Cine & Música #68: Flash Gordon


Flash Gordon. Pelicula británico-estadounidense de 1980 basada en los cómics del mismo título que el dibujante Alex Raymond creara en 1934 para la King Features Syndicate, dirigida por Mike Hodges, producida por Dino De Laurentiis y protagonizada por Sam J. Jones en el papel de Flash, Melodie Anderson como Dale Arden, Chaim Topol como el Dr. Zarkov, Timothy Dalton como el Príncipe Barin, Ornella Mutti como la Princesa Aura y el gran Máximo Von Sydow como el Emperador Ming el impío de Mongo, la cual narra las peripecias fantásticas de un jugador de fútbol americano llamado Flash Gordon que en un momento dado se encuentra en otro mundo al embarcarse junto a Dale Arden y el Dr. Zharkov en una peligrosa aventura en el Planeta Mongo para combatir la tiranía del Emperador Ming, el cual ha lanzado una de sus lunas para que choque contra la tierra y así destruir la raza humana.
Endeble argumento para una endeble película que acaba parodiándose a sí misma, con un actor bastante mediocre como es Sam J.Jones en el papel de Flash, el cual fue nominado a los premios Razzie al peor actor del año 1980, pero que físicamente es un convincente protagonista, no ya en cuanto a sus dotes artísticas, bastante limitadas. El resto de elenco es bastante aceptable con un Max Von Sydow muy convincente como siempre en el papel de Emperador Ming y Timothy Dalton con unas horrendas mallas verdes en contraste con el universo rojizo y dorado del planeta Mongo que el no muy conocido Mikel Hodges intentó sin mucho éxito plasmar a imagen y semejanza de las atmósfera reflejada en el cómic y en un anterior film sobre Flash Gordon de 1934.
Lo que realmente merece la pena de este despropósito de película ( aunque yo la vi con ocho años y me encamtó), es su banda sonora de auténtico lujo, de lo poco salvable de la cinta, a cargo de nada más y nada menos que Queen, a quienes se encargó realizar la banda sonora completa y que respondieron con creces al reto pariendo un álbum muy bueno ( aunque desgraciadamente sea lo peor de su discografía), con canciones como Flash’s Theme, Football Fight, In The Space Capsule (The Love Theme), The Kiss (Aura Resurrects Flash), o The Hero, estando a cargo los británicos de la totalidad del score, lo que le da un ambiente más kitsch si cabe a una película que sin dejar de ser friki y rallando la serie B, tiene su encanto por el hecho de que no deja de ser entretenida para el espectador, a pesar de todas sus deficiencias cualitativas y técnicas.
No obstante, nadie se ha atrevido aún a hacer un remake del film por sus lagunas a nivel guión, poco convincente y habrá que esperar a que alguien se atreva a revivir a uno de mis personajes de cómic favorito.
Flash…A Ah…King Of Impossible…!

Cine & Música #67: Corazón Salvaje


Corazón Salvaje. Película norteamericana dirigida en 1990 por David Lynch y protagonizada por Nicholas Cage en el papel de Sailor, Laura Dern en el papel de Lula, Willem Dafoe, Diane Ladd (nominada para el Óscar a Mejor Actriz de Reparto por su gran papel) y Harry Dean Stanton.
Película del género road movie con un irónico estilo absolutamente noventero y con el sello Lynch, muy retro en los atuendos , los casilla a, los tupés, pero muy de fin de siglo por su temática sórdida, la constante huida, la ausencia de valores en pro del dinero y d la vida fácil, el amor confundido con el deseo.
La película tiene elementos interesantes pseudo oníricos, dándole mucho importancia a los sueños, presente en toda la obra de Lynch ( Twin Peaks o Mulholland Drive por ejemplo), siempre acompañados de turbios acontecimientos en los cuales Sailor ve como la madre de Lula y el amante de esta asesinan al marido y padre de su novia, acusándole a el de ello y pagando penitencia en la cárcel. Tras un permiso se fuga con su “Bicho”, iniciándose una persecución trepidante y rocambolesca, que engancha y crea repelús al mismo tiempo.
Lo que realmente merece la pena de este peculiar film de culto es su banda sonora, con el score a cargo del gran Angelo Badalamenti ( Twin Peaks, Blue Velvet), colaborador habitual de Lynch en sus melodías de películas y series y que además fue ta con temas de auténtico lujo como este Wicked Game del gran Chris Isaak, icónico sobre todo gracias a este largometraje, muy adecuado para momentos como los de la fuga y el romance entre Sailor y Lula.
Otros temas de interés en la película son el fantástico In The Mood de Glen Miller y su orquesta, Love Me Tender, escrita por Leiber & Stoller ( sociedad que engrandeció a Elvis) y que interpreta el polifacético Cage; Koko Taylor con Up in Flames; Slaughter House de Powermad; Baby Please Don’t Go de Them; Be Bop A Lula (de la que se saca el nombre de la protagonista) de Gene Vincent; otros dos temas de Chris Isaak como son Blue Spanish Sky o In The Heat of The Jungle y algunas otras perlas de música clásica como Kosmogonia de Krzystof Penderecki o Im Abendrot de Richard Strauss.
Un score monumental para una película interesante, más visual y efectista plástica y estéticamente hablando que a nivel de argumento, muy manido pero con mucha influencia en posteriores películas de la década .

