con sus guitarras afiladas, sus coros pop rock perfectamente construidos y unos créditos que se mueven entre la ironía y la condena, entre la inocencia y la cruda realidad.

Tras estas líneas os dejamos varias actuaciones de Echobelly y su King Of The Kerb, que sonó muchísimo a mediados de los noventa durante mi estancia en Inglaterra y de los cuales me llegué a comprar sus dos primeros discos, de los cuales también os dejamos sus temas más relevantes: Insomniac, Great Things y Dark Therapy.

Es así como Echobelly, uno de los 20 mejores exponentes del Brit Pop de los noventa, consiguieron hacerse un hueco en la industria a base de buenas melodías , letras trabajadas y comprometidas y una pedazo de solista como Sonya Madan a la que desgraciadamente lastraron sus problemas físicos que a la postre incidirían en el bajón de rendimiento de la banda en ulteriores trabajos.

Siempre nos quedará este King Of The Kerb, descarnado retrato del negocio del vicio y del lucro de la desgracia ajena.

Sugar smile savvy,
The king of the kerb,
Got a temper in the style of a bomb,
Got his friends in his pocket,
Or safe behind bars,
All the local boys know what he’s done.

He turns if on, he turns it on, he turns it on.
Same boys doing it for themselves,
There’s somebody out there doing it for you,
Safe white you’re paying out for your health,
They’re the kings of the kerb,
And everybody knows what they’re worth.

Sugar smile savvy,
The king of the kerb,
Keeps the order in this part of the town,
All the shadows in the alley,
The shapes at the bar,
Like to service him when he does the round.

He turns if on, he turns it on, he turns it on.
Same boys doing it for themselves,
There’s somebody out there doing it for you,
Safe white you’re paying out for your health,
They’re the kings of the kerb,
And everybody knows what they’re worth.

Safe from ham and safe from greed,
A little protection is at that you need,
Safe from ham and safe from greed,
They’re just a racket machine.

Same boys doing it for themselves,
There’s somebody out there doing it for you,
Same boys doing it for themselves,
There’s somebody out there doing it for you,
Same boys doing it for themselves,
There’s somebody out there looking it for you,
Safe white you’re paying out for your health,
They’re the kings of the kerb,
They’re the kings of the kerb,
They’re the kings of the kerb,
And everybody knows what they’re worth.

Massive Attack : Angel

Las nuevas tendencias musicales siempre generan cierta suspicacia o reserva en quienes nos aferramos cada vez más a nuestros estilos, patrones o referencias musicales, pues es con ellos con quienes hemos crecido, padecido, vibrado y sentido la música en su plenitud, en su máxima extensión y expresión. De hecho, a veces cerramos nuestros oídos y nuestra mente a otros géneros, bien por desconocimiento, bien por fidelidad a nuestros clichés sonoros. Cada vez que suena en la radio una canción de corte electrónico, con efectos, samples, v-coders y demás parafernalia, un servidor cambia de emisora casi automáticamente, con  todos los respetos hacia los aficionados a esta clase de música.

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Y eso que uno, sin ser del todo omnívoro, sí que suele consumir gran variedad de estilos: principalmente rock  y sus variantes, aunque hay temas pop, blues, country, folk, jazz incluso de ópera y música clásica que me fascinan. El techno ya es otro cantar; salvando dos o tres casos como Kraftwerk, OMD, Devo, Front 242 y algún incunable más, nunca me ha llamado este género en absoluto, sobre todo el House, Rave y demás chunda chunda que se perpetra en las discotecas o fiestas multitudinarias. Aunque el trip hop ya es otra cosa…

Pero, claro, obviamente hay excepciones que confirman la regla y como no podía ser menos, esta es una de ellas. Descubrí esta canción y a su género un día delante de la TV durante los anuncios de un partido del Mundial de Francia 1998, era un spot de Adidas en el que salían Zinedine Zidane y David Beckham, las grandes estrellas del momento. Y de repente pasó algo. Me fijé en esa música, repetitiva, machacona, in crescendo, con una voz en eco repitiendo Love hasta la saciedad al mismo tiempo que el bajo y la guitarra inundaban todo el espacio sonoro, generando una intensidad hasta entonces no escuchada por mis oídos.

