Los Recuerdos de Chad


Nickelback. Banda canadiense afincada en Vancouver formada en 1995 por Chad Kroeger (cantante y guitarrista rítmico), su hermano Mike Kroeger (bajista), Ryan Peake (guitarra principal y coros) y Brandon Kroeger , -sustituido a la batería por Daniel Adair-, caracterizada por ser una de las formaciones más exitosas del cambio de siglo, gracias a un estilo muy fresco pero con guiños comerciales, situándose en un peligroso equilibrio entre el hard rock, el grunge, el metal alternativo, incluso el country rock, gracias a guitarras densas acompañadas por la versátil voz de Chad Kroeger, melódica y áspera a partes iguales, lo cual les ha granjeado una incondicional legión de fans de toda condición musical y edad, y que les ha permitido ser uno de los grupos más importantes de la actualidad ( aunque su aportación real a la música no haya sido objetivamente todo lo importante que cupiera esperar).
Nickelback (nombre tomado del antiguo trabajo de Mike en una tienda, en el que devolvía -back- el cambio o moneda, nickel), publicaron su primer LP bajo el título de Curb (1996), recordando un accidente de Chad, en el que nos encontramos cosas como Pusher o Just Four. Su siguiente Lp, The State (1999), va cogiendo forma y estilo propios con buenas canciones tales como Breathe o Leader of Men, preparando el terreno para su cenit, el celebérrimo Silver Side Up (2001), muy bien construido, alternando medios tiempos- su especialidad-, con baladas y canciones mas trepidantes, como su mítica How You Remind Me?, Never Again, Too Bad, Hollywood, o el tema principal de la BSO de Spiderman, Hero, que Chad canta a dúo con Josey Scott de Saliva, y es uno de los himnos metaleros del siglo.
Sus posteriores discos ya no superan en mi opinión el nivel del mencionado, aunque podemos destacar momentos brillantes en All The Right Reasons (2005), como Photograph, Animals o Rockstar, con un vídeo genial, junto a las versiones del We Will Rock You de Queen y Saturday Night´s Alright For Fighting de Elton John. Mención aparte debe recibir su colaboración con Santana en Why Don´t You And I ?.
El resto se hace un poco repetitivo, una cadencia cansina y pesada que a pequeñas dosis resulta genial y original, pero que en un disco entero suena a manido.
No obstante, a Kroeger y los suyos se les debe ser, por un lado, la banda canadiense junto a The Band que mas discos ha vendido en la historia, incluso superando a Rush; y por otro tiene el honor de ser junto a Creed una de las bandas que relanzaron a principios de los 2000 el metal melódico y mainstream, situándolo en altas cotas de popularidad.
Para concluir, decir que el recién estrenado marido de Avril Lavigne es un grandísimo frontman, aunque con malas pulgas a veces, y que su estilo indeleble les ha valido la fama de banda repetitiva pero muy fiable y con muy buena calidad musical en todos sus miembros.
This is How You Remind Me…!

Nudos Corredizos y Máscaras Siniestras


Slipknot. Banda norteamericana procedente de Des Moines, Idaho, formada en 1995, tras muchos cambios iniciales por Chris Fehn (percusiones y coros), Corey Taylor (voz), Mick Thomson (guitarra), Jim Root (guitarra principal),Craig Jones (teclados y sintetizadores), Sid Wilson ( mezclas y Dj), Shawn Crahan ( percusiones y coros), Paul Gray (bajista) y el mejor batería de la actualidad Joey Jordison, un terrorífico combo de nueve miembros que practica un estilo muy cercano al Nu Metal, Metal Alternativo y en sus orígenes Rap Metal, con multitud de percusiones, samples, densidad sonora máxima, estilo vocal rasgado a lo doom metal ( que se suaviza en los estribillos y que ha ido dulcificándose disco a disco), y sobre todo una imagen sobrecogedoramente siniestra con terribles e inquietantes máscaras que sus miembros van modificando disco a disco y que están indefectiblemente basadas en películas de terror como La matanza de Texas, Viernes 13, la saga Saw, y sus personajes siniestros de comics basados en payasos, polichinelas y monstruos varios que supone una característica indeleble a la hora de reconocerlos y su sello de identidad más palpable.
Porque aunque su música es destacable y posiblemente sea uno de los mejores grupos actuales de rock alternativo, Slipknot ha sabido jugar muy bien con el factor imagen, siendo algo espectacular lo de sus conciertos con aquellos enmascarados habiendo de las suyas, bailando, gritando y saltando a lo bestia en una orgía de terrorífico onirismo.
En cuanto a su discografía, debutan con su homónimo Slipknot (1999) y temazos como este Wait and Bleed o Spit It Out, auténticas descargas de adrenalina. Su segundo álbum, Iowa (2001), es en mi opinión el mejor y también el más duro sonoramente, con trallazos como Left Behind o My Plague. Después vendría Vol.3 (The Subliminal Verses) (2004), más orientado hacia el heavy metal , vino después duela reunión del anterior grupo de Corey Hart, Stone Sour, en la que participaron varios miembros de Slipknot, y con la producción de Rick Rubin, ofrecieron un producto elegante, experimental y con temática social, con clasicazos como Before I Forget, Duality, Vermillion o The Blister Exists.
All Hope Is Gone (2008),con su canción homónima, Dead Memories, Snuff y sobre todo Psychosocial, supone un escarceo con las power ballads, aunque oscuro y siniestro , en su línea con más madurez y profundidad en estilo y composiciones.
Su último álbum hasta la fecha, tras el recopilatorio Antennas To Hell (2012), se hizo esperar hasta 2014, cuando salió a la luz bajo el título .5: The Gray Chapter, en el que se incluyen temas como The Negative One, Custer o The Devil in I y en el que renuevan sus atuendos y máscaras como una operación encubierta más de marketing que les hace ganar cada vez más adeptos.
En definitiva, banda ya mítica del nu metal del cambio de siglo, con originales temas heredados de Slayer y otros grandes como Metallica ( a los que han teloneado en su gira mundial) y músicos de la talla de Joey Jordison , uno de los mejores baterías actuales que ha colaborado con muchísima gente, o el gran líder Corey Hart, todo personalidad y pundonor. Banda siniestra en sus formas, profunda en su esencia y cruelmente explosiva en su sonido.
I Wander Out Where You Can’t See, Inside My Shell, I Wait And Bleed.