Cine & Música #66: Spaghetti Westerns


Buenas Noches, hoy dentro de nuestra habitual sección de Cine & Música no nos limitaremos a centrarnos solo en una película, sino que abarcaremos una serie de películas con un nexo común: el autor de la mayoría de sus bandas sonoras, un tal Ennio Morricone, que revitalizó el género que dirigió casi siempre con maestría Sergio Leone desde el almeriense desierto de Tabernas y a través de actorazos como Clint Eastwood, Eli Wallach, Lee Van Cleef , Charles Bronson y tantos otros que auparon el género western a una nueva dimensión y lo relanzaron de una manera esplendorosa, en lo que tuvo muchísimo que ver ( aparte de buena calidad de las películas) fue sin duda sus geniales e inolvidables bandas sonoras que pasamos a recordar a través de un ranking de las mejores en orden descendente de peor a mejor. Disfrutadlo y hasta la semana que viene.


Décima posición : El Desesperado ( Franco Rossetti, 1967)


Novena Posición: El Halcón y la Presa ( Sergio Solima, 1966)


Octava Posición: De Hombre a Hombre (Giulio Petroni, 1967)


Séptima Posición : El día de la Ira (Tonino Valerii, 1967)


Sexta Posición : Django (Sergio Corbucci, 1966)


Quinta Posición: Salario Para Matar (Sergio Corbucci, 1968)


Cuarta Posición: Por un Puñado de Dólares (Sergio Leone, 1964)


Tercera Posición: Hasta que Llegó Su Hora (Sergio Leone, 1968)


Segunda Posición: La Muerte Tenía un Precio (Sergio Leone, 1965)


Primera Posición: El Bueno, El Feo y El Malo ( Sergio Leone, 1965)

Cine & Música #65: Lo Que El Viento Se Llevó


Lo Que El Viento Se Llevó. Película norteamericana de 1939 titulada originalmente Gone With The Wind, dirigida en 1939 por el trío compuesto por Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood, bajo la producción de David O. Selznick, basada en la novela del mismo título de Margaret Mitchell (Premio Pulitzer en 1937), ayudada en la adaptación cinematográfica al guión por Sydney Howard y protagonizada por Clark Gable (Rhett Butler), Vivien Leigh (Scarlett O’Hara), Lesley Howard (Ashley Wilkes) y Olivia De Havilland (Melanie Hamilton), con secundarios inmortales como la criada negra Mammy a cargo de Hattie McDaniel.
La película está considerada como una de las mejores de la historia del cine por varias razones: la primera es la perfecta recreación de la guerra de secesión norteamericana y las reacciones de unos personajes estupendamente bien construidos a raíz de la novela homónima, pero con una fuerza y un carácter inusitados otorgados por sus protagonistas y que le valió a Vivian Leigh el Óscar protagonista a mejor actriz, acompañado de otros nueve más para un total de diez estatuillas que coronan una película soberbia a todos los niveles.
Otro de sus hitos es que Lo que El viento Se Llevó fue la primera película realizada íntegramente en color, por lo que tuvo tal éxito en su estreno que la ciudad de Nueva York quedaría colapsada.
Otro acierto fue el de incluir a varios directores dado lo complicado de su rodaje, el cual duró 125 días, aunque quien manejaba todos los hilos fue David O. Selznick, quien tuvo que lidiar con las extravagancias de Leigh y Gable y con un montaje gigantesco con jamás se había visto en el celuloide: se puede decir que fue la primera gran superproducción de Hollywood a todos los niveles y abrió la veda a filmes legendarios como Ben Hur, Los Diez Mandamientos o Cleopatra, todos ellos emulando la recreación histórica y el gancho de sus intérpretes protagonistas presentes en Gone With The Wind.
Pero si por algo pasó a la posteridad Lo que El Viento Se Llevó fue por una excepcional banda sonora a cabo del mago del momento, el austriaco Max Steiner (King Kong, Centauros de Desierto), el cual supo dotar a la película con su tema principal Tara’s Theme de una trascendencia y dramatismo inusitados hasta la fecha, considerándolo uno de los padres del sinfonismo cinematográfico y elevando los scores a la categoría de música clásica, con composiciones complejas, perfectamente construidas y adaptadas a cada momento del film.
Así, frases como ” Francamente querida, me importa un bledo” o ” A Dios pongo por testigo de que nunca volveré a pasar hambre”, tienen su apoyo musical perfecto en la sinfonía orquestada diseñada por Steiner y que es otra joya más de este maravilloso largometraje de 4 horas de duración que tuvo que emitirse en la televisión americana por primera vez en 1976 en dos días dada su larga duración.
Recuerdo a mi abuela viendo la película por trigésimo cuarta vez repetir cada comentario, cada frase con la pasión de quien sabe que está viendo una auténtica obra maestra irrepetible e incomparable. Quizás estos dos sean los adjetivos que más se ajustan a esta epopeya sureña que marcó un antes y un después en la historia del cine.