Es así como me topé con Angel, tercer single de Mezzanine (1998) a su vez tercer álbum del trío de Bristol, Massive Attack, formado por Robert “3D” Del Naja, Grant “Daddy” Marshall y Andy “Mushroom” Vowles, considerados los padres del Trip Hop, de cuyo estilo ( mezcla de música electrónica, jazz y rock alternativo), son los máximos abanderados junto a los también británicos Portishead.
Angel, grabado en los Christchurch Studios de Bristol, bajo la producción de Neil Davidge a través del sello Virgin, contiene como base el combo del tema Last Bongo in Belgium (1973) de la banda The Incredible Bongo Band.

Massive Attack desmenuza este tema dejando solo su base rítmica y a partir de ahí construye una densa y oscura armonía de bajo, guitarra y samplers, apoyándose ligeramente en un texto contradictorio e inquietante – cantado por el colaborador habitual de la banda Horace Andy– acerca del amor divino y terrenal.
No solo eso, sino que además en el vídeo desarrollan toda una declaración de intenciones con una desconcertante turba de gente persiguiendo a Marshall que pasa a ser perseguida. Caben varias interpretaciones pero una plausible podría ser la de seguir tus propias tendencias sin importarte lo que digan o hagan los demás.

Esta brutal muestra de inventiva y vanguardia sonora ha sido versioneada por varios artistas y utilizada en multitud de campañas publicitarias como la de Adidas anteriormente citada o la de Hugo Boss en 2010 con Ryan Reynolds.
Como versiones destacaremos la de Sepultura y la de los sorprendentes Tame Impala.

Asemas de todo esto, Angel ha tenido la oportunidad de ser conocida por aparecer en varias películas como Snatch ( Cerdos y Diamantes), en una gloriosa escena de furia a cargo de Brad Pitt.

En definitiva, grandísimo ejemplo de evolución musical el de este trío de Bristol que no sólo se ha quedado aquí, ya que con cinco discos en su haber pueden presumir de repertorio con temazos como Teardrop o Unfinished Simpathy.
Me reitero en el hecho de que la música electrónica no es mi fuerte pero reconozco que bandas tan eclécticas, inteligentes e innovadoras como Massive Attack pueden hacer que uno vea ( y oiga) las cosas de otro modo.

You are my angel
Come from way above
To bring me love

Her eyes
She’s on the dark side
Neutralize
Every man in sight

To love you, love you, love you …

You are my angel
Come from way above

To love you, love you, love you …

Foo Fighters : February Stars

Siempre me gustó la palabra “homenaje”. En su significado más antiguo, procede de la Alta Edad Media y era el término provenzal usado para definir un juramento solemne de fidelidad hacia un rey o señor, el cual solo podía romperse con la muerte de quien lo juraba.

En términos más actuales y habiéndose descontextualizado su significado, un homenaje define una demostración pública de admiración y respeto hacia una persona. Existen los homenajes en vida, reuniendo al sujeto homenajeado en un lugar abarrotado de gente (normalmente fieles seguidores) y dedicándole una calle, una estatua o un premio; aunque también existen homenajes póstumos, para recordar y honrar la memoria de quien ya no está o se acaba de marchar y ha dejado una huella indeleble con su obra o sus actos en nuestras vidas.

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Pero existe una clase de homenaje íntimo, casi anónimo, que nace de las entrañas, del corazón, es algo espontáneo que te pide el cuerpo y que instintivamente intenta recuperar a la persona perdida. Casi es una recriminación, un echar en cara o buscar el por qué de que la persona querida o añorada ya no esté, por qué se fue o se quitó de en medio si no le tocaba. Es un homenaje silencioso, casi mudo, que ni siquiera intenta serlo; es solo una conversación, un diálogo, un reproche del amigo que se queda al que se ha marchado, que no ha querido permanecer más en este mundo.

