Cine & Música #81 : Una Jaula De Grillos

Hoy 365RadioBlog retoma la sección Cine & Música, donde repasamos las mejores bandas sonoras de la historia del cine.
Hoy le toca a una película transgresora, divertida y alocada, una comedia en toda regla con un aire muy original, mucho “ambiente” y unos actores espectaculares.

Estamos hablando de Una Jaula de Grillos (The Birdcage, 1996), adaptación norteamericana de la película francesa La Cage Aux Folles (La Jaula de Las Locas, 1978) de Édouard Molinaro, la cual tuvo una versión teatral muy exitosa en Francia y que fue dirigida en la versión que nos ocupa por Mike Nichols respetando el guión original pero adaptado por Elaine May y protagonizada por Robin Williams, Nathan Lane, Gene Hackman, Calixta Flockhart, Hank Azaria y Dan Futterman.

La pareja formada por Armand (Robin Williams), y Albert (Nathan Lane), intentan fingir que son una familia cristiana y tradicional, en lugar de una familia gay y judía, cuando se lo pide Val (Dan Futterman), hijo biológico de Armand fruto de un “desliz” heterosexual de juventud y que ambos han criado juntos, porque se quiere casar con la hija de un senador ultraconservador Kevin Keeley (Gene Hackman). Llaman a la madre (Christine Baranski), del muchacho para completar la comedia el día de la petición de mano, pero cuando no puede llegar debido al tráfico Albert se presenta travestido como la madre de Val. Los enredos y cómicos equívocos terminan cuando finalmente se presenta la madre y se descubre la farsa.

La espectacular banda sonora a cargo de Stephen Sondheim y Jonathan Tunick va acompañada de canciones muy bien traídas las el caso que nos ocupa como We Are Family, versión de Sister Sledge adaptada para la ocasión en una escena hilarante.

Otra canción enorme en el film es She Works Hard For The Money de Donna Summer canturreada por el increíble Agador Spartacus encarnado por el gran Hank Azaria, del cual os dejamos un vídeo con los mejores momentos pues en mi opinión es de largo lo mejor de la película.

Otros de los temas que aparecen en esta Jaula de grillos es Conga de Gloria Stefan ( cuando formaba como Miami Sound Machine) y Love is in The Air versioneada por Robin Williams para la ocasión.

Y qué decir del hilarante y grandioso final con el senador encarnado por Hackman travestido de Drag Queen para escapar de los paparazzis, toda una apoteosis cómica e histriónica, sonando de fondo, como no, el tema central de Sister Sledge, We Are Family.

Una Jaula de Grillos, muy divertido remake de una cinta francesa que estuvo nominada a un Óscar a la mejor dirección artística que al final no consiguió y que supone una encubierta y sarcástica crítica ante el qué dirán, la represión sexual y un paso adelante en pro de los derechos homosexuales. He de reconocer que en un principio fui bastante reticente a verla pero la verdad es que es todo un vodevil coral y aleccionador en el sentido de que cada cual debe vivir su vida sin importarle lo que piensen los demás.

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Cine & Música #80 : La Chaqueta Metálica

Hoy en 365RadioBlog retomamos una nueva entrega de Cine & Música con una película que ( al igual que la de la semana pasada) pertenece a la nueva hornada de cine bélico que comenzó a descollar a lo largo de los años ochenta y que contenía una gran dosis de drama psicológico y crítica social.

La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket, 1987), producida y dirigida por el gran genio Stanley Kubrick ( La Naranja Mecánica, 2001: una Odisea del Espacio) y co escrita por él mismo junto a Michael Herr adaptando una novela de Gustav Hasford, protagonizada por Matthew Modine como Joker, Vincent D’Onofrio como Gomer PylePatoso en castellano- y el inolvidable papel de R. Lee Ermey como Sargento Hartman, es una mordaz crítica al sistema comenzando por la preparación de los marines y los agresivos métodos de entrenamiento empleados en ellos. La segunda parte, ya en Vietnam, retrata la crudeza de la guerra con irónicos comentarios y dándole especial protagonismo a lo soldados rasos y a la prensa que cubría el conflicto, pero sobre todo a la crueldad y a la deshumanización de quién está inmerso en el sinsentido de la guerra.

Full Metal Jacket, el titulo original que hace mención a un tipo de munición muy empleado en Vietnam es una obra maestra de principio a fin y tanto el ambiente de la academia militar como el del frente en Saigón están perfectamente reflejados por ese genio absoluto del celuloide llamado Stanley Kubrick.

Un aspecto a resaltar es el lado humano , casi de documental de la película, hecho que hace que haya calado tan profundo en casi todo el mundo que la ha visto. Por ello escenas de maltrato y desigualdad absolutas nos hacen incluso reír al verlas. Valga como perla alguna escena de los cánticos de los marines en la academia al mando del inefable sargento Hartman.

Para la banda sonora Kubrick contó con su propia hija Vivian para dirigir el score, aunque ella prefirió esconderse bajo el pseudonimo Abigail Mead, quien mezcla espectacularmente las marchas militares con las canciones de la época de la guerra de Vietnam, por ejemplo la célebre Surfin’ Bird  de The Trashmen.

