The Automatic : Monster

Ahora, desde la cuesta arriba ( o cuesta abajo, según se mire) de mis 43 primaveras, comienzo a entender a mis mayores cuando me decían que en nuestra generación éramos todos crápulas y solo pensábamos en pasarlo bien y emborracharnos. Claro, yo veo a los jóvenes de hoy día y pienso que nosotros éramos mejores porque bebíamos y fumábamos ( a veces con tropezón) pero no nos metíamos “nada más fuerte” , al menos en mi caso, que conozco cada uno… Hoy día, este tema está mucho más aceptado por la juventud y menos demonizado que antaño, aunque los efectos adversos siguen estando ahí. La cuestión es que hay más oferta y más posibilidad de elección, más información y más medios para combatirla, pero el peligro está ahí. Cierto es que no se puede comparar a los tiempos de la Heroina ( que se cargó a casi toda una generación , la anterior a la mía), pero sí que hoy día hay una dependencia mayor de drogas de diseño más duras que nuestro alcohol o nuestros porros. He rescatado una canción al hilo de este tema que refleja muy bien lo que puede pasar si se abusa o se juega con estas sustancias.

The Automatic, grupo galés formado en 1998 por Robin Hawkins, James Frost, Iwan Griffiths y Paul Mullen ( quien sustituyó a Alex Pennie) se caracteriza por practicar un post- punk Revival aderezado con toque electrónicos muy importantes (especialmente su base rítmica), consiguiendo un sonido actual pero con reminiscencias clarísimas del britpop por un lado, de los grupos electro pop por otro y con claro deje guitarrero en determinados momentos que nos retrotraen a un estilo post punk guitarrero, similar en ocasiones a Bloc Party o Kaiser Chiefs.

Tras varias maquetas de éxito, su debut discográfico, Not Accepted Anywhere (2006) nos trajo de la mano un implacable sonido personal y lleno de reminiscencias Brit pop y electrónicas, con los singles Recover, Raoul y Monster. Este tercer single, publicado el 5 de junio de 2006, producido por Stephen Harris, Richard Jackson e Ian Broudie a través del sello B- Unique de Polydor Records, habiendo sido grabado en los Stir Cardiff Studios, habla de las sensaciones de paranoia y alucinaciones en estado de haber consumido drogas, se narran experiencias autobiográficas, pero subrepticiamente se está condenando esa falta de control, esa pérdida del
dominio psico-fisico y mental que hace que se tengan episodios oníricos y lisérgicos y que la noción espacio-temporal se distorsione por completo.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo con las letras de Monster y otro con una actuación en directo en el programa de Jools Holland en 2007.
Para terminar de demostrar su poderío en directo, os dejamos con varias actuaciones de The Automatics interpretando Monster: un concierto de 2007 en Glastonbury; su intervención en el Leeds Festival de 2006 y por último su show en el Live Gonzo de 2008. como curiosidad os dejamos una entrañable versión de The Ukulele Orchestra Of Britain y un magnífico cover de Monster.

Monster es un clásico moderno con todos los honores, el gran triunfo de un grupo al que aún le queda mucho por hacer aunque están en un standby que ya dura desde 2010, aunque pueden estar seguros de que aquí les recordaremos siempre por este trepidante tema de atmósferas acidas y lisérgicas que esconde un trasfondo social realmente interesante.

Brain fried tonight through misuse
Through misuse, through misuse
You can’t avoid static abuse
Abuse, abuse

Without these pills you’re let loose
You’re let loose, you’re let loose
Stand up, get out, no excuse
No excuse, no excuse

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill?

Confused, mind bruised, it seeps out
It seeps out, it seeps out
Face down, home town looks so grey
Looks so grey, looks so grey

Convexed you bend, twist and shout
And shout, and shout
Stand up brush off get moving
Get moving, get moving

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Face down, home town, face down, home town
Face down, home town, it looks so grey
(x4)

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Is it a monsteeeeer?

Eagles Of Death Metal : I Only Want You

Resulta muy complicado hablar de una banda como esta sin obviar el paradigma que les aconteció hace poco y que marcó para bien o para mal el
resto de su carrera, principalmente porque Eagles Of Death Metal es una banda que no se merece que se le asocie con un suceso tan luctuoso y abominable como el que sucedió en la sala Bataclan de París la noche del 13 al 14 de noviembre de 2015, donde perdieron la vida 89 personas debido a un atentado terrorista ( y ellos pudieron escapar de milagro por el backstage). Eagles Of Death Metal son mucho más que solamente el grupo que tocaba aquella noche en Bataclan y desde aquí queremos rendirles nuestro más sincero homenaje.

Allá por 1998 el cantante Jesse Hughes (que había participado en el proyecto a favor del Stoner Rock The Dessert Sessions y prestaba la voz al grupo Fatso Jetson) y el inimitable Josh Homme (a la sazón alma mater de Queens Of The Stone Age y antiguo guitarrista de la banda stoner Kyuss, además de copartícipe junto a Dave Grohl y John Paul Jones de la superbanda Them Crooked Vultures) decidieron unir sus fuerzas como un proyecto paralelo, -nunca temporal- a QOTSA, ya que Homme declaró tener “esquizofrenia musical”. Sin embargo, debido al éxito de este último con QOTSA no fue hasta 2004 cuando saldría publicado su primer álbum, Peace, Love and Death Metal.

Los de Palm Desert, cuna del Stoner, quisieron alejarse de esa etiqueta (y por supuesto tampoco practican Death Metal aunque su nombre irónicamente así lo indique), acercándose más a un estilo Rockabilly o punkabilly si se quiere, con destellos de blues rock y el Garage absolutamente incrustado en su ADN, con guitarras potentes, baterías básicas pero contundentes y un bajo testimonial, muy en la línea del resurgir del género de la pasada década con The White Stripes o The Black Keys. Ejemplo de esto último es el tema que hemos escogido de EoDM, I Only Want You, extraído como primer single del primer álbum antes mencionado, producido por Josh Homme a través del sello AntAcidAudio, todo un bofetón sonoro que entronca con el rockabilly clásico pero que bebe del Stoner como influencia base y de falsetes muy setenteros fruto del pasado funky de Hughes y de la querencia por este artificio de Homme.

Como ejemplo de la personalidad de este dúo contaremos la anécdota de su gira como teloneros junto a Guns N’ Roses en 2006, cuando no fueron bien recibidos por el público en Cleveland y Axl Rose les desprestigió en directo durante su actuación, llamándolos Pigeons Of Shit Metal. Ellos, ni cortos ni perezosos, respondieron mediante un escrito lleno de alusiones a canciones de GNR de la siguiente manera:
First, the audience refused to Welcome us to the jungle, but by the time we took our final bow, it had become paradise city. Although Axl tried to November rain on our parade, no sweet child o’ mine can derail the EofDM night train. We say: live and let die“.
(“Al principio, la audiencia se negó a darnos la bienvenida a la selva, pero llegado el momento de hacer nuestra última canción, todo se había convertido en la ciudad del paraíso. Y aunque Axl trató de convertir nuestra fiesta en una lluvia de noviembre, ningún dulce niño mío puede hacer descarrilar el tren nocturno de EofDM. Nosotros decimos: vive y deja morir”.)
Decir que Jesse Hughes se hizo un tatuaje en el brazo que reza “Pigeons Of Shit Metal”

A continuación os dejamos con varias actuaciones en directo de EoDM interpretando I Only Want You

Os dejamos también vídeos de sus temas más célebres después de este como I Want You So Hard, Kiss the Devil ( el tema que interpretaban cuando aconteció el atentado) y Complexity, uno de sus últimos temas.