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Esta última clase de homenaje es la que Dave Grohl, -mi bienamado, adorado e idolatrado Dave,- el mejor músico total de los últimos veinte años, productor, multi instrumentista, compositor, director de cine y ex batería del legendario trío grunge Nirvana, dedicó de una forma oculta o no del todo abierta a su gran amigo y mito de los años noventa, el magnífico , carismático y malogrado frontman de Aberdeen, Washington: Kurt Cobain.

February Stars, décimo corte extraído del mejor disco de la ya extensa carrera de Foo Fighters, The Colour and The Shape (1997), grabado entre Los Ángeles y Woodinville, y producido por Gil Norton (que trabajó entre otros con Pixies y Del Amitri), no salió ni siquiera como single, ya que tuvo que competir con espectaculares rivales como Monkey Wrench, My Hero, Walking After You o mi favorita del grupo Everlong; pero he de decir que ya desde el primer momento me enganchó de una manera sobrehumana.

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Grohl, a cargo de la letra y ayudado en la composición musical por sus compañeros Pat Smear y Nat Mendel, desgrana una suave melodía en tono muy bajo a modo de lamento, donde va poco a poco tejiendo un panorama de oscuridad y desolación que se va tornando paulatinamente en reproche conforme va cambiando el ritmo cadente y cada vez más agudo de la guitarra de Smear hacia un clímax sonoro muy grunge que desemboca en un estribillo furioso y lleno de rabia en el que el gran Dave se deja las cuerdas vocales en una  invocación metafórica a las estrellas de febrero ( Kurt nació un 20 de febrero de 1967), flotando en la oscuridad ( han perdido su brillo, se han ido), cicatrices temporales ( Grohl necesitó dos años de intensiva ayuda psicológica para superar el suicidio de su gran amigo). El reproche, el dolor, hasta el delirio de desear una vuelta a la vida ( alegoría de su inmortalidad), están presentes en un tema que se hunde en lo más fondo del dolor y del remordimiento. No he visto nunca a Grohl tan afectado en vivo, tan metido en su música, como con este tema.

Existen varios vídeos  de February Stars ( ninguno de ellos oficial), de los cuales hemos elegido de cabecera el del homenaje a Kurt Cobain, aunque existen otros, algunos de ellos en directo que también compartimos aquí.

Realmente no es una canción muy conocida, pero en mi opinión, supone un ejemplo de la genialidad y modestia a partes iguales de Grohl ( en mi opinión el miembro de Nirvana con más talento de los tres), su capacidad de sintetizar sus sentimientos en una canción midiendo los tempos, las palabras que, sin decir gran cosa, lo dicen todo; el ritmo y cadencia van transmitiendo el sentimiento de angustia, de pérdida y finalmente de ira, algo que pocos estilos como el grunge han sabido hacer tan bien. En una época donde ya estaba pasando de moda, languideciendo, donde los músicos habían pasado página y comenzaban a experimentar con otros sonidos  estilos menos densos, tiene mérito que Foo Fighters recuperaran su esencia más primigenia para rendir pleitesía a aquel rubio magnético, acomplejado y manejado, pero glorificado por sus fans, que no supo entender bien  de qué iba todo esto y decidió apagar su propia luz.

Hanging on
here until I’m gone
just hanging on

Even though
I watched you come and go
how was I to know
You’d steal the show

One day I’ll have enough to gamble
I’ll wait to hear your final call and bet it all

Hanging on
here until I’m gone
right where I belong
just hanging on

Even though
I pass this time alone
somewhere so unknown
it heals the soul

You ask for walls I’ll build them higher
we’ll lie in shadows of them all
I’d stand but they’re much too tall
and i fall

February Stars
floating in the dark
temporary scars
February Stars

The La´s : There She Goes

No hay nada más difícil de contrarrestar que una obsesión. Ese estado de la mente en que una idea, sentimiento, palabra, imagen o situación es permanente, perenne, nunca se va y además nos domina, nos obnubila, acaba por aniquilarnos, por anularnos, dejamos de ser nosotros mismos y pasamos a ser un ente obsesionado, sin voluntad, sin capacidad de reprimir ese input que nos va consumiendo lentamente. Muy probablemente, cuando se llega a ese estado de obsesión extrema, si no se consigue ayuda o algún remedio terapéutico eficaz para paliar sus consecuencias, existe sin duda un punto de no retorno, de ya no volver a ser uno mismo: de sólo ser víctima de una obsesión.