Otra muestra del buen gusto de la heredera de Kubrick es la inclusión de la canción de Nancy Sinatra These Boots Are Made For Walking 

También tenemos un clásico como el de Sam The Sham & The Pharaohs, Wooly Bully y también el himno de los Marines.

En definitiva, tremenda y enorme película que me encanto desde la primera ve que la vi por su originalidad, frescura e impactantes escenas, como la del recluta Patoso en el WC.

Gran película de un gran director con geniales actores y una banda sonora de auténtico lujo, no en vano está incluida en el número 457 de las mejores 500 películas de la historia y considerada como uno de los mejores films bélicos que se hayan rodado jamás.

Cine & Música #78 : Taxi Driver

Hoy como cada domingo 365RadioBlog os trae una nueva entrega de Cine & Música, sección donde repasamos las mejores bandas sonoras de la historia del celuloide.

Hoy hablaremos de una película dirigida por un mago de la gran pantalla y protagonizada por uno de los actores más carismáticos de la historia que fue consagrado sin duda alguna por su actuación en este gran largometraje.

Estamos hablando de Taxi Driver (1976), dirigida por el maestro Martin Scorsese, con guión de Paul Schrader y protagonizada por Robert De Niro, una jovencísima Jodie Foster, Harvey Keitel en un excepcional papel de chulo, Albert Brooks, Peter Boyle y la espectacular Cybill Shepherd como la anhelada musa de un taxista.

El argumento gira en torno a la solitaria vida de un Marine en la reserva llamado Travis Bickle, quien se gana la vida como taxista por las calles de Nueva York debido a su insomnio crónico que le hace desvariar y comportarse de una manera compulsiva en sus devaneos con la encantadora Betsy, que fracasarán. Más adelante intentará sacar de la prostitución a Iris, (una jovencísima Jodie Foster) de las garras de su chulo ( Keitel) contra el que se preparará físicamente, adquiriendo una pistola y cambiando su aspecto  ( ese corte de pelo a lo Mohicano es inmortal) a quien al final disparará en un rocambolesco final que acabará como nadie espera.

Scorsese ( que hace un pequeño cameo en la película), desgrana uno de los mejores films psicológicos con ingentes dosis de thriller, en inimitables escenas como ésta en la que Travis / De Niro se mira al espejo y espeta el famoso “Are You Talkin’ To Me?”( que al parecer fue totalmente improvisado). El director se apoya en este magnífico actor para transmitirnos toda su confusión, sus trastornos, sus cambios de humor, pero también sus ganas de ayudar a las personas que lo necesitan, de contribuir a limpiar las calles de basura, amparado en un taxi que es el paradigma de la soledad, de la frustración y de la nostalgia, pero que le permite observar el lado más sórdido de la sociedad.

Para ampararse en una escenografía válida y dar un ambiente propicio a Taxi Driver, Scorsese lega el score a

Bernard Herrmann
, un consumado compositor de bandas sonoras con mucha experiencia con Hitchcock, para quien compuso Vértigo, El Hombre que Sabía Demasiado e hizo historia con Psicosis.

Para Taxi Driver, Hermann confecciona una banda sonora llena de matices, con pasajes muy adaptados al thriller, otros más románticos ( en los que introduce el saxo como elemento dulcificador) y que reflejan fielmente cada momento del film, sus cambios de ritmo y sus escenas más relevantes, siendo el perfecto sustento para la acción, aunque lamentablemente no pudo obtener el Óscar al que había sido nominada (se lo llevó ese año Jerry Goldsmith por La Profecía y curiosamente Herrmann estaba nominado por Taxi Driver y por Fascinación).

Taxi Driver es una auténtica leyenda en el mundo del cine y supone un film transgresor, innovador, con muchos matices psicológicos y que refleja fielmente ( como en casi todos los largometrajes de Scorsese) el lado oculto y sórdido de las calles de Nueva York, a través de un soberbio y excepcional De Niro ( al que también injustamente se le negó el Óscar).

Taxi Driver
, una de mis películas favoritas de todos los tiempos.

Cine & Música #76: Calles de Fuego

Hoy como cada domingo 365RadioBlog os trae dentro de la entrega Cine & Música las mejores bandas sonoras de la historia del cine.
En esta ocasión nos hemos decantado por una película que hizo furor en los ochenta por su estética, su música y su pareja protagonista: estamos hablando de Calles de Fuego (Streets Of Fire, 1984), film musical y de aventuras escrito y dirigido por Walter Hill ( The Warriors, Cruce de Caminos, 48 horas), basado en un guión original de Larry Gross y con un reparto de lujo, con Michael Paré, Diane Lane, Rick Moranis y Willem Defoe, situando la escena en un momento atemporal ( con muchas reminiscencias de los cincuenta) y en un lugar sin determinar ( a mitad de camino entre San Francisco y Nueva York); la trama comienza cuando la cantante de moda es secuestrada por un villano de estética entre punk y rockabilly (Defoe) y su mánager recurrirá a un antiguo novio de esta ( el guaperas de Paré) para salvarla con ayuda de una experta en mecánica.

