Tom Waits : Hold On

En la entrada de hoy no me remitiré a hablar de una sola canción – aunque obviamente sí que centraré en ella un poco más que en el resto-porque sería una falta de respeto a toda la trayectoria musical y profesional de este extraño talento que nos ocupa, un talento oscuro, distraído, rozando lo bizarro, pero con una creatividad y sensibilidad demoledora. Un crítico dijo una vez que su voz suena como si le hubieran bañado y macerado en bourbon y después hubiese sido atropellado por un coche. Estamos hablando del inefable, del inclasificable, del inolvidable Tom Waits.

Este californiano nacido en Pomona en
1949 ya desde niño fue autodidacta en el aprendizaje del piano, instrumento que como otros muchos, tales como la guitarra y el acordeón, domina a la perfección. Embelesado por el jazz, el blues y el soul y cautivado por los escritores de la generación Beat como Jack Kerouac y Charles Bukowsky, Waits fue forjándose poco a poco una imagen de artistas sui generis, un cantautor atemporal inspirado en el vodevil y en la imagen del homeless alcohólico que se refrendaron en su primer álbum, Closing Time, y aunque no tuvo mucha repercusión, curiosamente empezaron a popularizarse sus canciones a través de versiones de otros artistas que le fueron otorgando prestigio y respeto entre los críticos y compañeros de profesión.

Hold On, buen ejemplo de espectacular tema de Tom Waits ( aunque podríamos haber elegido otros cien igualmente geniales), pertenece a su decimotercer álbum de estudio, Mule Variations (1999) y supone una de esas extrañas melodías a caballo entre el susurro y el lamento, entre el desdén y el talento, arrancando unos sonidos vocales al alcance de casi nadie que le confiere una estela maldita de vicios y excesos incontrolables con el tabaco y el alcohol pero que a su vez le otorgan una sensibilidad sobrenatural para componer maravillosos esbozos líricos. Hold On, aguanta, resiste, sigue a mi lado pase lo que pase y no te fallaré, dualidad entre esperanza y decepción, entre encanto y masoquismo, Waits sabe reflejar como nadie el lado agridulce de la vida.

Sobre estas líneas os dejamos una fenomenal versión de Hold On en directo de 1999. Además os dejamos una serie de vídeos donde vemos en primer lugar un fenomenal cover de Hold On de Waits a dúo con Emily Kinney.

Por otro lado no nos queríamos despedir hoy sin recordar la fenomenal huella que ha dejado este fenómeno raro y atípico a través de la influencia que ha dejado con canciones que otros han hecho suyas pero que pertenecen al calenturiento cerebro de este horrendo genio lleno de adicciones. En primer lugar hemos rescatado Jersey Girl en versión de Waits y de Bruce Springsteen, luego lo mismo con su original Downtown Train y la famosísima de Rod Stewart y por último con Ol’55 y el cover de The Eagles.

Para despedirnos os dejamos
Con dos joyas: un concierto de Tom Waits dentro de la serie storytellers y su arrebatadora versión del
Himno oficioso australiano Waltzin’ Mathilda.

Genio único, underground y marginal que ha logrado el reconocimiento de la crítica internacional y de su cada vez más nutrido y fiel grupo de incondicionales fans, Tom Waits pasa por ser el reflejo de un artista hecho y macerado a sí mismo, con sus miserias y grandezas, pero siempre y ante todo, Tom Waits.

They hung a sign up in our town
“if you live it up, you won’t
live it down”
So, she left Monte Rio, son
Just like a bullet leaves a gun
With charcoal eyes and Monroe hips
She went and took that California trip
Well, the moon was gold, her
Hair like wind
She said don’t look back just
Come on Jim

Oh you got to
Hold on, Hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You gotta hold on

Well, he gave her a dimestore watch
And a ring made from a spoon
Everyone is looking for someone to blame
But you share my bed, you share my name
Well, go ahead and call the cops
You don’t meet nice girls in coffee shops
She said baby, I still love you
Sometimes there’s nothin left to do

Oh you got to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here, you got to
Just hold on.

Well, God bless your crooked little heart St. Louis got the best of me
I miss your broken-china voice
How I wish you were still here with me

Well, you build it up, you wreck it down
You burn your mansion to the ground
When there’s nothing left to keep you here, when
You’re falling behind in this
Big blue world

Oh you go to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You got to hold on

Down by the Riverside motel,
It’s 10 below and falling
By a 99 cent store she closed her eyes
And started swaying
But it’s so hard to dance that way
When it’s cold and there’s no music
Well your old hometown is so far away
But, inside your head there’s a record
That’s playing, a song called

Hold on, hold on
You really got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
And just hold on

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Nick Cave & The Bad Seeds: The Ship Song