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En la historia del Rock, hay grandísimas canciones que hablan de este tema tan recurrente pero tan espinoso como es el de la obsesión , y en la casi totalidad de los casos son historias autobiográficas padecidas por los autores de las mismas ( la juventud es muy propicia para este tipo de comportamientos). Tenemos por ejemplo, Every Breath You Take de The Police; Ava Adore de The Smashing Pumpkins; You Really Got Me de The Kinks; The More You Ignore Me The Closer I Get de Morrissey o Just Like Honey de The Jesus & Mary Chain, por poner algunos ejemplos célebres. Y podíamos seguir hasta elaborar una lista interminable de canciones ( incluso de discos enteros) que tratan este peliagudo tema.

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Hoy os traemos una canción sobre la obsesión creada por un grupo que sirvió de nexo de unión entre dos generaciones y cuyo LP en que se incluye marcó época y señaló el camino para futuras bandas que dominarían la escena británica de los noventa, se puede decir que fueron los pioneros del Brit Pop.

Estamos hablando de The La´s, formación británica procedente de Liverpool creada en 1983 por el guitarrista Mike Badger, quien logró reunir al genial aunque maniático guitarrista y vocalista Lee Mavers y al bajista John Power ( luego pasarían muchísimos más por sus filas, hasta 25 miembros distintos entre 1984 y 2005, dudoso record), editando un primer single llamado Way Out (1986)  que fue comparado con The Beatles y elogiado por The Smiths, aunque la banda acusó mucho la intermitencia de sus miembros.

Y así llegamos a 1988 cuando The La´s editan un nuevo single, There She Goes, que en principio no fue muy bien aceptado por el público británico, por lo que se reeditó un año después con escaso éxito. Sería el gran productor británico de los noventa, Steve Lillywhite, quien remezclaría el tema en los Eden Studios londinenses para incluirlo en el primer  y único LP de la banda,  el homónimo The La´s (1990), situándolo en el número 13 de las listas británicas y consiguiendo, de una vez por todas, alcanzar un éxito que si bien fue bastante efímero, resultó justamente merecido.

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Esa mezcla estilística de Jangle Pop ( muy utilizada por The Housemartins), con reminiscencias vocales de los sesentas, con riffs y líneas de bajos más actuales, contando con órganos y efectos sonoros novedosos pero no recargados, sirvieron para impulsar un nuevo estilo, una nueva forma de ver la música. Ritmos muy beats, muy british, enganchando con el pop rock de principios de los noventa y con un riffs y un estribillo muy pegadizos, muy accesibles. Todo eso es There She Goes, la esencia del sonido de The La´s , (contracción scousie de The Lads, los chicos, con connotaciones musicales referentes a la nota del mismo nombre) que si bien tienen algún otro tema interesante como el ya mencionado Way Out o Timeless Melody, no han conseguido elaborar ninguna otra pieza sonora de mayor relevancia que la que nos ocupa. Como hemos comentado al inicio del post, la letra versa sobre una obsesión acerca de un amor que ya no está pero que se vuelve recurrente en el recuerdo y ocupa los desvelos y anhelos de nuestros protagonistas. De hecho Mavers confesaría que There She Goes es un episodio autobiográfico de su vida.

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Tenemos varias buenas versiones  de There She Goes, la más famosa es la que realizó con voz femenina la banda Six Pence None The Richer. También The Wombats se atrevieron a hacer un cover de la mítica canción, así como sus vecinos de Liverpool, The Boo Radleys. La más curiosa es la que realizó un tal Robbie Williams. Os dejamos los vídeos de las mismas.