Por último os dejamos el fatídico momento del atentado, sus reacciones posteriores y la actuación que hace poco realizaron en París junto a U2 en homenaje a las víctimas.

Alguien dijo que lo que no te mata te hace más fuerte y Eagles Of Death Metal han sobrevivido a una tragedia como esta saliendo muy reforzados de la misma en cuanto a la maravillosa actitud mostrada por Hughes y Homme respecto al tema, no rehuyendo en ningún momento contar sus sentimientos al respecto, y por otro lado se han dado a conocer al público mainstream de una forma que igual no hubiesen querido pero con resultado muy positivo, aunque producto del morbo de ser quienes tocaban en Bataclan en aquel momento.

Homme y Hughe
s, ha quedado demostrado, son mucho más que esos tipos que corrían despavoridos hacia el backstage. Son dos pedazo de artistas. Pero sobre todo, dos pedazo de personas.

When I feel like you get too close I put you right down
I never really leave I just slip away
And it’s not my purpose to break your spirit
I’m not really interested in what’s in your heart
I don’t want you to fall in love now so please don’t start

I only want you
I only want you
I only want you
I only want you

I know that it’s terribly cruel but then I like it
Because you tried to love me I just can’t stay
And I’m not gonna lie just to spare you feelings
‘Cause watching you suffer feels much better to me
I’m about to lay destruction on you
I’m not the lover man that you want me to be
I said well…

I only want you
I only want you
I only want you
I only want you

Now you see once you get too close
I put you right down
I never really leave I just slip away
But it’s not my purpose to break your spirit
I’m not really interested in what’s in your heart
But now I have to lay destruction on you
I’m not the lover man that you want me to be
I said well…

I only want you
I only want you
I only want you
I only want you

Turin Brakes : Underdog ( Save Me)

Siempre me ha fascinado la etimología, el origen de las palabras y los cambios y distintas acepciones que en ellas se generan según las costumbres, circunstancias y procedencia de quien la usa o las pone de moda.
El otro día, indagando en mis viejos CDs me fijé en el título de una canción. Underdog ( que además es el título de una película aunque no tienen que ver nada la una con la otra), a pesar de mi aceptable inglés, no conocía su significado a ciencia cierta, así que rápidamente fui al diccionario (aunque luego pude comprobar que en el inicio del vídeo rezaban las siguientes acepciones):
1. El perro perdedor o derrotado en una pelea de perros ( instintivamente uno siempre queda encima del otro, de ahí lo de “under“, el perro que está debajo )
2. Una persona, grupo o equipo que pierde o suele perder habitualmente en una competición o en una batalla (me vino a la cabeza inmediatamente mi queridísimo Osasuna como fiel reflejo de esta definición).
3.Alguien que está impedido o falto de privilegios, o bien que sufre en la vida.

Y es que Underdog (Save Me),incluida en The Optimist LP (2001), autoproducido a través del sello Source, mi canción favorita del dúo británico Turin Brakes, originalmente formado en 1999 por Olly Knights y Gale Palidjanian – al que se le unen en directo Rob Allum y Eddie Myer-, es un auténtico compendio de baja autoestima, mala reputación y poca fe en sus posibilidades, una llamada de auxilio hacia la salvación de uno mismo hacia alguien que siempre se decanta por las causas perdidas; una égloga moderna de las miserias, complejos y frustraciones, todo ello aderezado con dos guitarras acústicas muy en la línea de Neil Young, con voces empastadas y un deje indie que recuerda vagamente a las composiciones pop de los sesenta, aunque sus letras mordaces y ácidas digan lo contrario.

Aunque Turin Brakes no son especialmente conocidos ni han tenido un éxito mundial, con Underdog ( Save Me) consiguieron entrar en el número 39 de listas UK y posteriormente con su hit más conocido, Painkiller, incluido en su LP Ether Song (2003) lograrían el número 5 en USA Charts.

Otros títulos como Fishing For a Dream o Keep Me Around definen un estilo folk pero adaptado a los tiempos, basado en el empaste de voces y guitarras semi acústicas con acompañamiento de bajo y escobillas casi jazzístico pero muy moderado y con el protagonismo limitado , dejando ese rol a la personal cadencia vocal de Olly Knights y sus sardónicas letras.

Bajo estas líneas os dejamos varias actuaciones en directo de Turin Brakes interpretando Underdog (Save Me), concretamente un fantástico durante el festival de Glastonbury en 2003 y otra sesión de AOL en 2008.

También han hecho alguna versión como Breaking The Girl de Red Hot Chili Peppers, Moonlight Mile de The Rolling Stones o Ascension Day de Talk Talk, siempre con la sensibilidad y el buen gusto que han caracterizado toda su carrera.

Turin Brakes, un dúo que no por poco conocido del de tener su encanto, su propio estilo, unas letras muy bien construidas y un feeling que no se encuentra todos los días.
La primera vez que los escuché fue en un recopilatorios indie de2001 y desde entonces me encandilaron con su estilo pausado pero intenso. Para la que no los conozcáis, esta es un buen oportunidad de probar si los frenos de la factoría de Turín resisten los envites del tedio y protegen a la calidad musical del desenfrenado mal gusto de la actual escena mainstream.

Two black lines streaming out like a guidance line.
Put one foot on the road now where the cyborgs are driving,
With the WD-40 in their veins the screeching little brakes complain.

With the briefcase empty and the holes in my shoes,
I try to stay friendly for the sugary abuse.
So tell my secretary now to hold all of my calls,
I believe I can hear through these walls.

Oh please save me, save me from myself.
I can’t be the only one stuck on the shelf.
You said you’d always fall for the underdog.

Well I’ve been dreaming of jet streams and kicking up dust,
A thirty seven thousand foot wonderlust
And with skyline number 9 ticked off in my mind,
Oh can you hear me screaming out now through the telephone lines.

Oh please save me, save me from myself.
I can’t be the only one stuck on the shelf.
You said you’d always fall for the underdog

Muse : Knights Of Cydonia

Mitología: conjunto de mitos o relatos que forman parte de una religión o cultura, basados en la tradición y en la leyenda, creados para explicar la creación del mundo, el origen del hombre y cualquier cosa para la que no haya una explicación simple. Esta es a grandes rasgos la definición que encontramos en wikipedia, y os preguntaréis, ¿qué tiene que ver un videoclip de una canción de un grupo de rock de principios del siglo XXI con la mitología? Pues, según se mire, todo y nada. Puede no parecerse en las formas a las mitologías clásicas grecorromanas o asiáticas, pero sí en su fondo , sí en el mensaje y en lo que trata de explicar.

Esto es lo que logró el fantástico trío británico Muse con su fantástica epopeya en clave Cyber- Western titulada Knights Of Cydonia, incluida en su fantástico álbum Black Holes and Revelations (2006), del cual fue extraído como tercer single y publicado el 13 de junio de 2006 a través del sello Helium 3 (propiedad de Warner Bros) y con producción de la propia banda junto a Rich Costey.

La canción inicia con un preludio de harmónica -sustituido en directo por los compases de la famosa sintonía de Encuentros en la Tercera Fase-, dando paso a una cabalgada simulada por el fantástico bajo de Chris Wolstenholme a la que el genio Matt Bellamy le añade un riff muy al estilo Morricone y con reminiscencias del tema Telstar (1962) del grupo instrumental The Tornados ( a la sazón la banda de su padre George Bellamy)

El sentido que le da Muse a la letra es el de que cada uno debe creer en sí mismo y seguir su propio destino para lo que maquilla el significado de la misma con una estética a caballo entre los Westerns de Sergio Leone y las películas futuristas post holocausto de los años setenta.
Cydonia alude a un lugar ficticio pero realmente se le llama así a una región de Marte y una región de la isla griega de Creta. El vídeo de Joseph Kahn con el villano, el héroe y la rubia en un entorno de vaqueros del ciberespacio con un tratamiento claramente retro no tiene desperdicio y aupó a Knights Of Cydonia muy alto en listas, nada menos que hasta el número 10 en la UK Single Charts.