Viva el Power Mexicano!


Molotov. Banda mexicana formada en 1995 en México D.F. por Miky Huidobro, Ismael ” Tito” Fuentes, el americano Randy Elbright y Paco Ayala, caracterizada por desarrollar un estilo muy atípico para una banda hispanoamericana como es el Rap Rock, también denominado Rapcore, con un poso de protesta y rebeldía ante lo establecido, todo en un tono jocoso, irónico, irreverente, mordaz, contra los poderes establecidos, el clero, la mafia, los narcos, el gobierno, los yanquis y en definitiva todo hijo de vecino, habiendo cosechado un gran éxito en todos los países de habla hispana durante los años noventa, lo que les valieron multitud de premios, reconocimientos y una cantidad ingente de discos vendidos, y todo ello por liderar el llamado movimiento del Power Mexicano, consistente en exaltar las virtudes de su país y condenar sus defectos.
En 1997 publican su primer y más famoso álbum, ¿Dónde Jugarán las Niñas? (Parodiando un título de un LP de Maná), producido por Gustavo Santaolalla y Aníbal Kerpel, quienes, habiéndolos visto en el circuito de clubes de México D.F., convencieron a Universal para que los fichara con un resultado excelente. De este disco provienen sus hits más famosos: la irreverente Puto, Voto Latino, Chinga Tu Madre, Que No Te Haga Bobo Jacobo o Use it Or Lose It.
Fruto de ello fueron nominados al Grammy latino y mencionados por Rolling Stone como una de las bandas latinas más prometedoras del momento. No obstante, su siguiente álbum, Apocalypshit (1998) bajaría muchísimo el listón, aunque el sonido se endurece hacia un estilo más cercano al heavy metal con toques rap como la homónimaque sale en la serie Breaking Bad-,  Polkas Palabras o Parásito.
Dance and Dense Denso ( 2003) supone su vuelta tras cinco años y recuperan cierto prestigio con temas como Frijolero o Hit Me (Gimme Tha Power 2). Su siguiente LP, Con Todo Respeto, se centra en versión ese temas de artistas admirados por ellos como The Clash, The Misfits o Trío, todo en un tono jocoso e hilarante.
Eternamiente (2007), Desde Rusia con Amor (2012) y Agua Maldita (2014) son sus tres últimos trabajos que pasarán sin pena ni gloria.
Lo que está claro es que Molotov pasa por ser uno de los más originales grupos mexicanos de los noventa y de principios del siglo XXI, con conciencia, desparpajo, juegos continuos de palabras y un sonido muy característico. El auténtico Power Mexicano.
Viva México Cabrones…!

Un Garaje de Börlange


Mando Diao. Grupo sueco procedente de Börlange formado en 1995 como Butler por los cantantes Gustaf Norén y Björn Dixgård junto a Carl-Johan Fogelklou y Mats Björke, comenzando su andadura con un estilo delicado pero mórbido y con constantes cambios en la formación, hasta que un día Dixgård topó con Norén en un garaje de un amigo y le persuadió para que se uniera al grupo, al que cambiaron el nombre a Mando Diao ( debido a un sueño de Dixgárd) y comenzaron a desplegar un rock cercano al garaje de los sesenta, con tintes románticos pero también con mucho ritmo y despliegue sonoro potente, relevándose en las voces Norén y Dixgård según sea la canción más animada o lenta.
Su primer álbum, Bring’Em In (2002) fue un rotundo éxito de crítica y ventas, con repercusión inmediata en el Reino Unido gracias a sus singles iniciales Motown Blood ( muy retro y con tintes afros) y la fantástica Sheepdog, su gran éxito y un homenaje al sonido Beat de los sesenta , así como otros grandes temas como la balada Mr. Moon a cargo de Dixgård, la enorme Paralyzed, que llegó lejos en listas, The Band como homenaje a la banda homónima, Sweet Ride y To China With Love. En Japón tuvo un éxito sin precedentes.
Sus siguientes discos bajan drásticamente el nivel de este espectacular álbum, en parte debido a los rifirrafes entre los dos líderes, Hurricane Bar (2005), en el que destaca su single God Knows (Banda sonora del FIFA 2006) y Ode To Ochrasy (2006), álbum conceptual con 14 temas referidos cada uno de ellos a un personaje, del que destaca Long Before Rock and Roll.
Sus siguientes álbumes han ido decayendo en calidad pero les han reportado ingresos suficientes como para seguir dando conciertos por todo el mundo y agrandando su fama, especialmente en los festivales como Benicassim, Rock Am Ring o Reading.
También ha sido famoso su apoyo a la banda The Bravery a quien les ofrecieron ser sus teloneros en 2005.
Sea como fuere, Mando Diao resulta una banda muy interesante, con un toque de calidad innegable, originalidad pero sin renunciar a influencias sesenteras y setenteras, aparte de ser una banda con componentes físicamente agraciados como Norén, que han arrastrado multitud de groupies allá donde han ido. Mando Diao, el nombre del garaje sueco.
Don’t Let Them Closer To His Secret… That I May Love You…!