There She Goes no  solo ha sido una canción versioneada y aclamada por la crítica, además ha sido parte de bandas sonoras como Fever Pitch (Fiebre en las Gradas, basada en el Best Seller de Nick Hornby) y Parent Trap (una  de Gemelas con Lindsay Lohan)

A pesar de que The La´s nunca volvieron a reeditar un éxito como el obtenido con este tema, el hecho de que There She Goes apareciera en ese momento tan álgido para la música supuso todo un hito en la historia del pop rock británico, pues sembró semillas que otros grupos como Oasis, Primal Scream, Blur o Pulp recogieron en forma de éxito internacional. Y todo gracias a una maldita obsesión…

There she goes
There she goes again
Racing through’ my brain
And I just can’t contain
This feelin’ that remains

There she goes
There she goes again
Pulsing through’ my vein

And I just can’t contain
This feelin’ that remains

There she goes, there she goes again
She calls my name, pulls my train
No-one else could heal my pain

But I just can’t contain
This feelin’ that remains

There she goes
There she goes again
Chasing down my lane

And I just can’t contain
This feelin’ that remains

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Nick Cave & The Bad Seeds: The Ship Song

Dentro del maravilloso y ecléctico mundo de la música (estamos hablando de la música actual, desde los primeros 60 hasta nuestros días) han existido personalidades de lo más variopinto: excéntricas, oscuras, viscerales, geniales, carismáticas, incluso siniestras. Pero si hay alguien dentro del show business que desprenda un magnetismo brutal sin ser guapo; que posea una aureola de estar por encima del bien y del mal; que tenga un gusto infinito en el tratamiento, la composición e interpretación de las canciones con que nos deleita; que deje absoluta y literalmente sin habla a toda una sala de conciertos solo con su presencia y su prestancia al piano ( esto es rigurosamente cierto porque mi hermana lo presenció); que hable del amor de una forma tan oscura, onírica y hasta perversa que duela escucharlo pero a la vez le dulcifique a uno la vida; si hay alguien así, ese es sin duda el inefable Nick Cave.

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Resulta harto difícil no caer en sus redes, no impregnarse de su asombroso, profundo y retumbante timbre vocal; resulta complicado entender por qué canciones tan oníricas, autodestructivas y peligrosas emocionalmente nos calan, nos empapan, nos virulentan, nos transgreden continuamente; sin ser ni machaconas ni mucho menos fáciles de digerir, sin estribillos cantables, sin florituras ni artificios. Solo él y por supuesto sus Bad Seeds  (entre los muchos miembros que han pasado destacan su inseparable y barbudo multi-instrumenstista  Mick Harvey, junto a Blixa Bargeld y Thomas Wydler).

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Desde esa Australia tan prolífica en talento del bueno con bandas como AC /DC, Midnight Oil, INXS o Airbourne entre otras, Nick y los suyos han conseguido dotar a su música, parida en clubs y al albor del jazz y del blues, de un carácter único e irrepetible, de una tinta indeleble, de un sello tan genuino que cuesta recordar a alguien que haya sido tan fiel a sí mismo.

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Es por ello que hoy quería recordar una de las canciones que más me han impactado de la extensa carrera de esta genial banda y de su genial alma mater. Me refiero a The Ship Song, primer single de su noveno álbum de estudio, The Good Son (1990), publicado el 12 de marzo de 1990 a través del sello Mute Records, grabado y remasterizado en los Cardan Studios de Sâo Paulo (Brasil) y producido por ellos mismos. La línea de piano con la que comienza la canción junto al gravísimo aunque habitual tono empleado por Cave nos van enredando poco a poco en un lento pero constante in crescendo que desemboca en un brillante y elegíaco estribillo muy acertado y recordable.
La letra, que aparentemente habla de barcos, puentes y demás, resulta una metáfora oscura y cruda de una relación de pareja en la que él le pide a ella que junte todos sus barcos en torno a él (sus sentimientos) y que queme los puentes (que le unen al resto del mundo: posiblemente se lo diga a una mujer casada). Es una relación abocada al fracaso, y ambos lo saben; hay química entre ellos, y cada vez que vuelven a estar juntos hacen “historia”, pero ambos saben también que tarde o temprano acabará, y él se resiste al destino inapelable que les espera.