Ahora os dejaremos varias versiones de Knights Of Cydonia en directo, entre ellas destacar la del concierto de inauguración de Wembley en 2007, incluida como primer corte en su disco en directo H.A.A.R.P. Una de las mejores performance en directo, tanto musical como en cuanto a puesta de escena se refiere.

Knights Of Cydonia representa todo lo que la Mitología rockera actual unida al universo del cómic y del cine pueden aportar a nivel irónico y estético, dejando una aureola de leyenda y epopeya sin perder el sentido del humor con esos guiños fantásticos a las películas de Bruce Lee y de artes marciales en general.
Ciñéndonos a la canción en sí, Bellamy se esfuerza en lograr un mensaje válido para crear una canción que enganche en directo desde el minuto uno (ese es su objetivo último), y a la vez que genere un lenguaje entendible y llamativo para captar a la audiencia con un videoclip absolutamente estratosferico, rozando lo kitsch pero con el punto justo de cordura y con una sincronización perfecta respecto a la música y el tempo de la trama ( si es que la hay), que no representa más que la eterna dualidad bien- mal, al fin y al cabo como cualquier otro mito en su fin último.
Solo que esta vez, Bellamy y los suyos recurrieron al rock para aleccionar a las masas acerca del hecho de lo que realmente importa en la vida es creer en uno mismo… Aunque seas un vaquero del ciber espacio hortera y con bigote.

Come ride with me
Through the veins of history
I’ll show you a god who
Falls asleep on the job

And how can we win
When fools can be kings
Don’t waste your time
Or time will waste you

No one’s gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

No one’s gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

No one’s gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

The Civil Wars : Poison & Wine

Las relaciones sentimentales son una de las experiencias más complejas que pueden llegar a experimentar los seres humanos. No solo por las diferentes circunstancias vitales, sociales, económicas y culturales que rodean y condicionan a cada uno de los implicados; no solo por todo lo que les une, filias, fobias, gustos, aficiones; sino también por lo que les separa, diferencias, caracteres incompatibles, distintas miras y objetivos en la vida. Y todo ello a pesar del afecto, del cariño o deseo sexual que exista manifiestamente entre ambos. Por todo ello resulta muy complicado estar eternamente bien avenido con la otra persona: los roces, los reproches, las tensiones acaban tarde o temprano surgiendo como un mazo invisible que devuelve a al realidad las ensoñaciones místicas y etéreas de quienes beben los vientos el uno por el otro; la convivencia resulta una prueba realmente dura osa quienes se creen inseparables e invencibles en su respeto al prójimo.

Esta compleja temática es la que desarrolla magistralmente el dúo de Nashville The Civil Wars, compuesto por Joy Williams y John Paul White (que aunque parezca mentira no son pareja sentimental) y que sacaron su nombre paseando por su ciudad natal y viendo los monumentos a la Guerra Civil, “en honor a todas las pequeñas guerras que se libran cotidianamente” ( en palabras textuales de Williams).
La pareja bebe de las mejores influencias folk del medio oeste norteamericano unido a reminiscencias vocales country heredadas de generación en generación por una cuidada técnica vocal consistente en desafinar deliberadamente una pequeña nota en el sostenido.

Formados en 2008, el 15 de noviembre de 2009, The Civil Wars publicaron el fantástico EP Poison & Wine, editado por el sello Sensibility y producido por Charlie Peacock ( uno de los impulsores del Rock Cristiano Contemporáneo) con cuatro canciones entre las que se encuentra la homónima y que nos muestra un duelo vocal realmente interesante entre Williams y White, acompañados ella por su piano y él por su guitarra acústica, sosteniendo una peles de empastes y desencuentros muy buen calculados que lejos de restarse protagonismo, consiguen trabajar en pro de un excelente y armónico resultado final que les dio una fama merecida y un prestigio que les ayudó a grabar su álbum de debut Barton Hollow (2011) en el que viene incluida Poison & Wine, y la cual por supuesto sería extraída como primer single el 4 de agosto de 2011.

La letra de tan maravillosa canción, firmada por la pareja Williams- White junto al artista y productor country Chris Lindsey, es sencillamente arrebatadora, ya que juega de forma fantástica con las palabras de forma que todo sea contradictorio, como en una relación en la que hay veneno y vino, y que si lo mezclas resulta un cóctel mortal. Me quedo con la frase del estribillo : “ I Don’t Love You And I Allways Will” que parece decir No te quiero y nunca te querré pero se puede interpretar como lo contrario, que ahora no, pero siempre sí. El vídeo de cabecera y su puesta en escena ayudan a jugar con todos los sentimientos desarrollados en la letra y con la cadencia lenta e intensamente gradual.

Sobre estas líneas os dejamos una escena de la serie Anatomía de Grey donde aparece de fondo Poison & Wine.
La banda ha realizado apariciones en directo y en programas de televisión interpretando el tema, de cuyos momentos os dejamos varios extractos.
Además os dejamos un fabuloso cover de Jess Mosskaluke y Jake Coco.

Pues bien, este tema, que descubrí por casualidad enredando por Spotify, supone uno de los hitos románticos e intimistas del nuevo siglo, un canto a la sensibilidad, al talento y al buen gusto de dos artistas que desgraciadamente separaron sus caminos indefinidamente s principios de 2014 pero que nos dejaron dos discos ( el segundo, el homónimo de 2013 es una joya) que muestran muy a las claras la infinita calidad vocal y musical de The Civil Wars.
You only know
What I want you to
I know everything
You don’t want me to
Your mouth is poison
Your mouth is wine
You think your dreams are the same as mine
Oh, I don’t love you
But I always will
Oh, I don’t love you
But I always will
Oh, I don’t love you
But I always will
I always will
I wish you’d hold me
When I turn my back
The less I give
The more I get back
Oh, your hands can heal
Your hands can bruise
I don’t have a choice
But I’d still choose you
Oh, I don’t love you
But I always will
Oh, I don’t love you
But I always will
(bis)
I always will
I always will
I always will
I always will

Noir Désir : Le Vent Nous Portera

Recuerdo, cada vez con más lejanía pero con especial cariño aquellos tres años, -de 1986 a 1989,- que pasé junto a mi familia viviendo en la preciosa capital de la Borgoña francesa, Dijon.
Esa experiencia me sirvió para conocer otras gentes, la pluralidad cultural del país galo, los fabulosos paisajes de las viñas de la Côte d´Or y también el idioma, aunque con 13 años me fijaba en aspectos determinados del idioma como los tacos o los términos futbolísticos. Mi hermana con 9 años tardó dos semanas en hablar perfectamente. Pero si de algo realmente me sirvió esa etapa de mi vida en plena adolescencia fue en que despertó definitivamente mi melomanía, mi amor por la música, especialmente por el Rock.
Y eso que allí son más de solistas que de grupos, su tradición es más de intérpretes y cantautores, recuerdo que por esa época sonaban mucho en el TOP 50 France Gall ( sí, la de Poupée de Cire ), mi predilecto Jean-Jacques Goldman, una especie de Sabina a la francesa, un jovencísimo Patrick Bruel o la histriónica Desireless con su Voyage Voyage. Aunque también había grupos que arrasaban como Les Rita Mitsouko o L´Affaire Louis Trio. Pero el rock que se practicaba, aparte de Johnny Halliday o Gold, o no era de mi gusto o era blandito.