Dentro del maravilloso y ecléctico mundo de la música (estamos hablando de la música actual, desde los primeros 60 hasta nuestros días) han existido personalidades de lo más variopinto: excéntricas, oscuras, viscerales, geniales, carismáticas, incluso siniestras. Pero si hay alguien dentro del show business que desprenda un magnetismo brutal sin ser guapo; que posea una aureola de estar por encima del bien y del mal; que tenga un gusto infinito en el tratamiento, la composición e interpretación de las canciones con que nos deleita; que deje absoluta y literalmente sin habla a toda una sala de conciertos solo con su presencia y su prestancia al piano ( esto es rigurosamente cierto porque mi hermana lo presenció); que hable del amor de una forma tan oscura, onírica y hasta perversa que duela escucharlo pero a la vez le dulcifique a uno la vida; si hay alguien así, ese es sin duda el inefable Nick Cave.

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Resulta harto difícil no caer en sus redes, no impregnarse de su asombroso, profundo y retumbante timbre vocal; resulta complicado entender por qué canciones tan oníricas, autodestructivas y peligrosas emocionalmente nos calan, nos empapan, nos virulentan, nos transgreden continuamente; sin ser ni machaconas ni mucho menos fáciles de digerir, sin estribillos cantables, sin florituras ni artificios. Solo él y por supuesto sus Bad Seeds  (entre los muchos miembros que han pasado destacan su inseparable y barbudo multi-instrumenstista  Mick Harvey, junto a Blixa Bargeld y Thomas Wydler).

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Desde esa Australia tan prolífica en talento del bueno con bandas como AC /DC, Midnight Oil, INXS o Airbourne entre otras, Nick y los suyos han conseguido dotar a su música, parida en clubs y al albor del jazz y del blues, de un carácter único e irrepetible, de una tinta indeleble, de un sello tan genuino que cuesta recordar a alguien que haya sido tan fiel a sí mismo.

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Es por ello que hoy quería recordar una de las canciones que más me han impactado de la extensa carrera de esta genial banda y de su genial alma mater. Me refiero a The Ship Song, primer single de su noveno álbum de estudio, The Good Son (1990), publicado el 12 de marzo de 1990 a través del sello Mute Records, grabado y remasterizado en los Cardan Studios de Sâo Paulo (Brasil) y producido por ellos mismos. La línea de piano con la que comienza la canción junto al gravísimo aunque habitual tono empleado por Cave nos van enredando poco a poco en un lento pero constante in crescendo que desemboca en un brillante y elegíaco estribillo muy acertado y recordable.
La letra, que aparentemente habla de barcos, puentes y demás, resulta una metáfora oscura y cruda de una relación de pareja en la que él le pide a ella que junte todos sus barcos en torno a él (sus sentimientos) y que queme los puentes (que le unen al resto del mundo: posiblemente se lo diga a una mujer casada). Es una relación abocada al fracaso, y ambos lo saben; hay química entre ellos, y cada vez que vuelven a estar juntos hacen “historia”, pero ambos saben también que tarde o temprano acabará, y él se resiste al destino inapelable que les espera.

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De esta canción existen varias versiones, entre las que destacaremos la de Inmaculate Fools; la colaboración de Nick Cave con Concrete Blonde y un maravilloso cover de Pearl Jam. Por si fuera poco, The Ship Song Project, un proyecto de la Ópera House de Sydney para promocionarse, contó con grandes artistas en sus filas, como Neil Finn de Crowded House, Martha Wrainwright, The Temper Trap y la Orquesta de Cámara de Australia, entre otros, tomando como himno esta deliciosa canción, de cuyo resultado se realizó un documental.

Maravilla de tema que ha conseguido enamorar a todo el que lo escucha por su oscura sensibilidad, su exquisita construcción y el carisma de todo un fenómeno como el grandísimo Nick Cave. Todo un regalo que me sirve para felicitar una persona muy especial para mí aunque la tenga lejos. Feliz Cumpleaños, hermanita.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.
Come loose your dogs upon me
And let your hair hang down.
You are a little mystery to me
Every time you come around.

We talk about it all night long
We define our moral ground.
But when I crawl into your arms
Everything comes tumbling down.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.

Your face has fallen sad now
For you know the time is nigh
When I must remove your wings
And you, you must try to fly.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.
Come loose your dogs upon me
And let your hair hang down.
You are a little mystery to me
Every time you come around.