Cine & Música # 64: Loca Academia de Policía


Loca Academia de Policía. Saga de 7 películas y una serie de dibujos animados titulada Police Academy, iniciada con la primera en 1984 y de momento la última se estrenó a mitades de los noventa. La producción de todas ellas corre a cargo de Paul Maslansky, quien dejó la dirección de cada capítulo de la saga a distintos directores, siendo la primera y más famosa dirigida por Hugh Wilson, aunque luego se sucederán otros como Jerry Paris (2, 3,) o Jim Drake (4,5), y también sus actores/ personajes, que son los alumnos de la academia de policía de San Francisco y que  constituyen la columna vertebral de la saga.
Tenemos en primer lugar al espabilado y simpático Mahoney (Steve Guttenberg), que protagoniza la mayoría de las cintas; está el violento y patriota Tackleberry ( David Graf); el gigantesco pero bonachón Moses Hightower ( Bubba Smith); el genial Michael Winslow, el hombre de los mil sonidos que genera multitud de escenas jocosas; la pechugona y mandona Teniente Callaghan (Leslie Easterbrook); el simpático japonés Nogata; el despistado y paternal Comandante Lassard; el mezquino y frustrado Teniente Harris junto a Proctor, su ayudante, los cuales frecuentaban garitos equivocados como La Ostra Azul y eran foco de escarnio por parte de los demás alumnos de la Academia, que siempre les devolvían los golpes que esta pareja de estúpidos taimados intentaban asestar.
En cuanto a la banda sonora, pues decir que es una de las amas famosas cuantas películas cómicas se realizaron en los años ochenta, a cargo de Robert Folk, auténtico especialista en realizar bandas sonoras y scores destinadas a películas de comedia , dirigidas a adolescentes o pseudo infantiles.
No obstante, a pesar de que la banda sonora es popularísima y de hecho ha sido interpretada hasta la saciedad por bandas de música, comparsas y orquestas sanfermineras, siendo acompañada por piezas como El Bimbó cuando entraban en La Ostra Azul para efectuar apasionados bailes de parejas del mismo sexo.
Saga mítica, banda sonora mítica, y en definitiva, herencia imborrable de los tiempos de nuestra infancia en el que el cine artesanal, cómico, de situaciones jocosas, era una auténtica delicia y una de nuestras mayores aficiones.