Cuatro o cinco años después de volvernos a Pamplona, hacia 1993 o 1994, nos visitó un verano Julie, la mejor amiga de mi hermana (como mi segunda hermana) y con ella trajo una cinta de un grupo francés que estaba pegando muy fuerte, llamado Nuag Desig ( escrito Noir Désir) y que según ella tenía un cantante que era la bomba a todos los niveles: guapo, listo, buen compositor y con un pedazo de voz.

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Y así fue como descubrí a un pedazo de banda haciendo muy buen rock en francés, con un estilo muy directo, con reminiscencias punk y con letras contestatarias, sarcásticas e hirientes. Sus responsables, el guitarrista Serge Teyssot-Gay, el batería Denis Barthe, el bajista Fréderic Vidalenc y el compositor, carismático y controvertido cantante Bertrand Cantat. Su cuarto álbum, Tostaky (1993), contracción de la expresión española Todo Está Aquí, fue una revelación, un signo de que en Francia también se hacía buen rock. Canciones como Comme Elle Vient, Ici Paris o Á Ton Étoile supusieron verdaderos himnos subversivos y contestatarios, yendo su música poco a poco mutándose en algo más poético y sosegado pero igual de intenso compositivamente.

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Como ejemplo de la obra de estos cuatro fenómenos de Burdeos, he elegido la archiconocida Le Vent Nous Portera (el viento nos llevará, o se nos llevará, quedando aquí el doble significado de transportarnos y borrarnos de la faz de la tierra). Dicha canción, – que había de lo pasajero y futil de la vida, de que no existe no presente ni pasado porque todo acaba pasando, aunque resalte la inmutabilidad de quien no se separa jamás, con un toque redencionista pero a la vez surrealista y profundamente pesimista- fue publicada como primer single de su décimo LP Des Visages Des Figures (Caras, Rostros) el 28 de agosto de 2001 producido por Noir Désir junto a Jean Lamoot a través del sello Barclay, y fue promocionado por un vídeo original inquietante y entrañable a la vez, el cual os dejamos aquí, ya que en la cabecera hemos colgado una actuación con la letra subtitulada. Además os dejamos una serie de actuaciones en directo de Noir Désir donde se puede apreciar todo su poderío y potencial con otras canciones de su repertorio.

Desgraciadamente todo se truncó cuando Bertrand Cantat asesinó brutlamente a su novia Marie Trintignat en un hotel de Vilna (Lituania) durante un rodaje de la actriz en 2003.   A pesar de que la prensa en bloque lo protegió en un primer momento al pensar  que había sido algo fortuito, la autopsia desveló lo contrario. No obstante,  de la pena de 8 años a que se le condenó, únicamente cumplió cuatro.
Pero la historia negra de Cantat no acaba aquí, ya que el 10 de enero de 2010, mientras estaba pasando unos días con sus hijos y su  ex mujer, la dramaturga húngara Krisztina Rady, y encontrándose el cantante en la casa, esta se suicidó, aumentando aún mas la sombra de Bertrand, el cual decidió poner fin a su carrera musical con Noir Désir ese mismo año.
Gran canción de una banda grande como pocas en el país galo y con el cantante más controvertido que jamás haya conocido.

Je n’ai pas peur de la route
No tengo miedo del camino
Faudrait voir, faut qu’on y goûte
habrá que ver, hace falta probarla
Des méandres au creux des reins
los meandros de la parte baja de la espalda
Et tout ira bien là
y todo irá bien allá
Le vent nous portera
el viento nos llevará

Ton message à la Grande Ourse
Tu mensaje a la Osa Mayor
Et la trajectoire de la course
y la trayectoria de la carrera
Un instantané de velours
una instantánea de terciopelo
Même s’il ne sert à rien va
incluso si no sirve para nada va
Le vent l’emportera
el viento se la llevará
Tout disparaîtra mais
todo desaparecerá pero
Le vent nous portera
el viento nos llevará

La caresse et la mitraille
La caricia y la metralla
Et cette plaie qui nous tiraille
y esa pena que nos tirotea
Le palais des autres jours
el palacio de los otros días
D’hier et demain
de ayer y de mañana
Le vent les portera
el viento los llevará

Génétique en bandoulière
Genética en bandolera
Des chromosomes dans l’atmosphère
los cromosomas en la atmósfera
Des taxis pour les galaxies
taxis para las galaxias
Et mon tapis volant dis ?
y mi alfombra voladora dice?
Le vent l’emportera
El viento se la llevará
Tout disparaîtra mais
todo desaparecerá pero
Le vent nous portera
el viento nos llevará

Ce parfum de nos années mortes
El perfume de nuestros años muertos
Ce qui peut frapper à ta porte
este que puede llamar a tu puerta
Infinité de destins
infinidad de destinos
On en pose un et qu’est-ce qu’on en retient?
Se pone uno y ¿qué es lo que se recuerda?
Le vent l’emportera
el viento se lo llevará

Pendant que la marée monte
Mientras sube la marea
Et que chacun refait ses comptes
y que cada uno salda sus cuentas
J’emmène au creux de mon ombre
llevo al hueco de mi sombra
Des poussières de toi
los polvos de ti
Le vent les portera
el viento se los llevará
Tout disparaîtra mais
todo desaparecerá pero
Le vent nous portera
el viento nos llevará

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Incubus : Drive

El miedo. Ese sentimiento irracional que gobierna en muchas ocasiones nuestras vidas a través de actos y decisiones condicionadas por no atrevernos a hacer, decir o pensar amenazados por ese censor emocional, ese castrador de ilusiones, experiencias y esperanzas que ciega el entendimiento y la cordura; ese hermano pequeño del pánico al que azuza y alimenta hasta que aparece
con todo su poder. Y el rumbo empieza a desviarse hacia lo nublado, lo confuso, lo borroso, lo oscuro, ya no sabe a qué jugar ni adónde pegarle.
A perder el control.

Este es el mensaje de la canción que hoy nos ocupa : Drive, publicada el 29 de noviembre de 2000 como tercer sencillo de Make Yourself, tercer LP a su vez de la banda californiana Incubus (nombre tomado de la mitología medieval que denominaba así a los demonios que mantenían relaciones sexuales con mujeres y que de ellas engendraban hijos con poderes mágicos), integrada por el cantante Brandon Boyd, su amigo de la infancia y batería José Pasillas, el guitarrista Mike Enziger, el bajista Ben Kenney y el teclista y Dj Chris Kilmore, los cuales comenzaron desarrollando un estilo cercano al
Nu Metal, agresivo y con bases rapeadas ( muy en la línea Faith No More o los Red Hot Chili Peppers de los inicios) aunque dulcificado con el tiempo y más tras este su gran éxito – al que en mi opinión le falta un subidón guitarrero al final-.

Volviendo a la canción, compuesta por la banda al completo, producida por ellos mismos junto a Scott Lift y editada por el sello Epic / Inmortal, la verdad es que fue un bombazo en listas, logrando el número 1 en listas independientes norteamericanas, gracias en gran medida no sólo a la fabulosa canción en si, sino al fantástico vídeo realizado con maravillosas litografías en movimiento a cargo del holandés MC Escher y por el cual fue nominado a los Grammy a mejor clip del año.

En cuanto a sus actuaciones cargadas de energía y adrenalina , os dejamos unos ejemplos de conciertos en directo y algunas versiones de la misma.