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El Genio Raro


Frank Zappa. Pocos genios tan grandes ha dado el rock a lo largo de su historia como este ítalo americano nacido en Baltimore en 1940. Instrumentista, arreglista, compositor, productor, inventor de artilugios sonoros, incluso cineasta. Un auténtico genio. Pero un genio raro.
Pocos artistas en el rock han sido tan incomprendidos y denostados como Zappa, aunque a tenor de su producción musical de casi ochenta discos no es mucho de extrañar puesto que cuesta encontrar algo realmente masticable, que no suene denso, barroco, bizarro, que no haya rupturas cacofónicas, que exista una coherencia Mainstream, algo medianamente comercial. Poco de lo que hizo Zappa en sus 53 años de vida fue convencional.
Influido por el avant-garde, por la fusión jazz y rock y por la investigación musical, Zappa formó The Mothers of Invention, con los que consiguió un gran éxito a finales de los sesenta en el campo de la psicodelia experimental con álbumes como Freak Out!, Absolutely Free o Lumpy Gravy, en los que además de innovar sonoramente, aboga por letras agresivas anti sistema y a favor de legalizar la marihuana o contra la guerra de Vietnam, que le granjean una acérrima enemistad con los censores que le vetan varias de sus letras.
Tras la separación de The Mothers of Invention, Zappa se marcha a Nueva York y empieza a colaborar con multitud de músicos de sesión, actuando en muchos festivales como Montreux, en el que sufrió un accidente del que le costó recuperarse, aunque eso no afectó a su excepcional guitarra, la cual siguió afinada hasta el fin de sus días.
Tras rupturas con su manager, colaboraciones con Orquestas Sinfónicas  y demás rarezas, Zappa entró en los ochenta tan prolífico como siempre, patentando un sistema de sinclavier con un sonido muy peculiar y característico.
La entablen te este genio excéntrico nos dejó prematuramente en 1993 con lo que su prolífica obra se cortó de raíz.
Aquí os dejamos varios enlaces con sus mejores canciones según varios medios reconocidos, ya que estudiar su obra a fondo es tan complejo y tan denso que preferimos delegar en los expertos. En mi modesta opinión, I’m The Slime, Montana, Valley Girl, Brown Shoes Don’t Make It, Peaches En Regalia, My Guitar Wants To Kill Your Mama, Willie The Pimp, Titties N’ Beer o Dirty Love son de lo mejor de su carrera, aunque con Zappa todo es controvertido.
Pero hay que reconocer que su legado como creativo, innovador y gran músico es innegable, habiendo influido en gente como Primus o Mars Volta por poner algunos ejemplos.
Frank Vincent Zappa, el genio raro del Rock and Roll.

El Poder del Metal Industrial Teutón


Rammstein. Sexteto formado en la antigua República Democrática Alemana (todos sus miembros nacieron entre Berlín, Leipzig y Schwerin) formado por Till Lindeman y Oliver Riedel junto a Richard Zven Kruspe, Christopher Schneider, Paul Landers y Flake Lorenz, representando la máxima expresión del rock alemán, el llamado Neue Deutsche Härte, mezcla de Rock Industrial y Heavy Metal. Ellos mismos denominan su estilo como Tanzmetal (metal de baile).
El origen de su nombre viene de la ciudad homónima donde hubo en 1988 un accidente aéreo del que se comenta pudo gestarse el germen de la protesta que derrocó el régimen comunista de la DDR y precipitó la caída del muro; de hecho, otro significado de Rammstein es piedra chocando, en alusión al derribo del Muro de Berlín.
En cuanto a su estilo, Rammstein bebe por un lado del rock industrial tipo Front 242, Laidbach o Ministry, pero también tiene reminiscencias de Die Toten Hosen y sobre todo de Kraftwerk en lo que a su toque electrónico se refiere. Sus temáticas son controvertidas, abordando desde el sadomasoquismo hasta la pederastia y encima se les ha acusado de profesar una ideología neonazi, cosa que han desmentido por activa y pasiva. Donde destacan es en sus conciertos llenos de sonido, imágenes y efectos pirotécnicos que los han consagrado como uno de los más brillantes grupos en directo.
En cuanto a su discografía, excelente con discos como Sehnsucht, Reise Reise o Rosenrot, despliega multitud de matices y sonidos y una evolución musical fantástica.
Para mi sus mejores canciones de peor a mejor son estas: Reise Reise, Ich Tu Dir Weh, Feuer Frei, Sonne, Keine Lust, Mein Teil, Ich Will, Amerika, Engel y su pedazo de himno Du Hast, el cual ha tenido un éxito mundial irrefrenable.
Rammstein, el rock bizarro, particular, transgresor y arrebatador que llegó de la antigua Alemania del Este.
Du.. Du Hast… Du Hast Mich…!