En cuanto a lo que nos ocupa, la banda sonora, Walter Hill confía en auténtico maestro con experiencia en estas lides para componer la misma: estamos hablando de Ry Cooder, el maestro del slide, considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, quien acababa de participar en otro grandísimo score como Paris, Texas de Wim Wenders (1984).

Para las canciones que interpreta en el film Diane Lane, Cooder recurre a la banda Fire Inc., es decir para las míticas Nowhere Fast y Tonight Is What It Means To Be Young.

Ry Cooder también contribuye con una composición de cosecha propia como Hold That Snake e incluye una canción de The Fixx, Deeper and Deeper y otra de Maria McKee, Never Be You.

Otros temas interesantes los encontramos en Countdown To Love de Greg Phillinganes o     I Can Dream About You de Dan Hartman, que en la película interpreta la banda The Sorels.

En resumen, gran banda sonora, muy ochentera, con mucho sintetizador y batería programada, pero muy en la línea de lo que se llevaba en los ochenta, por lo que Cooder aprovechó para meter algún Slide de los suyos y potenciar las grandes escenas visuales que nos brinda el film, que pasa por ser bastante flojito en cuanto a argumento, pero toda una referencia estética y musical de la época.

Cine & Música #75 : Goodfellas (Uno de los Nuestros)

Hoy 365RadioBlog os trae como cada domingo una nueva entrega de la sección Cine & Música, donde repasamos las mejores bandas sonoras de la historia del cine.

Esta vez es el turno de una de mis películas favoritas de todos los tiempos, la espectacular, genial y grandiosa Goodfellas ( Uno de los Nuestros, 1990), firmada por uno de mis directores preferidos, el ítalo-americano Martin Scorsese, con guión de Scorsese junto a Nicholas Pileggi ( basándose en su novela de 1986, Wiseguys) y con las formidables actuaciones de Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Paul Sorvino y Lorraine Bracco, que narra el propio personaje de Liotta, Henry Hill, en voz en off y cuenta las vicisitudes de un grupo de gangsters a lo largo de treinta años en los que se suceden secuestros, asesinatos, delitos a mansalva, derroche, vida a todo trapo con toda clase de lujos y traiciones en una orgia sonora y visual de crimen organizado y no tan organizado.

Es un largometraje lleno de escenas memorables, como la de Joe Pesci en el bar cuando le dice Liotta  que es un tipo muy gracioso. Por esta gran actuación Pesci obtuvo el Óscar a mejor actor de reparto en 1991, único del film a pesar de haber recibido seis nominaciones.

La escena del final se ha convertido en inmortal, porque, después de traicionar a sus amigos (Goodfellas se puede entender cómo buenos amigos o buenos chicos pero realmente Scorsese le da el significado que tiene en slang: Gangsters o Mafiosos), piensa que está condenado a llevar una vida normal: “me había convertido en un gilipollas”.

Otra de las curiosidades de la película es la cantidad de veces que se emplea la palabra “fuck“, expresión soez muy usada por los mafiosos ítaloamericanos, convirtiendo a Goodfellas en la undécima cinta de la historia con más “fucks“, en este caso 300.

Pero lo realmente maravilloso de este film es su banda sonora, cuidadosa y meticulosamente seleccionada. Como en casi todas sus películas, Scorsese se preocupó personalmente de elegir cada tema en función de la época o del momento vital de los personajes. Para la banda sonora se seleccionaron doce cortes que aparecen en la película pero no son todos, ya que llegan a sonar hasta 48 canciones, todas ligadas a la época que se narra.

Tenemos por ejemplo, Rags To Riches de Tony Bennett en el inicio de la narración.

Otro de los temas incluidos es Speedo
de The Cadillacs que sirve para introducir al protagonista en el mundo del hampa.

También tenemos el famosísimo Beyond The Sea de Bobby Darin en la escena de la cena en la carcel.

La mítica Sunshine Of Your Love de los soberbios Cream suena cuando Jimmy ( De Niro) decide poner en marcha un golpe maestro.

Nos quedaría la excelente Mannish Boy de Muddy Waters y el mejor momento musical es cuando suena la parte instrumental de Layla de Derek and The Dominoes con el excepcional Clapton dominando toda la escena en las que se descubren los cadáveres de las matanzas de los mafiosos.

Impresionante epopeya mafiosa en la que se narra el ascenso y caída de unos gangsters a lo largo de treinta años de la historia de los Estados Unidos en una película tan genuina como arrebatadora. Obra maestra del genio Scorsese y del mago De Niro que se encuentra por derecho propio entre mis diez películas favoritas sin lugar a dudas.

Cine & Música #74 : El Gran Lebowski

Hoy 365RadioBlog os trae una nueva entrega de Cine & Música, sección en la que os hablamos de las mejores bandas sonoras de la historia del celuloide.
Esta vez le toca a una película que marcó época por su originalidad, la brillantez de sus diálogos y una serie de personajes a caballo entre lo dantesco y la genialidad.