Según palabras de Brandon Boyd,Drive trata básicamente acerca del miedo, acerca de ser conducido por él y tomar decisiones condicionado por ese sentimiento. Se trata de imaginar la vida como si no fuera la tuya”.
Resulta paradójico que de una canción que habla del Miedo y de las inseguridades Incubus se ganara el respeto y reconocimiento que se les había resistido durante sus primeros años de carrera. Luego vendría algún éxito menor como Wish You Were Here .

En este caso, sentir miedo y contarlo mereció mucho la pena.

Sometimes I feel the fear of the uncertainty stinging clear
And I can’t help but ask myself how much I’ll let the fear take the wheel and steer

It’s driven me before, and it seems to have a vague
Haunting mass appeal
Lately I’m beginning to find that I should be the one behind the wheel

Whatever tomorrow brings, I’ll be there
With open arms and open eyes, yeah
Whatever tomorrow brings, I’ll be there, I’ll be there

So if I decide to waiver my chance to be one of the hive
Will I choose water over wine and hold my own and drive, oh oh
It’s driven me before, and it seems to be the way
That everyone else gets around
Lately, I’m beginning to find that when I drive myself, my light is found

Whatever tomorrow brings, I’ll be there
With open arms and open eyes, yeah
Whatever tomorrow brings, I’ll be there, I’ll be there

Would you choose water over wine… hold the wheel and drive?

Whatever tomorrow brings, I’ll be there
With open arms and open eyes, yeah
Whatever tomorrow brings, I’ll be there, I’ll be there

Snow Patrol : Chasing Cars

En ocasiones, a las personas nos da por apartarnos del mundo, liarnos la manta a la cabeza y olvidarnos de todo menos de nosotros mismos y de quien más queremos. Toda la vida nos empeñamos en socializar, hacer amistades, formar parte de grupos de Wasap o Facebook, montar cenorras o irnos de viaje con más gente. Es una forma de aceptarnos, de que los demás nos acepten y de estar en el mundo.
Pero existen momentos en los que uno desea estar solo, tirarse en el suelo y dejarse ir; contemplar el cielo o la forma de las nubes y compartir esos momentos únicamente con quien más quieres en el mundo. Y ese momento íntimo, ese instante de reseteo, ese intervalo o lapso en el que únicamente oyes tu respiración y sientes a tu lado la de la otra persona; ese momento se convierte en el mayor acto de amor hacia uno mismo y hacia su alter ego.

De todo ello trata esta maravillosa y sugerente canción del grupo norirlandés Snow Patrol, formado inicialmente en Aberdeen bajo el nombre Polar Bear por su cantante y compositor Gary Lightbody junto a sus compatriotas Nathan Connolly (guitarra) y Jonny Quinn (batería) y los escoceses Tom Simpson ( teclados) y Paul Wilson (bajo), conformando un banda de corte alternativo, bastante pop pero con ramalazos potentes e intensos muy cercanos al rock, muy dados a cultivar medios tiempos e in crescendos ( como el que nos ocupa).

Chasing Cars salió publicado el 6 de junio de 2006 como tercer single de su cuarto álbum Eyes Open (2006), su cénit creativo y de ventas, sin lugar a dudas su obra más completa. La producción corrió a cargo de Jacknife Lee bajo el sello Interscope y los créditos los firma el grupo al completo aunque la sombra de Lightbody es demasiado alargada y empequeñece la labor creativa de sus compañeros.
Y es que, como bien explica el lider de Snow Patrol, la expresión que da título al hit ( el cual alcanzó el número 1 en Australia y Estados Unidos y el 2 en UK), proviene de una vez que estando en casa de su padre, le presentó a una chica inaccesible para él y que posteriormente le abandonaría, situacion que su progenitor explicaría comparando al bueno de Gary con un perro persiguiendo un coche el cual está tan lejos de su alcance que si se diera la remota posibilidad de alcanzarlo, no sabría qué hacer.

La fama de Chasing Cars, -independientemente de ser una excelente canción, bien construida, con mucha sensibilidad, destilando un In Crescendo que confluye en un final
apoteósico e intenso-, se la debe en gran parte a su inclusión en la famosa serie de TV Anatomía de Grey, protagonizada por Patrick Dempsey y Ellen Pompeo, hecho que le dio otra dimensión, le valió el número 1 en listas USA y les permitió grabar otro vídeo para la MTV norteamericana.

También cabe decir que el disco en el que se encuadra esta joya, Eyes Open, contiene varias canciones a tener en cuenta como Open Your Eyes o Hands Open.
En cuanto a las versiones son varias las que se han hecho de este tema, los propios Snow Patrol hicieron un acústico que no tiene desperdicio, y otros artistas como Natasha Bedingfield o Ed Sheeran junto al propio Lightbody.

Finalmente os dejamos un par de actuaciones en directo de Snow Patrol interpretando Chasing Cars en el Live V Festival de Chelmsford en 2012 y otra de 2009 en Live At Oxegen

Gran tema, a medio camino entre lo romántico y lo melancólico, que habla de sueños por cumplir, de sentimientos puros de amor sincero, de lo sencillo que es ser feliz… Y lo difícil que nos resulta llegar hasta ese estado.

We’ll do it all
Everything
On our own
We don’t need
Anything
Or anyone
If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?
I don’t quite know
How to say
How I feel

Those three words
Are said too much
They’re not enough
If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?
Forget what we’re told
Before we get too old
Show me a garden
That’s bursting into life
Let’s waste time
Chasing cars
Around our heads

I need your grace
To remind me
To find my own

If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?

Forget what we’re told
Before we get too old
Show me a garden
That’s bursting into life
All that I am
All that I ever was
Is here in your perfect eyes
They’re all I can see

I don’t know where
Confused about how as well
Just know that these things
Will never change for us at all

If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?

Creed: With Arms Wide Open

Corría el mes de septiembre del año 2000 cuando me dirigía por la mañana en mi coche a la oficina. El dial estaba sintonizado en la emisora de Cadena 100, a la sazón mi radio matutina favorita ( cómo han cambiado los tiempos y la radio), puesto que la parrilla era muy amena con Arús y su fauna y luego Abellán y su Jungla. Fue este último el que, de repente,  hizo un receso en el programa y dijo que había escuchado una canción que le ponía los pelos de punta por lo intensa, bien hecha y sobre todo por lo que decía. Empezó a traducir mientras sonaban los compases de With Arms Wide Open, de un grupo que no conocía llamado Creed
Y el tiempo se paró. No recuerdo unos instantes musicales más intensos en la radio que aquellos en los que el speaker número 1 del momento se emocionaba con un tema ( y encima en inglés). Aparqué el coche, paré el motor, me encendí un cigarro y apunté el nombre de semejante joya. A las seis y media de la tarde ya me había comprado el disco.
No fue para menos: que en pleno apogeo Post-grunge, con multitud de bandas chillando y gritando brutalidades y narrando cogorzas memorables, nos salga un cuarteto metalero y se marque una balada de escándalo, con un pedazo de letra, y con una instrumentación exquisita no era el pan nuestro de cada día.
Pero si además nos fijamos en la letra nos daremos cuenta de que el tema trata de un padre que da la bienvenida a su hijo recién nacido, le dice que él le cuidará, le protegerá, que le va a querer con locura y que siga su propia vida sin hacer caso de nada ni de nadie. Realmente inaudito encontrar algo así en la historia del rock, sobre todo dentro del estilo en el que se movían los chicos liderados por Scott Stapp y Mark Tremonti (cantante y guitarrista de Creed), quienes crearon al alimón uno de los más bonitas canciones- en su conjunto- que haya oído jamás, originada por la sorpresa del propio Stapp al enterarse que iba a ser padre, y con más mérito si cabe al conocerse que la escribió del tirón.