Cine & Música #63: Rock Of Ages


Rock of Ages. Largometraje musical norteamericano dirigido en 2012 por el coreógrafo y bailarín Adam Shankman, basado en la exitosa producción musical de Broadway y coralmente protagonizado por estrellas como Tom Cruise, Catherine Zeta-Jones, Paul Giamatti, Alec Baldwin Russell Brand, Maln Akerman y los noveles protagonistas Julianne Hough y Diego Boneta, que narra en clave de comedia musical las aspiraciones de una pareja de jóvenes y sus sueños en un entorno rockero de un club llamado Bourbon en el que se entrelazan ambiciones, intereses encontrados, pasiones desenfrenadas y un desenlace acorde a lo que viene siendo una obra de Broadway coral y ecléctica, que desembocan en una película entretenida de ver pero muy superficial en su contenido, con mucho fuego de artificio, muchos números espectaculares y coreografías cuidadísimas, aúnque con un mensaje absolutamente hueco y manido.
Lo que realmente merece la pena en este film es su contenido musical, las adaptaciones de himnos del rock que se hacen en el mismo, aderezados por impresionantes coreografías fruto del conocimiento profundo de Shankman del mundillo y ambiente de Broadway.
En cuanto al score, nos encontramos con himnos retocados y adaptados al cantante o intérprete en cuestión, desfilan por esta banda sonora y por las escenas claves de la película himnos como I Love Rock N Roll de Joan Jett & The HeartBreakers; More Than Words de Extreme; Wanted Dead Or Alive de Bon Jovi; I Want To Know What Love Is de Foreigner; I Wanna Rock y We’re Not Gonna Take It de Twisted Sister; Pour Some Sugar On Me y Rock of Ages de Def Leppard; Shadows Of The Night de Pat Benatar; Here I Go Again de Whitesnake; Can’t Fight This Feeling de REO Speedwagon; Every Rose Has Its Thorn de Poison; We Built This City de Starship; Paradise City de Guns N’ Roses; Like a Hurricane de Scorpions; Anyway You Want It y Don’t Stop Believin’ de Journey como colofón a una sinfonía musical que nace de un homenaje al rock americano, en especial al AOR de los setenta, ochenta y noventa, más aún refrendado esto con canciones que contiene la BSO y que no aparecen en la película, como I Remember You de Skid Row, Everybody Wants Some!! de Van Halen o Cum’ On Feel The Noize de Quiet Riot.
En definitiva, película entretenida de ver, sobre todo con sus números musicales, aunque no va más allá de sus efectos visuales, de su atractiva pareja novel, sin olvidarnos de un elenco increíble de actores que sustentan la película de principio a fin, Ante todo Rock Or Ages es una película musical que rinde pleitesía a Broadway y a los mitos del rock norteamericano.
Don’t Stop Believin’…!

Cine & Música #62: Dos Tontos Muy Tontos


Dos Tontos Muy Tontos. Película norteamericana de 1994 titulada originalmente Dumb and Dumber, dirigida y escrita por Bobby y Peter Farrelly (Algo Pasa con Mary, Pegado A Ti) y protagonizada por Jim Carrey, Jeff Daniels, Lauren Holly y Charles Rocket, que narra en clave de comedia irreverente, hilarante y desternillante las aventuras de dos amigos con inteligencia muy escasa, Harry/ Daniels, conductor de una furgoneta decorada enteramente como un perro y Lloyd/ Carrey, quien trabaja en un servicio de limusinas como chofer y se enamora de su clienta Swanson / Holly, la cual sale horrorizada de la limusina pero se deja un maletín, lo cual hace que ambos amigos emprendan una disparatada aventura para devolver el maletín en una road movie de lo más inusual, con golpes realmente magistrales como esta escena de la moto, o la del autobús con las chicas en bikini, o la de Daniels chupando la barra del telesilla con la lengua y quedándose pegado a ella.
Tanto éxito tuvo esta en ocasiones ridícula pero hilarante comedia que recientemente se han hecho dos películas más sobre esta pareja de entrañables pero estúpidos frikis: la precuela protagonizada por actores juveniles titulada Dos Tontos Muy Tontos: Cuando Harry Encontró a Lloyd, que narra su patética adolescencia, y la secula Dos Tontos Muy Tontos Dos que recupera a Carrey y Daniels haciendo más idoteces aún.
En cuanto a la banda sonora, los Farrelly se la encargaron muy sabiamente a Todd Rundgren, quien acertó plenamente dando protagonismo en el score a grupos moda en los noventa como Echobelly con Insomniac, Gigolo Aunts con Where I Find My Heaven ( la canción que suena en la escena que hemos puesto), Crash Test Dummies con The Ballad of Peter Pumkinhead, Nick Cave & The Bad Seeds con Red Right Hand, Green Jelly con The Bear Song, el payasete Willie One Blood con la histriónica Whiney Whiney y temas recuperados de tiempos pretéritos pero que no han pasado de moda como Crash de The Primitives, Can Still We Be Friends del propio Rundgren o la mítica Oh Pretty Woman de Roy Orbison.
Hilarante película con sus excesivos protagonistas y situaciones reculas y jocosas con una banda sonora realmente excelente.
Whiney Whiney…!