Estamos hablando de El Gran Lebowski (1998), largometraje concebido por las mentes calenturientas y geniales de los hermanos Joel y Ethan Coen, quienes basaron su guión en la obra literaria de Raymond Chandler El Sueño Eterno ( The Big Sleep), adaptándola a un entorno actual lleno de vagos, maleantes, jugadores de bolos, hijas excéntricas y novias pornográficas de millonarios y excluidos de la sociedad, para lo que se vale de auténticos fenómenos de la actuación como Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi, Julianne Moore o John Turturro, los cuales encarnan inolvidables papeles de perdedores compulsivos en los que se resalta una cotidianidad al límite de lo surrealista.

El argumento, tan enrevesado como fútil, nos habla de El Nota (The Dude, papel magistralmente plasmado por Bridges), un jugador de bolos, desempleado y haragán al que unos sicarios confunden con un millonario llamado Jeffrey Lebowski, igual que él y que se verá inmerso en una trama llena de secuestros, rescates, partidas de bolos y nihilistas alemanes que desembocará en un sinsentido coral y desternillante que no deja indiferente a nadie.

Existen escenas verdaderamente memorables en cuanto a guión y a lo absurdo de la situación como la magnífica puesta en escena de John Turturro como el gran jugador de bolos Jesús, los nihilistas o el increíble sueño de El Nota.

Para sustentar esta comedia coral, Los hermanos Coen echan mano de una banda sonora de lujo encargándole el score a su viejo conocido Carter Burwell ( Fargo, Crueldad Intolerable) y la selección de canciones para las diferentes escenas a T- Bone Burnett, el cual, si bien no pudo lograr todos los permisos deseados, sí que aunó un elenco musical encomiable que se reúne en una BSO con joyas como Just Dropped In de Kenny Rogers; una versión muy flamenca del Hotel California de The Eagles a cargo de The Gypsy Kings; un cover de The Rolling Stones de Dead Flowers a cargo de Townes Van Zandt o la sublime The Man in Me de Bob Dylan sonando en los créditos iniciales.

También destacan otras piezas como las de Nina Simone con la versión del I Got I Bad & That Ain’t Good de Duke Ellington; Her Eyes Are A Blue Million Miles de Captain Beefheart; Stamping Ground de Moondog o My Mood Swings de Elvis Costello.

Además tenemos una joya operística en alemán a cargo de E.W.Korngold titulada Glück das mir Verbliebt y otra en la misma sintonía de Carter Burwell para el score de la cinta que lleva por título Technopop (Wie Glauber)

Para concluir diremos que The Big Lebowski reúne una cantidad de escenas con diálogos sublimes e hilarantes de las que muy pocas películas pueden presumir y que os dejamos aquí en homenaje al buen hacer tanto del guión de los Coen como de sus fantásticos y recurrentes actores habituales ( Goodman, Turturro, Buscemi).

Ni que decir tiene que El Gran Lebowski pertenece al selecto club de mis películas de culto favoritas, todo un desparrame de sinsentidos, un derroche de malentendidos y una pléyade de personajes que hicieron las delicias de mis ojos y mis oídos y que estuvieron muy bien acompañados por un score de auténtico escándalo.

Cine & Música #73 : Indiana Jones

Hoy 365RadioBlog os trae como cada domingo las mejores bandas sonoras de la historia del cine. En esta ocasión os traemos una serie de películas de aventuras en torno a un personaje irónico, inigualable e irrepetible: Indiana Jones.

El germen de esta leyenda del cine arranca cuando en 1980, estando en Maui de vacaciones Steven Spielberg y George Lucas, este último le comentó a su colega acerca de un personaje aventurero y arqueólogo que había creado y quería llegar a la gran pantalla en un receso de Star Wars ( aún en su segunda película). Fue así como nació la saga de aventuras más famosa de la historia, dirigida por Steven Spielberg, con guión y producción de George Lucas y con un viejo conocido de ambos como protagonista, el genuino Harrison Ford ( quien puede presumir a su vez de haber encarnado a Han Solo, ahí es nada)

Así pues, hasta la fecha se han rodado cuatro películas protagonizadas por Indie: En Busca del Arca Perdida ( 1981); Indiana Jones y el Templo Maldito ( 1984); Indiana Jones y la Última Cruzada ( 1989) , con Sean Connery encarnando a su padre; y la última entrega, más reciente: Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal ( 2008).

Todas ellas tienen en común varias cosas: su director ( Spielberg), su productor  (Lucas) , su protagonista (Ford) y su banda sonora , a cargo del mago de los scores de Hollywood , el grandísimo John Williams ( quien ya trabajó con Lucas en Star Wars y a quien se le debe maravillas como Superman, Tiburón o E.T. Además de orquestar el tema de los JJOO de Los Ángeles 1984).

Como se puede apreciar en todas las películas hay pequeñas variaciones en determinados pasajes pero en esencia el tema principal sigue manteniéndose el mismo, quizás porque cuesta encontrar una saga o personaje que se identifique tantísimo con su música, adherida inmutablemente a las peripecias del arqueólogo favorito de la universidad ficticia Barnett de Nueva York.

Decir que Williams introdujo una novedad técnica en esta banda sonora, como es el uso del Continuum, un complejo instrumento a caballo entre órgano y guitarra que como bien. Indica su nombre da continuidad a las escenas de acción y viene muy bien como telón de fondo sonoro.

A nivel de marketing esta saga también es muy fructífera puesto que se han creado series, videojuegos incluso personajes de Lego en torno al aventurero más famoso de la historia del celuloide.