Odio Decir ” Te Lo Dije”


The Hives. Quinteto garajero, cargado de adrenalina y de reminiscencias punk rock procedentes de Fagersta (Suecia) y liderados por el histriónico Howlin’ Pelle Almqvist junto a su hermano Nicholaus Arson, “Vigilante” Carlstroem, Dr. Matt Destruction y Chris Dangerous, quienes consiguieron ponerse en lo más alto de las listas Indies con su hit Hate To Say I Told You So en 2001, con un estilo chillón, guitarrero, machacón y contundente y unas indumentarias siempre en dos colores: blanco y negro, muy al estilo The Knack o Talkin’ Heads.
Estos suecos chiflados practican el garage rock ya desde su ciudad natal, siguiendo una tradición sueca en la que está en boga este estilo, también practicado más o menos habitualmente por paisanos suyos como Mando Diao o The Cardigans, aunque estos tengan un estilo más desenfadado y alocado que los mencionados. En directo lo rompen con Pelle haciendo de las suyas y los orondos Matt y Vigilante poniendo el ritmo para que Nicholaus se luzca con sus riffs demoledores.
The Hives debutaron en disco en 1997 con Barely Legal (precedido del EP Oh Lord! When? How? de 1996), donde ya se demuestra su tendencia uniformada y pendenciera, metiendo caña con temas como A.k.a.I-D-I-O-T o Well, Well, Well, aunque tardarían tres años más para conseguir el reconocimiento internacional con su segundo álbum Veni, Vidi, Vicious en el que se encuentra su más famoso tema Hate To Say I Told You So, todo un himno de este siglo, al que le acompañan Die, All Right! o Main Offender, muy en la línea. Su discográfica, visto el tirón, sacaría un recopilatorio con mucho éxito, Your New Favourite Band (2001)
El tercer trabajo de estos suecos blanquinegros, Tyrannosaurus Hives (2004) se hace esperar debido al éxito del anterior con giras mastodónticas incluidas, y aunque no llega al nivel del anterior sí que nos deja buen sabor de boca con genialidades como Walk Idiot Walk o A Little More For Little You.
The Black and White Álbum (2007), es su trabajo más flojo, no aporta nada nuevo, más de lo mismo, si acaso destacar Tick Tick Boom o Won’t Be Long, pero ya en su posterior LP, Lex Hives (2012), la banda retoma la senda de la calidad y la genialidad con cosas como Go Right Ahead, Wait a Minute o Come On!, siendo hasta el momento su último trabajo. Aparte de su brillante discografía, cabe destacar su colaboración navideña con Cyndi Lauper.
Los esquizofrénicos escandinavos que me cautivaron con su ritmo desenfrenado e histérico pertenecen al panteón de ilustres de los grupos y artistas forjados en el nuevo siglo.
Hate To Say I Told So…!

En Memoria de Ciudad Juárez


At The Drive In. Grupo formado en 1993 en El Paso por Cedric Bixler-Zavala, Omar Rodríguez López, Jim Ward, Paul Hinojos y Tony Hajjar, desarrollando a lo largo de su carrera (hasta 2000 en que Cedric y Omar se marcharon para formar The Mars Volta) un sonido inigualable y peculiar, al que alguien etiquetó como “Post hardcore”, con tintes progresivos y detalles punk y hard rock, siendo experimental la palabra más adecuada para definirlos.
Lo que destaca por encima de todo en esta banda erradicada en El Paso pero multicultural (mexicanos, yanquis, portorriqueños, chilenos y libaneses), aparte de sus poderosas composiciones cambiante y chirriantes, es su colosal directo: de hecho están considerados como uno de los mejores grupos de la historia en conciertos los cuales resultan arrebatadores, toda una descarga de adrenalina y sonido a raudales.
En 1996 , tras un par de EPs exitosos, At The Drive-In publican su primer disco largo, Acrobatic Tenement, con líneas duras de guitarras y ritmo próximo al hardcore, con la voz de Cedric inundándolo todo a base de medidos berreos. Destacan Initiation y Porfirio Díaz.
Tras el EP El gran Orgo (1997, del que se extrae el tema Fahrenheit), sacan su segundo LP en 1998, In/Casino/Out, en el cual las composiciones y los títulos de las mismas se vuelven más complejos e intrincados, con muestras como Napoleon Solo o Pickpocket. Le seguiría el EP de 1999 Vaya con su single Metronome Arthritis, preparándonos para lo que vendría después.
Relationship of Command (2000), supone el súmmum, la cima, la sublimación de la música de At The Drive -In. Un disco mayúsculo y casi perfecto, tanto es así que un año después de su publicación Cedric y Omar se irían para formar The Mars Volta, no sin antes dejarnos tesoros sonoros como este maravilloso Invalid Litter Dept. -dedicado a las víctimas de Ciudad Juárez- One Armed Scissor, Arcarsenal, Pattern Against User, Rolodex Propaganda (junto a Iggy Pop), Sleepwalk Capsules, Cosmonaut…todo el disco merece la pena. Y ya no digamos sus conciertos de la gira final, apoteósicos.
En 2005 sacaron un recopilatorio con rarezas, The Station is Non-Operational, pero en 2012 sorprendieron reuniéndose para una gira increíble. Aún esperamos que hagan algo en estudio, aunque con estos genios raros nunca se sabe…
On My Way Nails Broke and Fell Into the Wishing Well, Wishing Well, Wishing Weeeell…!