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With Arms Wide Open salió publicada el 24 abril de 2000 como tercer single del segundo álbum de la banda de Florida, Human Clay (1999), escrita por Stapp y Tremonti y publicada por el sello Wind-Up con producción de Ron Saint Germain y John Kurzweg. Alcanzó el número 1 en US Hot 100 de Billboard y listas alternativas de Estados Unidos y Canadá, estando a punto incluso de ser premiada con el Grammy a la mejor canción del 2000, aunque se cruzaron por el camino U2 con Beatiful Day, si bien cualitativamente,  en mi opinión no hay color.

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Las líneas de guitarras que dibuja Tremonti, uno de los mejores seis cuerdas de principios de siglo ( que después de abandonar Creed ha seguido haciendo maravillas con Alter Bridge), unido a la capacidad vocal de Stapp y su facilidad de transmitir emociones, y la buenísima producción del tema, que suena compacto, contundente e incomparablemente potente en intensidad, provocaron que With Arms Wide Open se convirtiera en uno de los primeros clásicos rock del siglo XXI.

El tema tiene tres versiones distintas: la del disco; – la original y más popular-, mi favorita; la versión del vídeo , denominada Strings version, con arreglos de cuerda y viento, demasiado pomposa y light en mi opinión ( a la altura del exagerado y apocalíptico clip), muy comercial. Por ultimo la tercera versión, Radio Edit, acústica y en directo, correspondiente a su reedición por la publicación del Grandes Éxitos de la Banda . También os dejamos un par de versiones del tema en directo. Juzguen ustedes.

No me cansaré de repetir que para mí esta canción fue un ejemplo de cómo se puede hacer una buena canción visceralmente, desde las entrañas, sin casi pensarlo, apelando al sentimiento más primigenio. Cierto es que Creed atesoran dos o tres canciones más de muy alto nivel (My Sacrifice, Higher o What If son claro ejemplo de ello), y cierto es que si no se hubieran cruzado los egos de Tremonti y Stapp probablemente hoy seguiríamos hablando de grandes temas de esta banda, que al final se quedó a medio camino de lo que pudo haber sido.

Pero también es cierto que With Arms Wide Open es una obra inmortal que supone un legado a las posteriores genraciones y que, además de lo dicho, supone un orgullo para un padre poder tarareársela a sus hijos recién nacidos. Yo lo hice…

Well I just heard the news today
It seems my life is going to change
I close my eyes, begin to pray
Then tears of joy stream down my face

With arms wide open
Under the sunlight
Welcome to this place
I’ll show you everything
With arms wide open
With arms wide open

Well I don’t know if I’m ready
To be the man I have to be
I’ll take a breath, I’ll take her by my side
We stand in awe, we’ve created life

With arms wide open
Under the sunlight
Welcome to this place
I’ll show you everything
With arms wide open
Now everything has changed
I’ll show you love
I’ll show you everything

With arms wide open
With arms wide open
I’ll show you everything …oh yeah
With arms wide open..wide open

[Guitar Break]

If I had just one wish
Only one demand
I hope he’s not like me
I hope he understands
That he can take this life
And hold it by the hand
And he can greet the world
With arms wide open…

With arms wide open
Under the sunlight
Welcome to this place
I’ll show you everything
With arms wide open
Now everything has changed
I’ll show you love
I’ll show you everything
With arms wide open
With arms wide open

I’ll show you everything..oh yeah
With arms wide open….wide open

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Beatsteaks: Summer

En ocasiones me sucede que encuentro joyas musicales que no busco conscientemente de la manera más fortuita y casual, divagando entre recopilatorios y grandes éxitos, y la verdad es que me resulta realmente gratificante toparme de cuando en cuando con temas como el que nos ocupa.
Y muchas veces, la culpa de que te llegues a encontrar con un sonido la tiene una imagen, una visión agradable o impactante, un gancho en forma de tarjeta de presentación. Me explicaré mejor…
Hace unos tres o cuatro años, navegando por Spotify, tropecé con un recopilatorio de un grupo alemán llamado Beatsteaks del que nunca había oido hablar titulado 23 Singles. La portada presentaba a un chaval de unos diez años con camiseta interior y ademanes de boxeador incipiente en actitud de combate, mordiéndose el labio inferior y con ganas de querer partir la cara a alguien.

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Fue esa imagen la que me hizo sumergirme en el contenido de ese grandes éxitos.
Y zas. Como si hubiese salido el niño del disco y me hubiese conectado un gancho de izquierda a la mandíbula, me encontré con este pedazo de canción, la primera de la lista: Summer. Tema que precisamente fue el primer single oficial de esta banda berlinesa formada en 1997 pero que en 2002, para promocionar su LP Living Targets, editó este arrollador y contundente sencillo, -grabado en unos estudios de Colonia con el sello Epitaph– que evoca en mí tiempos pretéritos de desfase grunge y guitarrero.

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Los culpables: Arnim Teutoburg-Weiss a la voz, Bernd Kurtzke y Peter Baumann a las guitarras,  Torsten Scholz al bajo y Thomas Götz a la batería, Beatsteaks, formación que se fundó con pretensiones punk-hardcore pero que fue paulatinamente introduciendo sonidos más alternativos, herederos del grunge y cercanos en otros casos al ska, muy conectados ideológicamente con sus paisanos Die Toten Hosen o Die Ärzte pero más cercanos en estilo a los americanos Bad Religion, NOFX o Pennywise, uno de los motivos por los cuales (excepto en sus inicios), cantan en inglés.
La fama de Beatsteaks en Alemania es brutal, no así en el resto del mundo, aunque sí que han funcionado bien en circuitos indies, radios alternativas y festivales y conciertos de rock.
En cuanto a su gran canción, pues la verdad es que no contiene unos versos realmente relevantes cualitativamente, aunque sí que refleja- tal y como muestra el videoclip promocional-  el espíritu del grupo a la perfección : Quemar el verano de concierto en concierto, sin mirar atrás, viviendo el presente, disfrutando y haciendo disfrutar con lo que más nos gusta. Esencia puramente grunge, vitalista por antonomasia, noventera por definición. De hecho, puestos a suponer, parece como si  el grupo la hubiera compuesto en 1997 y la hubiera rescatado cinco años después, ya que no solo encaja perfectamente dentro de la filosofía del Memento Mori, (se repite hasta la saciedad el mantra I´m Alive, como ya lo hiciera en su día Pearl Jam) sino también posee un estilo visceral de guitarras sincopadas y estridentes que engancha desde el inicio en un soberbio in crescendo, dejando el protagonismo a líneas de riffs poderosos en altibajos continuos pero siempre con un mismo hilo conductor. Intensidad sonora y vocal (aunque Arnim me parece un pelín justito como vocalista).
Os dejo un par de actuaciones, una del Rock am Ring de 2007 y otra del Live Wuhlheide de Berlín de 2009 , en las que se observa esta energía eléctrica, estas ganas de transmitir, típicas de grupo joven y con miras altas, aunque no sé si por temas de manager o puramente de merchandising, Beatsteaks no han sabido traspasar del todo la frontera mediática y sonora del país teutón.

Queda comentar que he elegido esta canción por pura nostalgia; sé que si Summer hubiera sonado en 1992 este tema sería uno de mis favoritos, y la verdad es que mucho de himno tiene. Cierto que llegó tarde, como en una especie de anacronismo, y además gracias a una poderosa portada de su disco recopilatorio. Pero Summer ha llegado para quedarse entre mis melomanías recurrentes.