En definitiva, Indiana Jones, aquel aventurero parido por la desbordante imaginación del mago George Lucas y llevado a la gran pantalla por el Midas de la imagen Steven Spielberg, permanecerá siempre en nuestras retinas y en nuestros recuerdos de niñez como el espejo donde mirarnos cuando queríamos aventuras, pero también nos depara momentos sonoros trepidantes con un score casi perfecto de la mano del rey de la música cinematográfica John Williams.

Cine & Música #72: Notting Hill

365RadioBlog os trae como cada domingo una nueva entrega de Cine & Música y aprovechando que hoy es San Valentín ( aunque no seamos muy devotos de ese santo precisamente), rescata una deliciosa comedia romántica que está entre mis favoritas el género sin discusión: nos referimos a Notting Hill (1999) dirigida por Roger Michell con guión de Richard Curtis y protagonizada por los grandísimos Hugh Grant y Julia Roberts, que narra la historia de cómo una estrella norteamericana del cine cae por casualidad en una pequeña librería del distrito londinense de Notting Hill, conociendo al simpático pero despistado dueño en un encuentro que cambiará para siempre sus vidas.

Muy destacable en este film, aparte de los maravillosos exteriores del famoso barrio londinense -con sus encantadores parques interiores y su maravilloso mercado de Portobello Road – es la impagable contribución de actores secundarios como el galés Rhys Ifans en el papel del inefable
Spyke, Gina McKee como la entrañable Bella, o Tim McInnerny como Max.

Pero en mi opinión, si hay algo que destaque de una forma colosal en la película y le haga ganar muchísimos enteros es su banda sonora, a cargo del magnífico Trevor Jones, especialista en bandas sonoras oscarizadas Como El Ultimo Mohicano o En El Nombre del Padre. Además viene acompañada de canciones ya míticas como la maravillosa She de Elvis Costello (versión en inglés de un tema de Charles Aznavour)

Pero la cosa no queda ahí porque la banda sonora nos ofrece exquisiteces como el Ain’t No Sunshine de Bill Withers, la fantástica How Can You Mend A Broken Heart? de Al Green o la balada del ex Boyzone Ronan Keating, 
When You Say Nothing At All.

Hay más temas destacables incluidos en la BSO, como You’ve Got A Way de Shania Twain o la fantástica Gimme Some Lovin’ de The Spencer Davis Group.

En definitiva, deliciosa y entretenida comedia con golpes magistrales y que creo escuela en el género británico sustentada por unos actores impecables y por una de las mejores bandas sonoras que he escuchado.

Cine & Música #71 : Piratas del Caribe

Hoy como cada domingo, en 365RadioBlog retomamos las bandas sonoras que más nos han impactado de la historia del cine.
En esta ocasión no le toca solo a un largometraje, sino a toda una saga de películas que si bien son recientes, ya se han convertido en todo un clásico del cine de acción y aventuras: estamos hablando de la saga Piratas del Caribe, la cual hasta la fecha consta de las siguientes películas: Piratas del Caribe: La Maldición de la Perla Negra (2003); Piratas del Caribe : El Cofre del Hombre Muerto (2006); Piratas del Caribe: En El Fin del Mundo (2007); Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas ( 2011) y la última aún por estrenar, Piratas del Caribe: Los Hombres Muertos No Cuentan Cuentos ( 2016). La serie, dirigida por Gore Verbinski en sus primeros films y luego por prestigiosos directores como Espen Sandberg, Rob Marshall o Joachim Ronning, está producida por Jerry Bruckheimer y lleva el inconfundible sello Disney. En realidad, la idea proviene de la atraccion de los parques temáticos de Orlando del mismo nombre, cuyo éxito llevó a proponer un proyecto cinematográfico.

El reparto de la saga es de auténtico lujo y los personajes que la
protagonizan han pasado a la leyenda del celuloide como mitos célebres. Así , el astuto pirata Jack Sparrow (Johnny Depp), el herrero Will Turner (Orlando Bloom), su prometida Elizabeth Swann (Keira Knightley) junto a villanos como el cara-pulpo Davy Jones (Bill Nighy), o Gregory Hines en el papel de Barbossa, han pasado ya a los anales del cine por su poderio y atracción.

En cuanto a lo que nos ocupa, su banda sonora, pues otra reverencia al haberse convertido en todo un clásico moderno de la mano del enorme Hans Zimmer, responsable de muchísimos títulos de aventuras y de la factoría Disney como El Caballero Oscuro ( 2008), Madagascar (2005) o Gru, Mi Villano Favorito ( 2010), quien junto a Klaus Badelt conformó un score de tintes épicos, casi wagnerianos, y que ha otorgado más valor y encanto si cabe a esta fantástica saga de aventuras bajo el auspicio de Disney y el sello indeleble de sus fenomenales actores.

Piratas del Caribe, saga con un magnífico reparto, guiones repletos de acción y efectos visuales, trepidante desde el minuto uno y con ese sabor fantástico de boca que te dejan las buenas películas de aventuras.