Jugando a Cantar


Los Toreros Muertos. La irreverente, jocosa e irónica propuesta musical que en 1985, cuando la Movida languidecía, formaron el gallego Many Moure, el argentino Guillermo Piccolimi y el gaditano actor, humorista y lo que haga falta Pablo Carbonell, sin duda el cerebro perpetrador de esta juerga musical.
Porque en el aspecto rítmico o lírico , este grupo bordeaba el estilo desenfadado y crítico la Orquesta Mondragón pero con más sorna y mala leche, con muchas reminiscencias de Madness o Talking Heads es decir, ritmos skas ligeros incluso con toques de fanfarria.
Su primer disco, 30 años de Éxitos (1986) supuso un shock, ya que Carbonell era conocido por sus sketches junto a Pedro Reyes en el mítico programa juvenil de TVE La Bola de Cristal, pero se desconocía su faceta musical. Así, cuando empezó a cantar deja ya de joder Yo no me Llamo Javier o a narrar las peripecias de su orina en Mi Agüita Amarilla, sencillamente causó furor entre los de nuestra generación.
Con su segundo LP llego la fama, los bolos y el despendole en directo muy a lo Siniestro Total. Por Biafra (1987), mi disco favorito de estos difuntos matadores, nos enseñó que el Cielo es Azul, que My pencil and My Book are On The Desk, que a Carbonell le gusta jugar con su amigo Manolito, que Pilar no tiene Bicicleta pero que…bueno, Vámonos al Campo.
Con Mundo Caracol (1989), el grupo sufre un pequeño bajón creativo, aunque nos dejan buenos temas como Falangista o A Tu Casa.
En su cuarto y último trabajo, Los Toreros Muertos Cantan en Español (1992), Carbonell ya está con la cabeza en otro sitio, con miles de proyectos en cine y TV juntos su amigo El Gran Wyoming. Poco destacable de este batiburrillo final, si acaso Tu Madre Tiene Bigote o José Madero.
Al final, siguen reuniéndose para conciertos y giras pequeñas, pero cada uno a su aire.
Carbonell, como siempre sigue haciendo el gamberro en cine, televisión (acordaos de sus gloriosas entrevistas en Caiga quien Caiga) y lo que le dejen. Su última incursión musical la vimos en 2007 con un vídeo sanferminero para Kukuxumusu, El Kalimotxo de Mamá...
Gloriosos momentos de desenfreno y parranda la de estos diestros malogrados que siempre me evocarán recuerdos de noches de adolescencia, en las que berreábamos como locos:
Y creo que he bebido más de cuarenta cervezas hoy…!

Una Obra Maestra para un Trozo de Carne


Meat Loaf. La primera acepción que nos encontramos en el traductor para definir este término es Trozo de Carne. Literal. Así es como comenzaron a llamar en la escuela de actores de Los Ángeles al orondo texano Marvin Lee Aday, un tipo grande y hosco pero con mucho talento interpretativo. Tuvo su oportunidad en un género tan en boga en el momento como los musicales y participó en varios tan reconocidos como Hair o The Rocky Horror Show, lo que le impulsó a iniciar una carrera como cantante, con un primer disco compartido con Stoney, su compañera en Hair. Esta decisión vino muy motivada por su encuentro en 1971 con su alter ego y media naranja artística, Jim Steinman, sin el cual hoy no estaríamos hablando de nada de esto. Este genio raro, feo y freaky le iba como anillo al dedo a Meat Loaf, y cuando Steinman compuso Bat Out of Hell fueron rechazados discográfica tras discográfica durante casi seis años. La verdad es que es una obra histriónica, exacerbada, con muchos altibajos, pomposa y recargada, pero a la vez tiene una magia que te atrapa con esos riffs agudísimos, las líneas de piano magistrales, letras juveniles y las notas de tres octavas que se escapan por el vozarrón de Aday. El único que pareció darse cuenta de todo ello fue el ex guitarra de Utopía y productor Todd Rungren, quien no se lo pensó dos veces y les lanzó al estrellato. Hoy Bat Out Of Hell se encuentra entre los diez discos más vendidos de la historia con 34 millones de copias. Para mí lo injusto es que Steinman salió mal parado ya que simplemente figura como pianista y compositor, pero no se le atribuye el gran mérito de haber parido joyas como You Took The Words Right Out Of My Mouth (Hot Summer Nights), el baladón Heaven Can Wait, All Revved Up With No Place To Go o Paradise By The Dashboard Light. Todo el disco es una joya( tildado de nueva ópera rock), en gran parte inspirada por el Born To Run de Springsteen pero con un sello muy personal.
Este fue el techo de Meat Loaf como banda (el actor tuvo papeles en pelis como El Club de la Lucha), aunque tras un segundo disco muy aceptable y en la línea del anterior (inolvidable Dead Ringer For Love junto a Cher), y dos bazofias infumables a continuación que ni mencionaremos, en 1993 Steinman se pone las pilas tras un largo parón de casi diez años sin componer y sale a la luz el Bat Out of Hell II:Back Into Hell, con el que conseguirían el reconocimiento mundial con la celebérrima y laureada número uno mundial I’d Do Anything For Love (But I Won’t Do That) con la colaboración femenina de Lorraine Crosby. Otros temas del reseñables del disco son Rock and Roll Dreams Come Through o Objects in The Rearviewmirror Can apear Closer Than They Are.
Su siguiente trabajo es el título fuera de los Bat Out… que más éxito les dió, Welcome To the Neibourghood (1995), a pesar de des marcharse un poco del anterior consigue muy buenos cortes con cosas como el dueto con Patti Russo I’d Lie For You (And That’s The Truth), con Sammy Hagar en Amnesty is  Granted, o el cover de Tom Waits Martha.
Ya en el Olimpo y sin deber nada a nadie, Meat Loaf y Steinman (que no lo habíamos mencionado antes pero que relanzó la carrera de Bonnie Tyler con temazos como Total Eclipse of The Heart) editaron varios LpS más entre los que se encuentra la parte III del Bat Out of Hell que no he podido acabar de escuchar las tres veces que lo he intentado…porque siempre vuelvo a la primera, a la de 1977, aquel álbum que me compré con diecisiete años por recomendación de un amigo y no ha pasado un año desde entonces si que no la haya escuchado al menos una vez entero. Obra maestra intensa, barroca, a medio camino entre Bruce, Queen o el Metal melódico de fines de los setenta, con influencias de Broadway y dos genios a la voz y al piano que, a pesar de su friquismo consiguieron convertir a su murciélago en leyenda.
Like a Bat Out Of Hell I’ll Be Gone When The Morning Comes…!