Maldad Policial


Interpol. Banda neoyorquina formada en 1998 por el cantante Paul Banks, Daniel Kessler, Greg Dudy ( sustituido por Sam Fogarino en 2000) y Carlos Dengler, caracterizada por desplegar un rock oscuro pero elegante, muy en sintonía con las bandas de pop rock de los ochenta, tipo R.E.M., aunque mucho tienen también de Joy Division, -siendo al principio el parecido casi irritante-, o los alemanes Bauhaus, cercanos pues al post punk o new wave, aunque otra vertiente de sus influencias los acerca a los grupos alternativos americanos como The Pixies, Sonic Youth o Dinosaur Jr. Es en 2000 cuando realmente comienza la andadura musical de esta banda con el Ep Interpol, aunque con su cambio de sello a Matador Records vuelven a editar otro álbum de  corta duración,  The Black EP, antesala de su primer y  brillantísimo LP Turn On The Bright Lights, muy ligado al estilo Joy Division y The Chameleons. Su segundo álbum, Antics (2004), esta lleno de talento, de buen hacer, con un voto estilístico hacia algo más personal pasado por el filtro de las influencias alternativas americanas, quizás algo oscuro pero con brillantísimos momentos como este Evil, por ejemplo.
Con su tercer trabajo, Our Love To Admire (2007), Interpol ficha con Capitol Records, notándose esto en su cuidadísima producción, texturas, matices, teclados, menos contundente pero muy elegante. Tras su directo en el Astoria de 2007, del cual grabaron la evidencia sonora, los neoyorquinos lanzan su cuarto álbum, el homónimo Interpol (2010), oscuro pero más sofisticado que los demás, antesala de su última y gran obra El Pintor (2014) para mí un cambio de rumbo muy interesante, además de ser su título un anagrama de Interpol, y resulta una obra digna de una banda como la copa de un pino.
Para rematar escogeremos sus mejores diez canciones de peor a mejor en orden descendente: Obstacle 1, The Heinrich Maneuver, NYC, Slowhands, Barricade, PDA, Rest My Chemistry, Lights, All The Rage Back Home y la fabulosa y poderosa Evil.
En definitiva, gran banda, original y que aporta muchos matices dentro del panorama actual, que no se cansa de ofrecer detalles innovadores dentro de su clasicismo alternativo y post punk, añadiendo nuevos matices sonoros acordes a los nuevos tiempos.
It Took a Lifespan, With No Cellmate, The Long Way Back…Saying Hey Why Can’t We Look The Other Way…!

Los Abanderados del Punk Canadiense


Billy Talent. Banda canadiense formada en Toronto en 1993 por el vocalista Benjamin Kowalewicz, el guitarrista y voz de acompañamiento Ian D’Sa, el bajista y tercera voz Jonathan Gallant y el batería Aaron Solowoniuk, en un principio denominados Pezz ( bajo cuyo nombre grabaron dos EPs y un LP entre 1993 y 1998 con un estilo mezcla de ska y punk, pero que acabaron cambiando por temas legales de coincidencia con otra banda), y que, a partir de 2002 pasarían a su denominación actual, extraído de un personaje de la novela Hard Core Logo de Michael Turner, practicando un punk rock muy atractivo, bebiendo de fuentes de influencia como Fugazi, Jane’s Addiction o Refused, con detalles de Ska, lo que le valió engrosar con su álbum homónimo de debut la lista de los 500 mejores álbumes de punk rock y metal segun la revista Rock Hard– concretamente en el puesto 453-. De este trabajo saldrían temazos como Nothing To Lose, This Is How It Goes, Line & Sinker o River Below. Contundentes y resultonas todas ellas.
Su segundo disco, Billy Talent II (2006), supone una continuidad estilística con respecto al anterior aunque las letras son más agresivas y emotivas y las líneas de guitarras más duras y contundentes. Este segundo trabajo nos dejó su himno y canción más famosa, Red Flag, juntó a otras como la excelente Fallen Leaves, Devil In A Midnight Mass, Surrender o This Suffering. Todo ello le ayudó a alcanzar el número 1 en listas canadienses y alemanas.
Con su tercer disco, Billy Talent III (2009), sigue en la línea ascendente y es un muy buen álbum en su conjunto, aunque quizás sus canciones carezcan de la pegada del anterior. Ejemplos como Turn Your Back, Rusted From The Rain, Devil On My Shoulder, Saint Veronika o Diamond on a Landmine ilustran lo dicho.
Su último álbum hasta la fecha, Dead Silence (2012), supone un cambio de estilo respecto al anterior y un paso más en su exitosa carrera, con cortes tan interesantes como Viking Dead March, Surprise Surprise, Stand Up And Run, Show Me The Way y Runnin’ Across The Tracks.
En definitiva, grupo muy atractivo, con un punk coral de ayudas vocales, con cambios de ritmo de tranquilo a ruidoso y potentes in crescendos muy en la línea Green Day, todo ello soportado por la inconfundible voz de Kowalewicz y los riffs salvajes de D’Sa. Billy Talent, el talento de los abanderados del punk canadiense.
Cast Off The Crutch That Kills The Pain…The Red Flag Waving Never Meant The Same…!