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De esta canción existen varias versiones, entre las que destacaremos la de Inmaculate Fools; la colaboración de Nick Cave con Concrete Blonde y un maravilloso cover de Pearl Jam. Por si fuera poco, The Ship Song Project, un proyecto de la Ópera House de Sydney para promocionarse, contó con grandes artistas en sus filas, como Neil Finn de Crowded House, Martha Wrainwright, The Temper Trap y la Orquesta de Cámara de Australia, entre otros, tomando como himno esta deliciosa canción, de cuyo resultado se realizó un documental.

Maravilla de tema que ha conseguido enamorar a todo el que lo escucha por su oscura sensibilidad, su exquisita construcción y el carisma de todo un fenómeno como el grandísimo Nick Cave. Todo un regalo que me sirve para felicitar una persona muy especial para mí aunque la tenga lejos. Feliz Cumpleaños, hermanita.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.
Come loose your dogs upon me
And let your hair hang down.
You are a little mystery to me
Every time you come around.

We talk about it all night long
We define our moral ground.
But when I crawl into your arms
Everything comes tumbling down.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.

Your face has fallen sad now
For you know the time is nigh
When I must remove your wings
And you, you must try to fly.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.
Come loose your dogs upon me
And let your hair hang down.
You are a little mystery to me
Every time you come around.

Ver imagen original

Blind Melon : No Rain

Hoy os contaremos la historia de una banda atípica para su tiempo, con un cantante de personalidad arrolladora pero con profundas adicciones que acabaron con él y con la propia banda, con un estilo muy arraigado en el folk rock de finales de los sesenta y principios de los setenta, con un disco de debut y un vídeo protagonizado por una Bee Girl (Niña Abeja), que les catapultó a la fama y con un par de canciones absolutamente inolvidables.

Estamos hablando de Blind Melon, grupo formado en Los Ángeles en 1990 por cinco forasteros emigrados para buscar la gloria en California: el guitarrista Rogers Stevens, el bajista y compositor Brad Smith y el batería Glen Graham, todos oriundos de West Point, Mississippi; el guitarra rítmica Christopher Thorn, procedente de Pennsylvania; y por último el cantante Shannon Hoon, nativo de Lafayette, Indiana y amigo de la infancia de Axl Rose ( lo que le sirvió para colaborar con G´N´R haciendo las segundas voces de la maravillosa Don´t Cry en 1991).

Es así como a Blind Melon (nombre extraído de los hippies de Mississippi y de un personaje de los cómicos Cheech & Chong), tras grabar una maqueta de cuatro canciones titulada The Goodfoot Workshop (1991), les fichó Capitol Records, los cuales les sugirieron trasladarse a Durham, Carolina del Norte, para grabar su álbum de debut, el homónimo Blind Melon (1992), bajo la producción de Rick Parashar -famoso por haber producido el maravilloso Ten de Pearl Jam-.

Con el primer single, Tons of Home, no obtuvieron mucha repercusión, pero fue No Rain y su vídeo anteriormente mencionado el que un año después se situaría como número 1 en listas americanas y canadienses y supondría una vuelta al folk retro y setentero en plena vorágine grunge. El disco contiene otras joyas como el cuarto single y segunda canción en importancia de su repertorio, Change, de la que os dejamos el vídeo y también destacaríamos la sutil I Wonder, Drive y Time

Todo iba sobre ruedas para la banda: conciertos, giras de teloneros con The Rolling Stones, portada de la revista Rolling Stone (valga la redundancia) y un nuevo disco titulado Soup (1994), producido por Andy Wallace, que aunque más flojo que el anterior, les sirvió para que les incluyeran una versión de Out of The Tiles en el disco tributo a Led Zeppelin titulado Encomium (1994). También merece la pena el single Galaxie. Su techo llegó cuando fueron invitados aparticipar en el festival de Woodstock de 1994 para conmemorar el 25 aniversario de su primera edición. Os dejamos la actuación entera de tan memorable evento.