Cine & Música #70: El Puente Sobre el Río Kwai

Hoy, como cada domingo, 365RadioBlog os trae una Banda Sonora mítica de la historia del cine y en esta ocasión hemos rescatado una de las más famosas y reconocibles melodías ( o silbidos si se quiere) que jamás haya dado el celuloide.
Nos estamos refiriendo al fabuloso score del largometraje británico de 1957 El Puente Sobre el Río Kwai, dirigido por David Lean, el cual está basado en la novela homónima del escritor francés Pierre Boulle (escrita en 1952) y adaptado para la gran pantalla con el guión de Michael Wilson y Carl Foreman.

El reparto, de lujo, lo encabezaban Alec Guinness y William Holden junto a Jack Hawkins y al japonés Sessue Hayakawa, en una epopeya bélica que narra la construcción de un puente que una la línea ferroviaria entre Bangkok y Birmania a cargo de prisioneros británicos y norteamericanos obligados por sus enemigos japoneses durante la Segunda Guerra Mundial.

La película fue galardonada con nada menos que 7 Oscars de la Academia en 1957: Mejor Película, mejor director (Lean), mejor actor (Guinness), Montaje, Fotografía, Guión adaptado ( Óscar que Wilson y Foreman no recogieron por estar incluidos en la lista negra del senador McCarthy en su caza de brujas y que Pierre Boulle tampoco quiso retirar al estar enfadado por haberse alterado sustancialmente el guión del film respecto de su obra); y por último, la estatuilla por la mejor banda sonora a cargo del genial Malcolm Arnold.

Este genio británico, experto en crear scores de ensueño como El Albergue de la Sexta Felicidad (1958),  De Repente El Último Verano (1959) o David Copperfield (1970), -y quien rechazó proyectos como Lawrence De Arabia o 2001: Una Odisea del Espacio.- , construyó una sintonía pegadiza, marcial y animosa, basada en las marchas militares ( de hecho muchas marchas posteriores se han basado en ellas) y que sentó cátedra en posteriores bandas sonoras bélicas: La Gran Evasión (1963), con score de Elmer Bernstein, es un buen ejemplo.

Esta famosísima melodía ha llegado hasta nuestros días sin perder un ápice de su frescura y popularidad, formando parte de innumerables actos, películas, programas de TV o desfiles. Os dejamos algún ejemplo como el del famoso sketch de Emilio Aragón en su programa Ni en Vivo ni en Directo, llamado obviamente Siguiendo la línea Blanca.

En definitiva, grandísima e histórica banda sonora que creó escuela dentro del género bélico y que ha logrado por derecho propio la inmortalidad gracias a una marcha y a un silbido inolvidables.

Cine & Música #69: Oficial y Caballero

Hoy 365RadioBlog retoma la serie Cine & Música, en la que repasamos las que en nuestra opinión han sido las mejores bandas sonoras de películas con un largometraje que supuso el espaldarazo definitivo a la fama de un tal Richard Gere.

Oficial y Caballero ( An Officer And a Gentleman, 1982), dirigida por Taylor Hackford,El Abogado del Díablo, Prueba de Vida,- y protagonizada por Richard Gere, Louis Gossett Jr., Debrah Winger y Robert Loggia, narra la historia de  Zack Mayo, un cadete de los marines de los Estados Unidos que ingresa a la academia empujado por sus fracasos anteriores y sus problemas con su padre. Allí se topará con el duro y tirano Sargento Foley, el cual no vacilará al emplear dudosos pero eficaces métodos en la formación y adiestramiento de los futuros Marines.

En el pueblo Zack conocerá a Paula, trabajadora de una fábrica de cartones, y entre ellos surgirá una historia de amor y desencuentros, la cual concluirá felizmente tras la ardua pero lograda licenciatura de Zack y la inestimable ayuda del duro pero noble Sargento Foley.

Como no podía ser de otra manera, exitazo de taquilla absoluto con el gancho del guaperas de Gere y papelón de un Louis Gossset Jr. magistral que se llevó el Óscar al mejor actor de reparto, sobre todo por la escena inicial de la bienvenida a los reclutas que posteriormente Kubrick fusilaría a su manera en La Chaqueta Metálica (1987).
El segundo premio fue para la banda sonora del film , firmada por Jack Nitzsche, Buffy Sainte- Marie y Will Jennings, quienes se encargaron primero de orquestar y después de seleccionar la música de la película para lo cual, realizaron un magnífico score.

La BSO cuenta con joyas como Tush de ZZ Top, la maravillosa Tunnel of Love de Dire Straits o Hungry For Your Love de Van Morrison.

Pero la protagonista de la cinta es ese dueto formado por el gran Joe Cocker y Jennifer Warnes interpretando la maravillosa Up Where We Belong, tenazón que marcó toda una época y que le otorgó más popularidad si cabe a esta película.

Por último queda decir que lejos de ser una película exclusivamente romántica, tal y como se la ha encasillado, Oficial y Caballero posee una sensibilidad en ocasiones y dureza en otras que marcaron tendencia y estilo en posteriores producciones y que generarían todo un género en sí mismo (Top Gun es un ejemplo de lo que digo).
Gere y Winger se lo deben todo a este film y no digamos ya Louis Gosset Jr., pero sobre todo Joe Cocker le debió estar muy agradecido al éxito de su canción porque relanzó absolutamente su carrera a principios de los ochenta.