El Beneficio de la Duda


El Color de la Duda. Banda de Pamplona creada en 2000 por el frontman, guitarrista, cantautor y productor discográfico Felipe Carvajal, “Gussy”, Jokin Pallarès a la guitarra principal, Ricardo Ros “Ritxar” al bajo y Pedro Henares, “Pepo” a la batería, caracterizados por practicar un pop rock con mucho carácter, muy al estilo americana, con el timbre especial y personal de Gussy, a medio camino entre Javier Ojeda de Danza Invisible y con una dicción poderosa y atractiva al estilo Bunbury, unido a sus tres compañeros, implicados vocalmente, imprimiendo estilo y ganas sobre todo en directo, lo que les ha valido para vencer en varios certámenes pop rock de la comunidad foral, uno de los cuales les valió para grabar su primer LP en 2001 ( el otro fue la promesa de un viaje a Cancún y la grabación de un disco en México que nunca llegó a ser cumplida por los promotores y les embarcó en una demanda judicial).
Tras Mira y Verás, su primer álbum autoproducido ,- que aunque modesto en ventas imprimió un sello reconocible en la banda y les dio a conocer a nivel local-, vendría A Mi manera (2002), que aparté de buenas canciones, se dio muy bien en directo, con actuaciones memorables de hasta 500 personas en las sala pamplonesa Reverendos.
Suerte (2003) y Déjame Entrar (2004) continuaron con el estilo y la sensibilidad rockero muy a lo Burning del grupo, concluyendo su periplo como banda con Perdiendo el Norte, un alegato sureño que se vería prolongado en los posteriores trabajos en solitario de Gussy con su banda Barracus, junto a Lucas Irisarri de El señor Ramón, de los cuales hemos hablado ya en este blog.
A pesar de no haber tenido mucha repercusión nacional, El Color de la Duda son toda una referencia en el panorama Pop Rock foral y sobre todo han sabido hacerse amigos y colaborar con gente como Kutxi Romero de Marea, quien canta en este tema, el Club, o Carlos Chaouen, entre otros y temas muy interesantes como Ausencia, Campeón del Mundo, En Mi Mente, Tengo Celos del Viento o El Cielo del Rock, son argumentos suficientes para decir que estamos ante una banda que encontró su lugar en el panorama pop rock local, y que obtuvo su merecido reconocimiento por parte de la gente que les iba a ver y de los jurados de los certámenes en los que se impusieron, pero les faltó quizás un empujón para salir a nivel nacional. A todos ellos, especialmente a Gussy ( a quien tengo el gusto de conocer personalmente y que se ha enrolado en varios proyectos, como el Sello discos El Gringo) les deseo mucha suerte en su andadura en solitario y que ojalá algún día vuelvan a deleitarnos con esos retales de rock and roll que siempre permanecerán en nuestro recuerdo.
Bienvenido…Al Club de los amores no correspondidos…!

En El Garaje de BRMC


Black Rebel Motorcycle Club. Banda norteamericana afincada en Los Ángeles pero oriunda de San Francisco formada en 1998 por Peter Hayes y Robert Been ( que comenzó su carrera con el pseudónimo Robert Turner para evitar ser asociado con su padre Michael Been, líder de The Call), turnándose ambos a la guitarra, bajo y voz, acompañados de la batería Leah Shapiro ( quien a partir de 2008 sustituyó a Nick Jago), caracterizados por desplegar, sobre todo en sus dos primeros discos, B.R.M.C. (2001) y Take Them On, On Your Own (2003), un fantástico estilo punk rock salpicado de garaje con similitudes con The Stooges, The Ramones, The Doors o bandas ochenteras como Spacemen 3, aunque también desarrollan ritmos más pausados y densos que se presentan como herederos directos del shoegazing y la neopsicodelia británica como My Bloody Valentine, Ride o muy en particular The Jesus and Mary Chain.
A partir de su tercer álbum, Howl (2005),  su estilo da un giro ligeramente retro hacia atmósferas más folk, rock, blues, incluso gospel, sin perder en absoluto su esencia garajero y su look de macarras cincuenteros, no en vano su nombre está tomado de la banda de moteros que acompañaban a Marlon Brando en el film Salvaje ( The Wild One, 1953), sustituyendo a su primigenio nombre, The Elements- el cual se cambiaron por haber otra banda ya registrada con el mismo-. En cuanto a inspiración seco positivas, BRMC beben de la generación Beat de la mano de autores como Allen Ginsberg ( a quien deben el título Howl de su álbum homónimo). Aunque sobre todo Black Rebel Motorcycle Club han adquirido sin duda notoriedad por abanderar la llamada New Rock Revolution de principios de siglo junto a otros ilustres grupos coetáneos como Kings of Leon, The White Stripes o The Strokes, aunque últimamente se han ido desmarcando de dicho movimiento para enarbolar la bandera de la protesta social en canciones de rebeldía y oposición a la administración Bush. Ahora pasaremos a mencionar sus mejores canciones en nuestra opinión de peor a mejor en orden descendente: Ain’t No Easy Way, We’re All in Love, Let The Day Begin, Love Burns, Beat The Devil’s Tattoo, Red Eyes and Tears, Weight Of The World, As Sure As The Sun, la maravillosamente trepidante Whatever Happened To My Rock And Roll y la cadenciosa y envolventemente garajera Spread Your Love, símbolo de la elegancia rebelde de unos modernos que han hecho del garaje su hábitat natural, envolviéndose de una aureola de culto pero a su vez funcionando bastante bien en ventas, con ganas de hacer historia pero sin ganas de venderse bajo ningún concepto.
Spread Your Love Like A Fever…And Don’t You Ever Come Down…!