El 21 de octubre de 1995 todo cambió drásticamente para Blind Melon cuando, antes de un concierto en Nueva Orleans,  Shannon Hoon fue encontrado muerto en la parte de atrás del autobús de la banda. La autopsia determinó sobredosis de Cocaína. La banda decidió seguir adelante sin Hoon, pero ya nada fue lo mismo, les faltaba la magia, el carisma y la identidad que les daba su frontman. No obstante, en 1996 decidieron publicar un álbum de rarezas, versiones de gente como Lennon o Steppenwolf  y demos al que titularon Nico, el nombre de la hija de Shannon Hoon que tan solo contaba con trece semanas de vida cuando su padre falleció y a la cual fueron destinados los ingresos por ventas y promoción del disco.

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Tras un parón obligado por las circunstancias, los miembros de la banda comenzaron a emprender proyectos al margen de Blind Melon, como la banda Unified Theory,  formada por Thorn y Smith. No es hasta 2006 cuando se reúnen para editar nuevo material con el nuevo disco For My Friends (2008), ya con un nuevo cantante, Travis Warren, y con canciones bastante aceptables  como Make a Difference o Harmful Belly, pero sin llegar al nivel mostrado con Hoon.

A partir de aquí, alguna gira ocasional, varios bolos en programas y festivales y poco más. Resulta obvio que el sello de la banda lo ponía la personalidad y timbre único de Hoon, si bien compositiva y musicalmente el grupo era liderado por Thorn y Smith. Blind Melon nos dio momentos realmente sublimes sobre todo en su debut con temas muy bien construidos y de guitarras melódicas como No Rain, con un mensaje muy sesentero, con parte de la filosofía hippie recogida en su idiosincrasia y con un estilo que les hizo únicos en su momento y que bandas posteriores quisieron emular con escaso éxito.

All I can say
Is that my life is pretty plain
I like watchin’ the puddles gather rain
And all I can do
Is just pour some tea for two
And speak my point of view
But it’s not sane,
It’s not sane

I just want some one to say to me,
“I’ll always be there when you wake.”
You know I’d like to keep my cheeks dry today
So stay with me and I’ll have it made

And I don’t understand why I sleep all day
And I start to complain
That there’s no rain
And all I can do is read a book to stay awake
And it rips my life away,
But it’s a great escape
Escape… escape… escape…

All I can say
Is that my life is pretty plain
You don’t like my point of view
You think that I’m insane
It’s not sane… it’s not sane.

I just want some one to say to me,
“I’ll always be there when you wake.”
You know I’d like to keep my cheeks dry today
So stay with me and I’ll have it made

And I’ll have it made
And I’ll have it made
And I’ll have it made oh no no no
You know I’m really gonna
Really gonna
Have it made
And I’ll have it made
Ah ah ah ah, ah ah ah ah, ah ah ah ah

Fito Páez : Mariposa Tecknicolor

La vida es una sucesión de imágenes, de señales cromáticas y lumínicas, de luces y sombras que conforman nuestras sensaciones y nuestros recuerdos. Todo ello se asocia a las vivencias, los momentos, los episodios que nos vienen a la mente en forma de fotogramas; a modo de ráfagas de flash o a cámara lenta, según se perciba o se valore la secuencia. Como en una película, hay momentos en que todo pasa ante nuestros ojos y se amalgaman en un instante colores, objetos, personas con sonidos, ruidos, voces. Este es el motor de nuestros recuerdos, nuestra seña de identidad, lo que somos , hemos sido y queremos llegar a ser, pero también lo que no somos y nunca seremos, nuestro ying y nuestro yang, a veces colorido a veces gris, en ocasiones dulce y en ocasiones salado.
Si pudiéramos proyectar nuestros recuerdos contra la pared o contra una pantalla se asemejarían a una bola de discoteca que se mueve cuando efectos sorprendentes y desconcertantes… Se proyecta la vida, Mariposa Tecknicolor.