Cine & Música #68: Flash Gordon


Flash Gordon. Pelicula británico-estadounidense de 1980 basada en los cómics del mismo título que el dibujante Alex Raymond creara en 1934 para la King Features Syndicate, dirigida por Mike Hodges, producida por Dino De Laurentiis y protagonizada por Sam J. Jones en el papel de Flash, Melodie Anderson como Dale Arden, Chaim Topol como el Dr. Zarkov, Timothy Dalton como el Príncipe Barin, Ornella Mutti como la Princesa Aura y el gran Máximo Von Sydow como el Emperador Ming el impío de Mongo, la cual narra las peripecias fantásticas de un jugador de fútbol americano llamado Flash Gordon que en un momento dado se encuentra en otro mundo al embarcarse junto a Dale Arden y el Dr. Zharkov en una peligrosa aventura en el Planeta Mongo para combatir la tiranía del Emperador Ming, el cual ha lanzado una de sus lunas para que choque contra la tierra y así destruir la raza humana.
Endeble argumento para una endeble película que acaba parodiándose a sí misma, con un actor bastante mediocre como es Sam J.Jones en el papel de Flash, el cual fue nominado a los premios Razzie al peor actor del año 1980, pero que físicamente es un convincente protagonista, no ya en cuanto a sus dotes artísticas, bastante limitadas. El resto de elenco es bastante aceptable con un Max Von Sydow muy convincente como siempre en el papel de Emperador Ming y Timothy Dalton con unas horrendas mallas verdes en contraste con el universo rojizo y dorado del planeta Mongo que el no muy conocido Mikel Hodges intentó sin mucho éxito plasmar a imagen y semejanza de las atmósfera reflejada en el cómic y en un anterior film sobre Flash Gordon de 1934.
Lo que realmente merece la pena de este despropósito de película ( aunque yo la vi con ocho años y me encamtó), es su banda sonora de auténtico lujo, de lo poco salvable de la cinta, a cargo de nada más y nada menos que Queen, a quienes se encargó realizar la banda sonora completa y que respondieron con creces al reto pariendo un álbum muy bueno ( aunque desgraciadamente sea lo peor de su discografía), con canciones como Flash’s Theme, Football Fight, In The Space Capsule (The Love Theme), The Kiss (Aura Resurrects Flash), o The Hero, estando a cargo los británicos de la totalidad del score, lo que le da un ambiente más kitsch si cabe a una película que sin dejar de ser friki y rallando la serie B, tiene su encanto por el hecho de que no deja de ser entretenida para el espectador, a pesar de todas sus deficiencias cualitativas y técnicas.
No obstante, nadie se ha atrevido aún a hacer un remake del film por sus lagunas a nivel guión, poco convincente y habrá que esperar a que alguien se atreva a revivir a uno de mis personajes de cómic favorito.
Flash…A Ah…King Of Impossible…!

Cine & Música #67: Corazón Salvaje


Corazón Salvaje. Película norteamericana dirigida en 1990 por David Lynch y protagonizada por Nicholas Cage en el papel de Sailor, Laura Dern en el papel de Lula, Willem Dafoe, Diane Ladd (nominada para el Óscar a Mejor Actriz de Reparto por su gran papel) y Harry Dean Stanton.
Película del género road movie con un irónico estilo absolutamente noventero y con el sello Lynch, muy retro en los atuendos , los casilla a, los tupés, pero muy de fin de siglo por su temática sórdida, la constante huida, la ausencia de valores en pro del dinero y d la vida fácil, el amor confundido con el deseo.
La película tiene elementos interesantes pseudo oníricos, dándole mucho importancia a los sueños, presente en toda la obra de Lynch ( Twin Peaks o Mulholland Drive por ejemplo), siempre acompañados de turbios acontecimientos en los cuales Sailor ve como la madre de Lula y el amante de esta asesinan al marido y padre de su novia, acusándole a el de ello y pagando penitencia en la cárcel. Tras un permiso se fuga con su “Bicho”, iniciándose una persecución trepidante y rocambolesca, que engancha y crea repelús al mismo tiempo.
Lo que realmente merece la pena de este peculiar film de culto es su banda sonora, con el score a cargo del gran Angelo Badalamenti ( Twin Peaks, Blue Velvet), colaborador habitual de Lynch en sus melodías de películas y series y que además fue ta con temas de auténtico lujo como este Wicked Game del gran Chris Isaak, icónico sobre todo gracias a este largometraje, muy adecuado para momentos como los de la fuga y el romance entre Sailor y Lula.
Otros temas de interés en la película son el fantástico In The Mood de Glen Miller y su orquesta, Love Me Tender, escrita por Leiber & Stoller ( sociedad que engrandeció a Elvis) y que interpreta el polifacético Cage; Koko Taylor con Up in Flames; Slaughter House de Powermad; Baby Please Don’t Go de Them; Be Bop A Lula (de la que se saca el nombre de la protagonista) de Gene Vincent; otros dos temas de Chris Isaak como son Blue Spanish Sky o In The Heat of The Jungle y algunas otras perlas de música clásica como Kosmogonia de Krzystof Penderecki o Im Abendrot de Richard Strauss.
Un score monumental para una película interesante, más visual y efectista plástica y estéticamente hablando que a nivel de argumento, muy manido pero con mucha influencia en posteriores películas de la década .