Elefantes de Color Azul


Elefantes. Grupo barcelonés formado en 1994 por Juan Manuel Álvarez Puig, alias Shuarma ( voz y letras), Hugo Toscano a la guitarra, Jordi Ramiro a la batería y Julio Cascán al bajo, caracterizados por practicar un estilo muy personal , con un pop rock elegante, tendente a los estilos del new wave de los ochenta de grupos como Talking Heads o artistas como Bowie y también detalles del emergente brit pop que se fraguaba en el Reino Unido, unido a un sello nacional que dejaba ribetes de rumba y guitarra española , todo ello pulido con la personal y atimbrada voz de Shuarma.
Tras varias maquetas y multitud de bolos en salas barcelonesas, Elefantes publican su primer álbum, El Hombre Pez (1998), metáfora de mundo interior de cada uno ( planea la sombra de Bunbury, no tanto en lo estilístico pero sí en lo metafísico de sus composiciones), con temas como Más que Tú a Yo, Te Querré y Tú Me Perdonarás, No Quieras Más o Y Sin Respirar, todas las cuales tuvieron bastante buena aceptación y prepararon el camino para su gran éxito.
Porque su segundo álbum, Azul (2000), está considerado como uno de los mejores discos jamás grabados en castellano, producido y apadrinado inevitablemente por Enrique Bunbury, quienes les consiguió contrato discográfico con EMI y les apoyó para una campaña de un banco con el tema El cielo Se Va. Con ello, en agosto de 2000 alcanzan el número 1 con Azul, muy pop, romántico, con flecos incluso italianos, pero con el poso Héroes, con regusto New Wave, con muchísimo estilo. Del resto de canciones eclipsadas por esta obra de arte destacaremos Piedad, Se Me va o Me Gustaría Poder Hacerte Feliz.
Su tercer trabajo, La Forma de Mover Tus Manos (2003) les aúpa al Olimpo Mainstream, con una pedazo de canción como Que Yo No Lo Sabía, pegadiza y rumbera pero a la vez elegante y profunda, de la cual hicieron una versión a dúo con el gigante Antonio Vega. Otras joyas de este mi disco favorito suyo son la homónima, Por Verte Pasar o La Niña Morena.
Su último disco antes del receso, Somos Nubes Blancas (2005) denota cierto hastío y ganas por hacer cada uno su guerra musical, como así fue, dedicándose as su proyectos no sin antes publicar un directo, Gracias (2007) a modo de Hasta luego.
2014 es el año de su rentrée musical con El Rinoceronte, flamante nuevo álbum que si bien denota el paso de los años, destila calidad como antaño, -más sofisticada si cabe-, acorde a los tiempos que corren pero con brillanteces como Equilibrios, El Rinoceronte o En Cajas, muy del estilo Triana.
En definitiva, el barritar de estos Elefantes catalanes sigue sonando en la sabana musical actual tan intrincada y olvidadiza, aunque cogiéndoles prestada la memoria a los paquidermos hemos de decir que siempre recordaremos su inmensa calidad y las sensaciones de ese pop rock deliciosamente oscuro con el que nos deleitaron. Hace poco estuvieron por aquí, pero me enteré demasiado tarde… La próxima vez no habrá Piedad, moveré las manos y me vestiré de Azul.
Mi Silencio Azul…Tu Inocencia Azul…Nuestro Abrazo Azul…Y Tú Miraste Hacia Otro Lugar…!

El Grunge Que Vino de Australia


Silverchair. Trío australiano formado en 1992 como The Innocent Criminals en las afueras de Newcastle, por los adolescentes- entonces contaban con trece años-, Daniel Johns ( voz, guitarra y letras), Chris Joannou ( bajo) y Ben Gillies ( batería) que pasaron por ser los abanderados del grunge en Australia, yendo paulatinamente y a lo largo de los años evolucionando hacia un estilo más maduro, un poco más mainstream y desembocando en un Art Rock muy interesante.
Lo cierto es que la precocidad de Johns y los suyos les hizo en un primer momento y bajo el nombre de The Innocent Criminals, decantarse por un estilo muy directo basado pura y duramente en el sonido que más pegaba en el momento, el Grunge de principios de los noventa,: no hay más que ver el look de su aniñado frontman en su exitoso Clip de Tomorrow ( primer single de su LP de debut de 1995, Frogstomp) para descubrir a un Kurt Cobain aussie de dieciséis años, salvando quizás el timbre personal y la cadencia más tendente a Pearl Jam que a Nirvana.
Sea como fuere, su primer trabajo fue un bombazo, con canciones como la mencionada, Israel’s Son, un in crescendo fabuloso, la buenísima y densa Pure Massacre y Shade.
Su segundo álbum es mi favorito, Freak Show (1997) con un sonido mezclando grunge y hard rock, con ribetes metaleros como en Freak, con otros temas muy buenos como el enorme Abuse Me, Pop Song For Us Rejects o Slave.
El tercer disco de Silverchair, Neon Ballroom (1998) supone una apuesta por un giro en su carrera hacia un estilo más orientado al Art Rock, con algún detalle post grunge y canciones que intentan enganchar con el público a modo de elegía, como Anthem For The Year 2000, Ana’s Song (Open Fire) , que me recuerda mucho a los británicos Bush, o Emotion Sickness.
Diorama (2002) es el cambio definitivo hacia un estilo más sinfónico y maduro, abandonando el estilo anterior casi por completo. Botones como The Greatest View, Without You o Across The Night refrendan lo dicho.
Tras un receso de cinco años, Johns y los suyos vuelven a la carga en 2007 con su último LP, Young Modern, acentuándose la vena sinfónica y progresiva del anterior con un marcado acento conceptual en temas como Straight Lines o Young Modern Station .
Después de esto, Johns declaró querer seguir otros rumbos por lo que Silverchair entró en estado de hibernación permanente desde entonces. Tras su ruptura con Nathalie Imbruglia y declararse enfermo de anorexia nerviosa, forma otra banda, The Dissociatives, con la que sigue investigando e indagando en horizontes musicales sin explorar.
Silverchair, todo un fenómeno en Australia, quizás menos conocidos en Europa pero muy de mi gusto, herederos del grunge más feroz aunque transformados con el paso de los discos y de los años, talento a raudales emanado por los poros de Daniel Johns, ídolo de masas de los adolescentes aussies y un ejemplo de precocidad y creatividad lírica.