Autosuficiente Permanente


Parálisis Permanente. Los precursores del Post punk gótico y siniestro en nuestro país. Procedentes de Pegamoides, Eduardo Benavente y Ana Curra , junto con Rafa Balmaseda y Toti Árboles lograron en tan sólo dos años (1981-1983) un éxito inusitado que les llevaría a abanderar la parte punk y contracultural de la Movida madrileña.
El gran culpable de todo esto fue un madrileño llamado Eduardo Benavente, quien con tan sólo dieciocho años, y habiendo ya integrado varios grupos entre ellos los Pegamoides de su amiga Alaska, formó junto a su hermano Javier, Nacho Canut y Ana Curra una escisión amistosa de los primeros que pretendía ser una banda paralela en la que plasmar sus tendencias siniestro-góticas, con una temática auto destructiva y de inclinaciones suicidas pero con un verdadero trasfondo de crítica social dentro de un estilo cercano a Joy Division, Siouxsie and The Banshees o The Cure.
Eduardo, que comenzó como batería, pronto se haría con las riendas del cotarro y tras la marcha de Javier y Canut, ( habiendo colaborado con ellos en algún concierto Jaime Urrutia de Gabinete, por entonces en la onda postpunk) reclutó a Balmaseda de Derribos Arias y a Toti, que luego formaría en Dinarama junto a Alaska y Nacho Canut. En sólo dos años logro una intensidad sonora, compositora y productiva , con nada menos que 24 canciones grabadas en sólo dos años, entre las que se encuentran dos versiones, Quiero ser tu Perro ( de The Stooges) y Héroes, que homenajea de manera magistral a Bowie. Benavente había compuesto Quiero ser Santa para Pegamoides y la rescató como EP haciéndola más dura con su voz desgarrada, acompañándola en el mismo la increíble Unidos y Un Día en Texas, que recuerda la famosa matanza.
Parálisis Permanente únicamente editó un disco, El Acto (1982), pero fue una obra grandiosa dentro de los parámetros de la Movida, con canciones intensas y desgarradas como Autosuficiencia, Esto No Es, Tengo un Pasajero o Todo El Mundo, entre otras.
Nunca sabremos qué hubiera sido de esta pedazo de banda si el coche en el que viajaba Benavente junto a Curra y Toti no se hubiera salido de la carretera en Alfaro camino de un concierto en Zaragoza un fatídico 14 de mayo de 1983 cuando sólo tenía 20 años.
Parálisis estaba preparando su segundo álbum del que tenían un par de canciones que se editaron como Single, Nacidos para Dominar y Sangre.
Realmente fue una pérdida notable y dolorosa ya que el grupo se disolvió y cada uno siguió su camino, aunque su discográfica sacó un recopilatorio con todas sus grabaciones que nos ayuda a recordar su grandeza.
Siempre nos quedará en la retina la palidez aniñada de un crack pueril que revolucionó con sus letras sangrientas y descarnadas el panorama musical español de los ochenta. Corta vida en la tierra, larga vida en nuestros corazones.
Encerrado en mi casa…Todo Me Da Igual…Ya No Necesito A Nadie…No Saldré Jamás!