Con esta maravillosa oda a la vida, el genio rosarino Rodolfo “Fito” Páez logró ponerse al mundo latinoamericano por montera, aunque ya había labrado varios discos de gloria en su país y en el cono sur. Este salto cualitativo fue acompañado de giras, colaboraciones, conciertos y le abrió las puertas a una Europa que comenzaba a mirar a Hispanoamérica con otros ojos, un desembarco de artistas consagrados comenzaron a copar las listas de éxitos de mitades de los noventa ( Maná o Caifanes, entre otros) y fueron capitaneados por este cantautor virtuoso del piano ( fue tecladista del carismático Charly García), excéntrico en ocasiones y muy sui generis en sus maneras y actitudes. De hecho consiguió grabar un disco con Sabina con el single Llueve sobre mojado y ninguno de los dos, -a pesar del éxito cosechado- fue capaz de reprimir su ego o ceder en sus pretensiones preeminentes respecto al otro. Fue un duelo Europa- América en toda regla ( musicalmente hablando)

Mariposa Tecknicolor salió publicado como single de su noveno disco de estudio , Circo Beat (1994) , espaldarazo definitivo para el rosarino en su consolidación como artista global en español, junto a su anterior LP El Amor Después del Amor (1992) El sencillo vio a la luz en abril de 1994 a través de la discográfica multinacional Warner Music , con la producción y composición de todos sus temas a cargo del propio Fito.
La canción tiene varias versiones que aparecen en distintas publicaciones del artista: aparte de en este álbum la encontramos en su siguiente LP Euforia (1996) en una fantástica versión en directo; también la escuchamos en Mi Vida Con ellas (2004) y en una maravillosa versión orquestada en Moda y Pueblo (2005)
Sus actuaciones en directo también descubren detalles líricos de la canción que en la original no se aprecian.

Por último os dejamos con una de las versiones más famosas de la canción: la que le hizo la Barra Brava de Boca Júniors, La Doce para alentar a su equipo y que se ha hecho famosa en toda Argentina y casi todos los clubs tienen su propia versión.

Gran tema autobiográfico de este rosarino miope y virtuoso del piano que quedó huérfano de madre siendo bebé y tuvo que labrarse la vida en la calle junto a su familia, su padre, sus tías a las que llama “madres”. Es todo un homenaje a su ciudad natal, a los buenos momentos en la cancha de Rosario Central ( es un “canalla” acérrimo ), a sus escarceos con las drogas – de ahí lo de Tecknicolor-, del orgullo de su origen criollo ( yiran y yiran ), de los asesinatos que ocurrieron… En fin, de la vida con su sabor agridulce , lo complicado y lo sencillo que es vivir. Espectacular letra como pocas he oído.

Todas las mañanas que viví
todas las calles donde me escondí
el encantamiento de un amor
el sacrificio de mis madres
los zapatos de charol
los domingos en el club
salvo que cristo sigue allí en la cruz
las columnas de la catedral y la tribuna
grita gol el lunes por la capital

*Todos yiran y yiran
todos bajo el sol
se proyecta la vida
Mariposa technicolor
cada vez que me miras
cada sensación
se proyecta la vida
Mariposa technicolor

Vi sus caras de resignación
los vi felices llenos de dolor
ellas cocinaban el arroz
se levantaba sus principios
de sutil emperador

Todo al fin se sucedió
sólo que el tiempo no los esperó
la melancolia de morir en este mundo
y de vivir sin una estúpida razón

*coro

Yo te conozco de antes
desde antes del ayer
yo te conozco de antes
cuando me fui
no me alejé
llevo la voz cantante
llevo la luz del tren
llevo un destino errante
llevo tus marcas en mi piel
y hoy solo te vuelvo a ver (x3)