Best Live Albums #14: Pearl Jam- Live


Hoy 365RadioBlog retoma como cada viernes la serie Best Live Albums, en la que repasamos los mejores álbumes en directo de la historia del Rock. Hoy no nos ocuparemos sólo de uno, sino de varios discos en directo, puesto que la banda que nos ocupa ha editado nada más y nada menos que 72 LPs en vivo, entre oficiales y Bootlegs o piratas. Estamos hablando de uno de mis grupos favoritos, los inigualables, increíbles y sublimes Pearl Jam, formados por el mítico Eddie Vedder, (uno de los 10 mejores cantantes de la historia según la revista Rolling Stone y mi figura más querida del rock junto a Pete Townshend de The Who), junto a los guitarras Mike McCready y Stone Gossard, el bajista Jeff Ament y el ex Soundgarden y mejor batería del movimiento grunge: Matt Cameron ( que sucedió a Abruzzese y Jack Irons). Son para mí el mejor grupo de mi generación sin discusión y no solo por su espectacular discografía en estudio, sino además por ser uno de los grupos más prolíficos en directo de toda la historia del Rock. Por ello haremos una excepción y analizaremos tres albumes en vivo esenciales en el devenir de la banda, aparte de hablar también de sus Bootlegs o discos extraoficiales piratas ( que la banda ha oficializado en su web)
Live On Two Legs (1998)

El primero de estos directos es su primer directo oficial, grabado durante la gira de verano de 1998 en la que presentaban su quinto album de estudio, Yield (1998), y que de alguna manera cerraba la primera etapa o ciclo vital de la banda, la más famosa y exitosa. No es un disco redondo en cuanto a selección de temas, me faltan varios esenciales como Alive o Jeremy, aunque su remasterización y remezcla son perfectas, los temas que están suenan geniales, desde el Corduroy de inicio con esa línea inolvidable de Gossard y la explosión de la voz de Vedder, con momentos álgidos como Better Man o el final de Daughter ( con una parte de Rockin´in The Free World de Neil Young y W.M.A.), cerrando con el Fuckin ´Up de Young & Crazy Horse. En mi opinión es el más flojo de los tres que vamos a comentar.
Live at The Gorge (2007)



Se trata de un Box de 7 discos resultantes de tres conciertos que Pearl Jam celebró en The Gorge Amphiteatre de George, estado de Washington, a las afueras de Seattle, los días 1 de septiembre de 2005, 22 y 23 de julio de 2006, editado en junio de 2007 e imprescindible para valorar en su justa medida lo grandes que son en directo. En el enlace de título os dejo la lista canciones por día que podéis escuchar en los links de Youtube, y que incluyen maravillas como cus grandes clásicos Alive, Jeremy, Black, o temas más modernos de la banda como I Am MineInsignificance, el clásico incluido en la BSO de Singles, State of Love and Trust ( una de mis favoritas) y espectaculares versiones de sus artistas favoritos: Baba O’ Riley de The Who, Rockin’ In The Free World de Neil Young, Little Wing de Hendrix o Sonic Reducer de Dead Boys. Destacar la versión de Rearviewmirror, una pasada. Es su disco directo mejor y más completo.
Live On Ten Legs (2011)

Recopilatorio en directo de la segunda etapa de la banda, es decir, desde 2003 a 2010, continuación natural de Live On Two Legs, grabado durante las respectivas giras de sus discos Riot Act (2002) y Backspacer (2009), conteniendo muchas canciones nuevas como The Fixer, la maravillosa Just Breathe o la versión de PIL Public Image. Como casi siempre, acaban con la preciosa Yellow Ledbetter, éxtasis delicioso para echar el telón a conciertos como el que viví en 1996 durante la gira No Code en el Velodoromo Anoeta de San Sebastián , algo que nunca podré olvidar y que recuerdo en este enlace.
Nos quedarían muchos en el tintero: Live at The Orpheum Theatre, Live At The Garden, Lollapalooza, Pinkpop ( del que os dejo en la cabecera medio concierto del 92, cuando empezaban y estaban en pleno esplendor grunge, os lo recomiendo) y por supuesto sus Bootlegs, de los cuales yo tengo unos cuantos, uno de Barcelona del 2000, otro de Seattle y alguno más que compré en el 95 estando en UK en el mercado de Camden Towm, en cassette pirata. Nunca me canso de sus directos, porque, aunque tengan excelentes discos de estudio, Pearl Jam son animales de escenario, no saben vivir sin él, y cuando no tocan, colaboran con otros artistas, os dejo un enlace de Vedder con Bruce Springsteen y con Neil Young. Absolutamente soberbios.
I’m Still Alive…!