Y el incendio nos despertó


Arcade Fire. Ese incendio en la sala de videouegos de Exeter, New Hampshire, inventado o no, fue el hecho que incitó a Win Butler a ponerle ese nombre a su banda afincada en Montreal.
Por cierto, qué grandísima banda. Posiblemente estemos ante un de los fenómenos más revolucionarios de la música actual.
Desde que empezó el siglo XXI parecía vivirse un letargo musical del que era difícil despertar.  Ellos lo consiguieron incendiando el rock, revolucionándolo de arriba abajo con su música ecléctica, teatral, a ratos anárquica pero coral a la vez, con la mayor parte de sus miembros multi instrumentistas, rotándose en sus funciones, intercambiando roles, creando escenas teatrales a la vez que tocan, actuando la música, podríamos decir. Sus conciertos son efemérides, acontecimientos únicos, derroches de talento y originalidad.
Los culpables de esta joya del nuevo siglo son el americano Win Butler, el ideólogo junto a su esposa la canadiense de origen haitiano Régine Chassagne. Junto a ellos, el hermano de Win, William Butler, Richard Reed Parry, Tim Kingsbury , Jéremy Gara, Sarah Neufeld y Owen Pallet. Numerosos y brillantes, usan instrumentos como la zanfona raros en un grupo indie.
En cuanto a su discografía, tienen cuatro trabajos editados: Funeral (2004), Neon Bible (2006), The Suburbs (2010) y su último disco Reflektor de 2013.
De su primer trabajo, colosal, épico y legendario destacamos este Wake Up, Une Année sans Lumière, In The Backseat o Haiti (en recuerdo a los orígenes de Chassagne).
Del segundo podemos mencionar,aparte de haber sido grabado en una Iglesia, el temazo Keep the Car Running.
Su tercer LP, The Suburbs, colmado de reconocimiento y éxitos como Grammy a mejor álbum del año, contiene joyas como The Suburbs, Ready To Start, We Use To Wait o Month of May.
Su último trabajo, Reflektor, nos deja temas como el homónimo Reflektor, You Already Know o la maravillosa Afterlife.
Además de todo ello, han creado la banda sonora de la película de Spike Jonze Her y han participado y deslumbrado en Saturday Night Live junto a Bono, Ben Stiller o Zach Galifianakis.
Su grandeza ya es elogiada, es normal. Y es que, al final, ese incendio de la sala de videojuegos nos hizo despertar del letargo sonoro para imbuirnos en una experiencia sublime y única.
Wake Up…!

Poesía transgresiva


Extremoduro. O lo que es lo mismo, Robe Iniesta, el cacereño de Plasencia, cantante , guitarrista, compositor, fundador y ” de tó” en una de las bandas más originales y exitosas de nuestro panorama musical. Sin apenas padrinos ni publicidad sacaron sus primeros discos con un rock urbano ( ellos le llaman transgresivo), con temática callejera, toxicómana y delictiva apoyada por los poemas descarnados del Robe y de su colega Manolo Chinato.
Ya desde sus primeros éxitos Extrema y Dura o Jesucristo García, la banda se empieza a rodear de una legión de fieles conscientes de que en directo sus ídolos son imprevisibles, capaces de lo mejor y lo peor. Con los años, evolucionan a un rock más progresivo, con ejemplos como La Pedrá, pero con lettras igualmente mordaces, hasta que llega su gran éxito, Agila (ya con “Uoho” Antón a la guitarra y producción), con temas como este su himno, Sucede, Prometeo o El Día de la Bestia (para la peli de Álex De la Iglesia).
Su directo Iros todos a Tomar por Culo ( explicito el nombre), para mí es lo mejor de su carrera donde retoman clásicos suyos como Bri Bri Bli Bli, La Hoguera o Deltoya.
Grupo personalísimo y con mucho carisma que ha creado muchisimas infuencias en bandas posteriores (escuchar Marea por ejemplo,evoca inmediatamente a los extremeños).
La pregunta es: a ver cuánto más aguanta el Robe… So Payaso…Me tiemblan los pies… A su lado…!