We burned the summer down
There’s dust when we’re around
It’s done this afternoon
We came right back from moon
We paint the town red
To see what we will get
Don’t care about the past
Today we’ll make it last
We came around
Breaking up the silence that we’ve found
And I’m alive I’m alive
There ain’t no place to stay
So watch our tailights fade
The way it’s said and done
It leads to where I’m bound
We came around
Breaking up the silence that we’ve found
And I’m alive I’m alive
We burned the summer down
There’s dust when we’re around
It’s done this afternoon
We came right back from moon
We came around
Breaking up the silence that we’ve found
And I’m alive I’m alive…

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Las Uñas Industriales de Trent Reznor


Nine Inch Nails. Banda norteamericana fundada en 1988 en Cleveland, Ohio por el ideólogo, cantante, compositor, productor e instrumentista Trent Reznor, el único miembro oficial del grupo en estudio, aunque en directo han pasado muchos músicos de apoyo por sus filas, quienes ejecutan lo que Reznor idea en el estudio, tales como Alessandro Cortini, Jerome Dilton, Robin Finck o Charlie Clouser.
NIN, en su modo abreviado, representan el máximo exponente de la llamada música industrial (ideológicamente asociada al punk pero más compleja y diversa, con una marcada angustia vital en sus composiciones y en sus actuaciones efectistas y sórdidas en directo), representando fielmente el carácter artístico de Reznor, un gran admirador de Gary Numan y de la banda precursora del movimiento industrial a mitades de los setenta, The Throbbing Gristle, siendo sus coetáneos Ministry, además de beber de fuentes literarias como William S. Burroughs y filosóficas como Friedrich Nietschze.
En 1989 ya empiezan a asombrar al mundo con su primer LP Pretty Hate Machine, también conocido como Halo 02, con singles tan impactantes y transgresores como la famosa Head Like A Hole, Down In It, Terrible Lie o Sin, obras en las que se funden guitarras afiladas con elementos sintetizadores, muy al estilo Kraftwerk aunque mas similar a Rammstein, aunque en este trabajo aún se ven la influencia del Synthpop sobre Reznor.
El EP Broken (1992), compuesto de seis canciones, resulta mucho más explosivo a nivel densidad de guitarras y efectos de percusión, con temas tan diletantes e impactantes como Happiness in Slavery o la increíble Wish.
Es con su segundo disco largo, The Downward Spiral (1994) cuando aniñe Inch Nails alcanzan su culmen creativo con una obra nihilista y conceptual en la que sus máximos exponente son las joyas The March Of The Pigs, Closer o mi favorita Hurt ( de la cual hizo un fabuloso cover Johnny Cash), En este álbum, tanto David Bowie, colaborando con Reznor en varios temas, como el Asesinato de Sharon Tate a manos dl siniestro Charles Manson, forman parte de una temática sórdida y macabra. Ha sido , es y será el mejor trabajo de Nine Inch Nails.
Se tuvo que esperar cinco años para la publicación de su cuarto álbum, The Fragile (1999), donde presentan formato de disco doble y supone un cambio de sonido con muchas capas, ambiente ruidoso y guitarras heavy metal, con temáticas de cosas cayendo, menos agresivo y depresivo que su predecesor, conteniendo temas como The Day The World Went Away, We’re In This Together, Into The Void o Starfuckers Inc.
Tras seis años en el dique seco por continuos abusos con drogas y alcohol, Reznor pública With Teeth (2005), con The Hand That Feeds y Only, al que le sigue Year Zero (2007) y el curioso Ghosts I-IV (2008) un instrumental de 36 temas absolutamente bizarros, y a continuación el mismo año pública The Slip (2008), su último trabajo relevante antes de decirse a experimentar con largometrajes, grabaciones por internet o conciertos en vivo.
NIN, el vehículo de Reznor, un monstruo creativo muy original y precursor de un estilo que le tiene como máximo exponente y al que le debe su relevancia . Larga vida industrial.
You Could Have It All…My Empire of Dirt…I Will Let You Down, I William Make You Hurt…

Annabel y Ricitos de Oro


Goldfrapp. Dúo británico procedente de Londres formado en 1999 por la cantante y frontwoman de la banda, Alison Goldfrapp , junto a su socio Will Gregory, famosos por practicar un pop que ha ido transitando desde unos inicios de electrónica experimental con melodías eléctricas con cierta dosis glamour en cuanto a imagen y ritmo sin copado se refiere dirigiendo paulatinamente sus pasos hacia un estilo más sosegado, más poético y melancólico, incluso de banda sonora, épico, alternando estas dos variables a lo largo de toda su carrera hasta su último álbum.
Su disco de debut, Felt Mountain (2000), está impregnado de una estética de postguerra, de cabaret, mezcla de romance y misterio con el que juega la increíble voz de la rubia Alison, en temazos como Lovely Head, Human, Pilots o la fantástica Utopia.
Con su segundo álbum, Black Cherry (2003), los británicos son elogiados por la crítica por su mezcla de aires retro y electro pop vanguardista, con relevancia para el glam rock y el synth pop a partes iguales en temas como su hit Strict Machine, Train, Twist o Black Cherry.
Supernature (2005), continúa en la línea de su predecesor aunque es más previsible, ya que se explota la misma fórmula de éxito con una d sus canciones más famosas, Ooh La La y un videoclip espectacular, además de Number 1, inspirada en Donna Summer y otras como Ride a White Horse o Fly Me Away.
En Seventh Tree (2008) le dan más relevancia al surrealismo, inspirándome en los aterciopelados cuentos para niños británicos pero con una estética y ambientes más inquietantes, más lados del brillo glam del anterior trabajo. A & E, Happiness, Caravana Girl y Clowns así lo atestiguan.
Su quinto LP, Head First (2010), mezclan las dos tendencias naturales de la banda, el glamour del suntuoso pop con el lirismo dramático, destacando la sublime Rocket por encima de todo lo demás. En 2012 el dúo pública The Singles como un grandes éxitos que tenía que llegar sí o si.
Así llegamos a su en mi opinión obra maestra, su sexto y hasta la fecha último disco, Tales of Us (2013), donde se refleja todo lo que ha sido la banda a través de los años en melodías de puro lirismo como este Annnabel o Drew, Jo o Alvar, virando hacia un sonido más ambiental e intimista, ayudados por los excelentes videoclips de la pareja de Alison, Lisa Gunning, donde se plasma toda la delicadeza mística y minimalista de la banda.
Me quedé boquiabierto al ver como una banda que no me interesaba mucho estilísticamente con su electroglam de sus inicios, era capaz de desarrollar una sensibilidad escénica cercana a las canciones de Shirley Bassey para James Bond o darle un cariz si cabe barroco a su sonido.
Muy interesante propuesta la de estos dos genios británicos, el arreglista y polifacetico Gregory y la carismática Alison ( que se empeñó en poner su apellido a la banda y así fue)m con una voz delicada pero estridente a la vez y un sentido de la sensibilidad fuera de lo común.
When You Dream You Only Dream Your Annabel…!