Evanescencia Gótica


Evanescence. Grupo norteamericano procedente de Little Rock, Arkansas, formado en 1995 por la excepcional cantante, pianista y compositora Amy Lee y el guitarrista Ben Moody, a los que se unirían más tarde John LeCompt, Terry Balsamo, Rocky Gray y Tim McCord, con un estilo lindando entre el metal alternativo, el metal gótico ( sobre todo en apariencia y estilo lírico de su frontwoman), el metal sinfónico o el Nü Metal, con atmósferas oscuras pero también iluminadas por la voz aguda de Amy Lee, con una densidad sonora muy al uso de las bandas metaleras de los noventa y con estribillos Mainstream que resultaron ser una fórmula idónea para triunfar en emisoras, hacer las delicias de los teenagers de todo el mundo y obtener unas ventas absolutamente estratosféricas con su primer disco, del que luego hablaremos.
Tras sus dos primeros EPs Evanescence y Sound Asleep y un primer álbum demo, Origin (2000), la banda debuta oficialmente con el aclamado Fallen en 2003, vendiendo la friolera de 17 millones de copias en todo el mundo gracias a temazos como su primer single Going Under o su mítico y más conocido Bring Me To Life ( que cogió fama por formar parte de la BSO de Daredevil) y acabó convirtiéndose en un himno generacional de principios del XXI. Otras canciones reseñables del LP son My Inmortal o Everybody’s Fool.
En cuanto a su segundo álbum, debido a problemas internos con Moody ( que al final acabó marchándose), se retrasó más de lo que Amy hubiera querido, aunque al fin y tras una larga espera amenizada por una gira mundial maratoniana,-de la cual salió el DVD en directo Anywhere But Home-, se publicaría bajo el nombre de The Open Door ( 2006) con Call Me When You’re Sober, Sweet Sacrifice, Lithium o Good Enough, buen trabajo pero no tan redondo como su antecesor, quedándose en 5 millones de copias vendidas. Tras los modestos resultados del álbum, Amy comenzó a hacer criba entre los componentes de la banda como LeCompt o hasta quedar sólo ella como único miembro estable de Evanescence, a partir de entonces el juguete en sus manos que ha ido poco a poco moldeando a su gusto y semejanza, resultado evidente en su tercer álbum homónimo, mucho más comercial , destacando únicamente Together Again, tras lo cual y visto el batacazo mediático, Amy Lee le echó la culpa al productor Steve Lillywhite, aunque el rumbo que había tomado el sonido de la  banda (edulcoradamente electrónico y artificial) sonó a traición a sus fans más fieles y al fin y al cabo a sí mismos.
No sabemos en qué acabará la singladura musical de Evanescence, lo que sí parece estar claro es que el techo creativo lo alcanzó con su primer y gran disco y a partir de ahí se ha ido poco a poco desinflando su aura de banda gótica comercial ( que fueron inspiración de bandas como Within Temptation ), aunque siempre nos quedarán sus hits llenos de lírica oscura e intensidad sonora metálica.
Wave Me Up Inside, Wake Me Up Inside, Call My Name and Save Me From The Dark…!

Servicio Postal Electrónico


The Postal Service. Dúo norteamericano basado en los alrededores de Seattle formado en 2003 por el líder de Death Cab For Cutie, Ben Gibbard y su amigo Jimmy Tamborello (ex-Headset y Figurine), ayudados en ocasiones por Jenny Lewis y Chris Walla, famosos por desarrollar un pop electrónico o electro indie, con muchas bases rítmicas,- a cargo de Tamborello-, pero sin descuidar en sus composiciones las estructuras eminentemente poperas- a cargo de Gibbard-, y con gancho en sus estribillos que recuerdan levemente a New Order o Pet Shop Boys pero dando la sensación de que aportan algo nuevo, de que están descubriendo un nuevo sonido, y lo más chocante es que su procedencia, Seattle y su sello Sub Pop, invitan en un primer momento a creer que hay algo que no cuadra: ¿Qué hacen estos dos que parecen y suenan como británicos en la Meca y el sello del grunge?.
Con todo ello no es de extrañar que con tan sólo un álbum en el mercado, Give Up (2003), hayan partido la pana y arrasado tanto en ventas como en adeptos, ya que en la primera escucha se aprecia una curiosa mezcla latente en casi todos sus temas entre lo pausado y lo frenético, entre el control y el descontrol; quizás le falte un punto de locura e improvisación para ser un diez rotundo, aunque no siendo mi estilo, nunca me he cansado de escucharlo desde que llegó a mis manos y muy poco sobra en esta increíble ópera prima: su obra maestra, la evocadora Such Great Heights, el famosísimo y archiconocido en los clubs The District Sleeps Alone Tonight, con una cadencia absolutamente embaucadora, muy acid jazz; otras joyas son Sleepin In, We Will Become Silhouettes ( me encanta el inicio), This Place is a Prison, Brand New Colony o Clark Gable.
Este discazo, curiosamente el mayor éxito de Sub Pop desde que Nirvana editase Bleach, de momento permanece como el único y hermoso hijo de este dúo atareado con sus proyectos paralelos y personales pero que esperemos que en un futuro no muy lejano nos honren con otro vástago que nos deje al menos las mismas exquisiteces sonoras que el anterior.
Gratísima sorpresa la que me llevé cuando un conocido me los recomendó, lo escuché no muy seguro de si me iba a gustar, pero la verdad es que tuve que oirlo dos o tres veces del tirón porque me enganchó como pocas obras electrónicas lo hayan hecho jamás ( quizás el Homework de Daft Punk me inspiró parecidas sensaciones), pero es que además es un álbum rebosante de sensibilidad y buen gusto, nunca sientes que algo está fuera de lugar, en definitiva, todo un regalo para los oídos.
They Will See Us Waving From Such Great Heights, “Come Down Now”, They Will Say…!