Las cabezas parlanchinas de Byrne

Talking Heads. Qué gustazo hacer un post sobre este grandísimo grupo, innovador transgresor,iniciador de tendencias, caminos nuevos e inexplorados hasta entonces e imaginativo y creativo hasta decir basta.
Un nombre propio destaca sobre el resto: David Byrne, el enorme, histriónico e irrepetible genio escocés afincado en USA que guió a sus compañeros de la Escuela de Bellas Artes de NYC Tina Weymouth, Chris Frantz y Jerry Harrison hasta lo más alto del Olimpo de la música de los setenta y ochenta.
Unos primeros años con un estilo punk con elementos dance e indicios de lo que sería la new Wave de la que se les considera precursores, con temas como Psycho Killer (mi favorita) o Take Me to The River, deja paso a una etapa con Brian Eno de productor, donde preponderan los sintetizadores y un sonido más ochentera. Prueba de ello son este Once in a Lifetime, Burning Down The House, And She Was o Road To Nowhere.
Ya en 1986 encuentran su momento más importante a nivel mainstream con temas como Wild Wild Life, uno de los más conocidos y de los que más pegó en ventas y en radio fórmulas.
Pero la verdadera herencia de esta grandísima banda y su carismático líder fue su aportación inestimable a nivel creativo, sus gritos, sus gestos, sus letras, sus poses, su constante desafío a lo establecido y a quienes lo establecen. Grandísimos e inolvidables.
Once in a Lifetime…!

El lírico metal armenio

System of a Down. Pero qué grande es este grupo. Si te gusta y lo llegas a entender, claro. Porque no es fácil. Lo mío con ellos fue amor a primera escucha, pero reconozco que no es fácil.
Los chicos del carismático barítono metal Serj Tankian, todos americanos pero de ascendencia armenia, practican un metal muy característico mezclando guitarras y bajos de líneas poderosísimas y densas haciendo gala de sus orígenes heavys unidos a alguna fase de Rap y detalles folk caucasianos con mandolinas, violines y otros instrumentos que dotan a su música de un sonido irrepetible.
Este Chop Suey es prueba de su eclecticismo, pero también tenemos su fabuloso Aerials, Toxicity, B.Y.O.B., Lonely Day y muchas otras joyas histriónicas con las que nos deleitan disco a disco. Fueron el primer grupo desde los Beatles en poner dos discos en el número uno de ventas USA en el mismo año ( Hipnotyze y Mezmerize). Eso da una idea de lo famosos que son allí.
Una curiosidad: En la primera edición de OT, la profesora británica les puso a Bisbal y compañia esta canción entera como ejemplo de lo que se puede hacer con voces y coros….fliparon a colores. En mi opinión, SOAD son de lo mejorcito de este siglo XXI.
I Cry When Angels deserve to Die..!

La guitarra del trueno y la aguja


John Anthony Genzale Jr. Mundialmente conocido como Johnny Thunders. El guitarrista drogadicto, alcohólico y underground por antonomasia. El rey de las Bootlegs o grabaciones piratas, sólo así se ha ido conservando gran parte de su impresionante legado.
Johnny cantaba mal, era arisco, drogodependiente hasta extremos insospechados, su concepto de tocar la guitarra era desafinando y distorsionando…pero tenía una cosa que ya quisieran muchos: un enorme y gigantesco carisma.
Después de su marcha de los New York Dolls en 1975, Thunders fue dando algunos tumbos musicales hasta que dio con The Heartbreakers, con los que grabó el LP L.A.M.F., obra de culto de la escena neoyorquina.
Posteriormente inició su carrera en solitario con el album So Alone, al que le seguirían varios más, pero su irregularidad, sus altibajos personales y su falta de publicidad hicieron que se mantuviera siempre en un plano modesto a nivel de clubs y salas, aunque la repercusión e influencia que ha tenido para los músicos de posteriores generaciones ha sido brutal.
Quedan en el recuerdo sus sublimes y desafinadas canciones, como este You Can’t put your Arms Around your memory, genial y con enorme personalidad, versioneado por gente como Blondie o los mismísimos Guns N Roses; su éxito Born To Lose con los Heartbreakers, So Alone o su versión de As Tears Go By y de Que será será (rozando lo bizarro).
Nos dejó en un hotel de Nueva Orleans a los 39 años con una aureola de leyenda maldita que hace de Thunders un icono por sí mismo de la cultura underground.
Su figura siempre me fascinó.
You Can’t Put Your Arms Around Your Memory..!

No somos más que mamíferos

Con este estribillo socarrón, indecente y rayando lo obsceno, este grupo de descerebrados de Pennsylvania llamados Bloodhound Gang optaron por practicar un rock rapeado con tintes techno y funk pero prevaleciendo en su pose, sus letras y sus videos una cosa por encima de todo: el humor, la ironía y el sarcasmo ( no siempre de buen gusto) , humor americano , para que nos entendamos.
Ejemplos cono este Bad Touch, en el que salen todos los integrantes disfrazados de monos salidos, o Fire Water Burn, bailando con unos ancianos, o Along Comes Mary dan muestra de lo que dio de sí esta banda, que si bien no se convirtieron en genios de la industria, sí que dieron guerra en listas y sonaron bastante en los bares.
You and Me Baby Ain´t Nothing but Mammals, So let´s do like they do on the Discovery Channel…!