Herramienta Industrial Progresiva


Tool. Banda norteamericana afincada en Los Ángeles, formada en 1990 por Maynard James Keenan como vocalista, compositor e ideólogo, Danny Carey a la batería, Justin Chancellor al bajo ( sustituyendo a Paul D’Amour en 1995) y Adam Jones a la guitarra, que pasa por ser una de las más originales, extraordinarias y talentosas formaciones del fin de siglo XX y principios del XXI.
Maynard y los suyos comenzaron practicando un metal progresivo bastante más áspero que el que practican en sus últimos trabajos, en un momento donde imperaban el thrash metal y el rock alternativo, fruto de ello nace su EP Opiate (1992), el cual tuvo un gran éxito de crítica y que comenzó a generar un interés por Tool entre fans a nivel de culto que no les abandonaría en toda su carrera.
El gran secreto de esta banda, de su éxito y de su calidad reside en su originalidad a la hora de presentar su música, no ya en el estilo único y bizarro de Maynerd cantando y actuando con ese look a mitad caminó entre Bob Marley y un Iroqués, sino además porque su sección rítmica utiliza acordes y ritmos poco comunes en el rock, cambia de cadencia constantemente, provocando una continua sorpresa y expectación al no saber hacia dónde derivará la composición, con compases excéntricos acompañados de la extraordinaria habilidad vocalista de Maynard que confieren un sonido único que combina varias influencias y técnicas en una sola.
Los temas de las canciones también son rara avis dentro del mundo del rock, tratando cuestiones psicológicas, éticas e incluso metafísicas en las mismas.
Ya desde su primer trabajo largo, Undertow (1993), pasando por Ænima (1996), su grandísimo Lateralus (2001) y 10.000 Days (2006),- en el que Maynard escoge como tema principal u conceptual la enfermedad cardiovascular de su madre-, Tool han ido ganándose poco a poco una reputación de trabajos bien acabados, bien diseñados en portada y soportados por unas giras excelentes, con efectos visuales, hologramas y diversos objetos curiosos.
Ahora repasaremos sus des mejores canciones de peor a mejor en orden descendente: Pushit, Third Eye, Wings For Marie/10.00 Days, Vicarious, Sober, Parabola, Schism, Forty Six & 2, AEnema y Laterallus.
Tool, grandiosa y original banda que nunca se conformó con ser un grupo conocido ni transgresor: en toda su trayectoria, Maynard James Keenan, así como en sus proyectos posteriores como A Perfect Circle o Puscifer, quiso impregnar su música de su carácter ecléctico, multiinfluencial y barroco que nos han otorgado el placer de disfrutar de una de las mejores experiencias sonoro-culturales del cambio de siglo.
Spiral Out! Keep Going…!

Los Mejores Fans de John Boy


Love of Lesbian. Grupo catalán procedente de Sant Vicenç dels Horts (Barcelona), formado en 1997 por el compositor, ideólogo y cantante Santi Balmes, Jordi Roig a la guitarra y teclados, Joan Ramón Planell al bajo y sintetizador, Oriol Bonet a la batería y programación, incorporándose para reforzar el quinteto más adelante Julián Saldarriaga a la guitarra y coros y Dani Ferrer a los teclados en directo. Se trata de una banda absolutamente sui generis, original, con el carácter y personalidad que le otorga su frontman Santi Balmes, un gigante del Indie en nuestro país, y que desgranan melodías pop pasadas por la batidora alternativa y con letras narrativas que cuentan historias completas, a veces descarnadas, a veces de desencanto, con juegos de palabras constantes y la ironía planeando en todos los rincones.
Musicalmente le deben bastante a The Cure pero también a DeLorean o a The Flaming Lips ( incluso se disfrazan en concierto), con un sonido elaborado, agradable y embaucador. Sus primeros pasos en el mundillo los dieron cantando en inglés, publicando su primer álbum en 1999 bajo el título Microscopic Movies con canciones como Freakie Goes To Hollywood.
Su siguiente trabajo, Is It Fiction? ( 2002) cuenta con temas como Wasted Days, y Ungravity (2003) supone su último álbum en inglés, fichando por la discográfica Naïve y editando su cuarto álbum y primero en castellano bajo el título Maniobras de Escapismo (2005), el cual supone un éxito de crítica y público con temazos como Domingo Astromántico y Houston, Tenemos Un Poema.
Cuentos Chinos Para Niños del Japón (2007), con las maravillosas Universos Infinitos, La Niña Imantada o Noches Reversibles, supone la antesala perfecta para su mayor éxito en disco, el fabuloso 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna) (2009), donde se encuentran auténticas joyas del indie español como este icónico y biográfico Club de Fans de John Boy ( que es un anagrama de Love of Lesbian, puesto que Boy es Amor en ucraniano y John es como le llaman a las lesbianas en Rusia), la preciosa Allí Donde Solíamos Gritar, más otras delicias sonoras como Cuestiones de Familia, Segundo Asalto o Te Hiero Mucho.
La Noche Eterna (2012), con Oniria e Insomnia, Pizzigatos o Los Días No Vividos, supone una continuidad dentro de la excelencia cualitativa en la que se vieron inmersos, rematado en 2014 con un EP llamado Nouvelle Cuisine Caníbal donde se incluyen tres temas entre los que destaca Manifiesto Delirista o Mal Español.
Con este bagaje tan impresionante, raro es el concierto en el que Balmes y los suyos no arrasan con su peculiar sonido, arrastrando una legión de incondicionales fans que tararean sus mejores temas de memoria y que ven como estos catalanes que cantan en castellano están haciendo historia en el panorama musical nacional a base de originalidad, buen gusto y canciones perfectas.
Y Ahora Ya Soy, Otro Fan de John Boy…!

Ellos Lo Tienen


Yo La Tengo. Grupo norteamericano formado en 1984 en Hoboken, Nueva Jersey, por el matrimonio formado por Ira Kaplan (voz principal, guitarra, teclado) , su esposa Georgia Hubley (batería, percusión, coros, guitarra y caja de ritmos) y James McNew ( bajo, coros y guitarra), que pasa por ser uno de los máximos referentes de la historia de la música independiente o alternativa en sus inicios.
Se trata de una banda con una personalidad increíble, donde habitan influencias claramente clásicas como The Velvet Underground, pero también reminiscencias de otros estilos como la Bossanova, el jazz, el blues, el soul, experimentando con el pop, incluso haciendo escarceos con el noise, tan en boga en su país en los noventa.
El caracter de esta banda emana hasta de su nombre, tomado de una anécdota de Beisbol, por la cual un jugador americano le reclamaba a otro latino no angloparlante una bola al grito de I Got It!!, y como no le entendía, aprendió la expresión Yo La Tengo!, tras lo cual el latino se apartó, pero apareció otro yanqui echando a perder toda la jugada y preguntando: ¿qué significa Yellow Tango?.
En cuanto a su discografía, tenemos discos imprescindibles como Extra Painful (1993), con cosas interesantes como Big Day Coming; Electr-O-Pura (1995), conteniendo su mejor canción en mi opinión, Tom Courtenay ( en su versión acústica) o el majestuoso I Can Hear The Heart Beating As One (1997), en mi opinión su mejor álbum, con temas como Autumn Sweater, la gran Sugarcube (aunque el video la supera), Stockholm Syndrome o Moby Octopad entre otras. Originalidad, sensibilidad y calidad a raudales.
Su disco más exitoso aparte de los mencionados es sin duda Summer Sun (2003), con una aureola ya mística entre sus colegas Indies que les libera de presiones creativas y les permite realizar un disco redondo con temazos tan bestialmente dulces como Today Is The Day, uno de sus títulos más coreados, con tintes surferos, o Georgia vs. Yo La Tengo.
Aparte de su fluidez creadora, cabe destacar su faceta versioneadora, siendo verdaderos expertos en covers, entre las que se encuentran, (reunidas en dos discos, The Covers Project y Yo La Tengo Is Murdering The Classics ) temas como 1919 de John Cale, Raw Power de The Stooges, Baby’s On Fire de Brian Eno, Mama Told Me Not To Come de Randy Newman o 20tn Century Boy de T-Rex, siempre pasadas por su túrmix estilístico particular.
Yo La Tengo supone una ráfaga de originalidad y tradición a partes iguales, manteniendo un estilo clásico en cuanto a sonido pero rompiendo moldes en cuanto a estructuras y a interpretación de la música, diríamos que pertenecen a una especie de sueño pop con alma punk.
An I’m Thinking About The Needle…!