No Mires Más al Sol


The Libertines. Banda británica originaria de Londres formada en 1997 por Carl Barât y Pete Doherty (ex novio de Kate Moss), ambos como guitarristas, líderes y frontmen, junto al bajista John Hassall y el batería afroamericano Gary Powell, caracterizados por practicar un género que se podría denominar como post-punk revival, con muchos detalles garaje, un estilo directo, guitarras afiladas, un bloque sonoro pero con sabor añejo a finales de los setenta, con reminiscencias clarísimas de The Jam, The Damned o The Clash y con una latente y continua lucha interna de poder entre las dos cabezas de este dragón del siglo XXI que logró colocar dos singles en el 1 y el 2 de las listas británicas respectivamente.
Ya con su debut, el inconmensurable Up The Bracket ( 2002), The Libertines saborean las mieles del reconocimiento sobre todo en UK, con temas directos pero a su vez ligeros de oír, bailables y muy pegadizos, como Up The Bracket – uno de sus símbolos-, Time For Heroes ( que daría título en 2007 a su recopilatorio), Tell The King o la famosísima I Get Along.
En 2003, y sólo para el mercado japonés, editan un EP de 7 temas titulado Don’t Look Back Into The Sun / Death on The Stairs, y es que sin duda para mí lo mejor de la banda son estas dos canciones.
The Libertines (2004), producido por el gran Mick Jones, es su segundo y último álbum hasta la fecha, ya que un año antes comenzaron los problemas de egos, con Doherty totalmente colapsado y dominado por las drogas y además con proyectos nuevos, como el genial grupo Babyshambles que obstruía las giras y publicaciones de The Libertines, de ahí las continuas trifulcas dentro y fuera del escenario con Barât que lamentablemente han pasado a la posteridad en un documental de 2010, The Libertines: There Are No Innocent Bystanders . En cuanto a las canciones de este segundo LP nos quedamos con la extraordinaria Can’t Stand Me Now, What Became of The Likely Lads o Arbeit Macht Frei.
Ya con todo patas arriba y Doherty ausente, a pesar de las buenas críticas del disco, Barât decide disolver el grupo en 2005, formando Dirty Pretty Things junto a Powell hasta su ruptura en 2008 y su vuelta en 2010 a The Libertines, consiguiendo juntar también a Doherty que había estado de gira por todas las clínicas de rehabilitación y había roto con Babyshambles. No fue hasta 2014 cuando se juntaron en serio, actuando en festivales como Benicassim y programando un nuevo álbum para 2015, que esperamos que entierre de una vez las luchas intestinas de un par de talentos irregulares e irascibles que nos han dado varios momentos memorables y han reavivado la llama del auténtico punk británico en pleno siglo XXI.
Don’t Look Back Into The Sun…!

Y Leonor Salió a Cantar


Marlango. Trío afincado en Madrid formado en 1998 por la musa, actriz y chica Almodóvar, bailarina vocacional y cantante (reconvertida pero muy convincente) Leonor Watling, junto a su socio Alejandro Pelayo y el neoyorquino Óscar Ybarra, -el cual abandonó la formación en 2014-,caracterizados por un estilo muy cercano al jazz y al blues, con reminiscencias de los clubs y cabarets de los años veinte, pero progresiva y claramente convencidos hacia la causa indie pop que tan buenos resultados les está dando.
Marlango ( cuyo nombre fue extraído del tema de su admirado Tom Waits I Wish I Was In New Orleans), responde a la necesidad de Watling de plasmar su talento vocal en una faceta poco conocida en ella pero que, en mi opinión, es la que mejor y más notablemente desarrolla (sin ser ni mucho menos mala actriz). Su intensidad vocal, su profundidad de registros y su sensible elegancia en los sostenidos, unido todo ello a su grata presencia, hacen de ella el alma el grupo, aunque no debemos descuidar el aporte positivo e instrumental de Pelayo e Ybarra, a pesar de que este último haya decidido hacer las maletas y probar suerte en Chicago.
Su homónimo debut, Marlango (2004, precedido de una fabulosa maqueta) les define como una banda con gusto por lo bien hecho y con un toque jazz envolvente, como en sus temas Enjoy The Ride, Madness o It’s Alright. Su segundo LP, Automatic Imperfection (2005), nos sumerge a en un estilo indeleble, con una Leonor inmensa muy bien acompañada por canciones como la homónima, mi favorita, Shake The Moon, Pequeño Vals o Cry. Su tercer trabajo,  The Electrical Morning (2007), supone un giro hacia aires más modernos, aunque igualmente elegantes, como en Walkin’ in  Soho, I Do, o los dúos con Miguel Bosé en Dance!, Dance!, Dance! y con Jorge Drexler, pareja de Watling, en Hold Me Tight.
Tras Life in The Treehouse (2010), con maravillas como The Long Fall ( mi segunda favorita) o The Answer junto a Rufus Wainwright, Marlango dan un giro y se cambian al español como lengua principal de sus temas, así editan sus dos últimos trabajos hasta la fecha, Un Día Extraordinario (2012), con Lo Que Sueñas Vuela, Dame la Razón o Un día Sin Ti; y su último trabajo, el redondo El Porvenir (2014), con un mano a mano con Bunbury en Dinero, otro dúo con Coque Malla en Berlín, la homónima, Puede y una fantástica versión de Ay Penita, Pena!.
Grupo que en un principio aprovechó el tirón de su frontwoman, pero que ha demostrado que nadie les ha regalado la calidad y la elegancia en la ejecución de un estilo muy cuidado y unos temas preciosos de escuchar.
And It Works Out, It Works Out…!