Cine & Música #66: Spaghetti Westerns


Buenas Noches, hoy dentro de nuestra habitual sección de Cine & Música no nos limitaremos a centrarnos solo en una película, sino que abarcaremos una serie de películas con un nexo común: el autor de la mayoría de sus bandas sonoras, un tal Ennio Morricone, que revitalizó el género que dirigió casi siempre con maestría Sergio Leone desde el almeriense desierto de Tabernas y a través de actorazos como Clint Eastwood, Eli Wallach, Lee Van Cleef , Charles Bronson y tantos otros que auparon el género western a una nueva dimensión y lo relanzaron de una manera esplendorosa, en lo que tuvo muchísimo que ver ( aparte de buena calidad de las películas) fue sin duda sus geniales e inolvidables bandas sonoras que pasamos a recordar a través de un ranking de las mejores en orden descendente de peor a mejor. Disfrutadlo y hasta la semana que viene.


Décima posición : El Desesperado ( Franco Rossetti, 1967)


Novena Posición: El Halcón y la Presa ( Sergio Solima, 1966)


Octava Posición: De Hombre a Hombre (Giulio Petroni, 1967)


Séptima Posición : El día de la Ira (Tonino Valerii, 1967)


Sexta Posición : Django (Sergio Corbucci, 1966)


Quinta Posición: Salario Para Matar (Sergio Corbucci, 1968)


Cuarta Posición: Por un Puñado de Dólares (Sergio Leone, 1964)


Tercera Posición: Hasta que Llegó Su Hora (Sergio Leone, 1968)


Segunda Posición: La Muerte Tenía un Precio (Sergio Leone, 1965)


Primera Posición: El Bueno, El Feo y El Malo ( Sergio Leone, 1965)

Cine & Música #65: Lo Que El Viento Se Llevó


Lo Que El Viento Se Llevó. Película norteamericana de 1939 titulada originalmente Gone With The Wind, dirigida en 1939 por el trío compuesto por Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood, bajo la producción de David O. Selznick, basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (Premio Pulitzer en 1937), ayudada en la adaptación cinematográfica al guión por Sydney Howard y protagonizada por Clark Gable (Rhett Butler), Vivien Leigh (Scarlett O’Hara), Lesley Howard (Ashley Wilkes) y Olivia De Havilland (Melanie Hamilton), con secundarios inmortales como la criada negra Mammy a cargo de Hattie McDaniel.
La película está considerada como una de las mejores de la historia del cine por varias razones: la primera es la perfecta recreación de la guerra de secesión norteamericana y las reacciones de unos personajes estupendamente bien construidos a raíz de la novela homónima, pero con una fuerza y un carácter inusitados otorgados por sus protagonistas y que le valió a Vivian Leigh el Óscar protagonista a mejor actriz, acompañado de otros nueve más para un total de diez estatuillas que coronan una película soberbia a todos los niveles.
Otro de sus hitos es que Lo que El viento Se Llevó fue la primera película realizada íntegramente en color, por lo que tuvo tal éxito en su estreno que la ciudad de Nueva York quedaría colapsada.
Otro acierto fue el de incluir a varios directores dado lo complicado de su rodaje, el cual duró 125 días, aunque quien manejaba todos los hilos fue David O. Selznick, quien tuvo que lidiar con las extravagancias de Leigh y Gable y con un montaje gigantesco con jamás se había visto en el celuloide: se puede decir que fue la primera gran superproducción de Hollywood a todos los niveles y abrió la veda a filmes legendarios como Ben Hur, Los Diez Mandamientos o Cleopatra, todos ellos emulando la recreación histórica y el gancho de sus intérpretes protagonistas presentes en Gone With The Wind.
Pero si por algo pasó a la posteridad Lo que El Viento Se Llevó fue por una excepcional banda sonora a cabo del mago del momento, el austriaco Max Steiner (King Kong, Centauros de Desierto), el cual supo dotar a la película con su tema principal Tara’s Theme de una trascendencia y dramatismo inusitados hasta la fecha, considerándolo uno de los padres del sinfonismo cinematográfico y elevando los scores a la categoría de música clásica, con composiciones complejas, perfectamente construidas y adaptadas a cada momento del film.
Así, frases como ” Francamente querida, me importa un bledo” o ” A Dios pongo por testigo de que nunca volveré a pasar hambre”, tienen su apoyo musical perfecto en la sinfonía orquestada diseñada por Steiner y que es otra joya más de este maravilloso largometraje de 4 horas de duración que tuvo que emitirse en la televisión americana por primera vez en 1976 en dos días dada su larga duración.
Recuerdo a mi abuela viendo la película por trigésimo cuarta vez repetir cada comentario, cada frase con la pasión de quien sabe que está viendo una auténtica obra maestra irrepetible e incomparable. Quizás estos dos sean los adjetivos que más se ajustan a esta epopeya sureña que marcó un antes y un después en la historia del cine.