Cine & Música #61: The Wonders


The Wonders. Película norteamericana dirigida y protagonizada en 1996 por Tom Hanks junto a Tom Everett Scott, Liv Tyler, Jonathon Schaech, Steve Zahn, Jonathan Embry y Charlize Theron, titulada originalmente That Thing You Do! (Eso que tú haces), que narra la historia de una banda ficticia de Rock and roll de los años sesenta – concretamente 1964-, que únicamente tuvo un éxito. Estamos ante el fenómeno de los One Hit Wonder , bandas de un solo éxito que proliferaron en los sesenta , y su ascenso y caída, de como se ponen en manos de la discográfica Play Tone Records liderada por Mr. White ( Hanks) que mientras las cosas ruedan bien los agasaja y colma de parabienes, incluso forman parte de una película ( en clara alusión biográfica a The Monkees), hasta que empiezan su declive por no conseguir firmar otra canción del calibre del famoso That Thing You Do (por otro lado una de las canciones más conseguidas a la hora de reflejar un estilo musical, en este caso el de la época Beat, junto a la maravillosa Fever Dog de los también ficticios Stillwater de Almost Famous y por encima de todo, una de las más pegadizas de cuantas eh escuchado jamás).
La banda sonora de esta deliciosa película la firma el propio Tom Hanks, ayudado en la composición por Adam Schlesinger ( ex bajista de Fountains of Wayne y Ivy), lo que les valió una nominación al Óscar a la mejor canción que al final no consiguió. Otro detalle muy logrado en el score es el cariz de documental que se le otorga como si realmente The Wonders hubieran existido.
Rescataremos varias joyas aparte del tema central, como Little Wild One, All My Only Dreams o Dance With Me Tonight, junto a otras perlas de la época como Time To Blow de Del Paxton, Voyage Around The Moon de The Saturn 5 o My World is Over de Diane Dane.
En resumen, película deliciosa muy bien dirigida y ambientada que habla además del éxito fugaz, del amor incondicional, de los intereses pasajeros y la idea de que la música mueve emociones .

Cine & Música #60: Superman


Superman. Saga de películas dedicadas al superhéroe de los cómics de la casa Marvel (creado por Jerry Siegel y Don Schuster), que narran las peripecias de Kar-El, el único superviviente del planeta Kripton, que tiene superpoderes como volar, correr como el viento y una fuerza sobrehumana , el cual es adoptado por unos granjeros llevando una doble vida como Clark Kent, tímido reportero enamorado de Louise Lane, y superhéroe salvador del mundo siempre que haga falta.
En la primera película de la saga, dirigida por Richard Donner (1978), el genuino Christopher Reeve en el papel de Superman es acompañado por el villano Lex Luthor, encarnado por el gran Gene Hackman y Margot Kidder en el papel de Louise Lane. La producción corrió a cargo de los hermanos Salkind, amigos de Lucas y Spielberg, a quienes recurrieron para los efectos especiales y el guión fue un encargo de lujo que se encomendó al enorme Mario Puzo.
La Segunda película de la saga, Superman II (1980) fue dirigida por Richard Lester introduciendo a nuevos villanos de Kripton con el general Zod al frente. Superman III (1983) repitiendo con Richard Lester, tiene el encanto de introducir al secundario patoso y gracioso con Richard Pryor y Superman tendrá que luchar contra sí mismo y su debilidad: la kriptonita.
Superman IV (1987) es en mi opinión la más floja la saga original a cargo de Sydney Furie y producida por Globus & Golam, cambiando el concepto y flojeando en taquilla.
Dos cosas tienen en común todas las películas de la saga original protagonizadas por el impecable aunque malogrado Christopher Reeve: sus actores principales y la espectacular música a cargo del genio de los scores John Williams, con una banda sonora bastante similar a la de Star Wars e igual de identificable, que ha hecho de esta saga un documento sonoro indispensable en la historia del cine.
Hubo otros Superman antes y los ha habido y habrà después de Christopher Reeve, pero nadie como este intérprete para reflejar los atributos y valores de un superhéroe dual, con doble cara, pero comprometido a la causa d la humanidad, con sus superpoderes al servicio de la Justicia y enamorado de una adorable charlatana.
Que duda cabe que es mi superhéroe favorito. Si no que le pregunten a mi madre, cuando disfrazado con el traje oficial me lanzaba desde los radiadores de casa al suelo tarareando la sintonía de Williams.

Cine & Música #59: West Side Story


West Side Story. Película norteamericana dirigida en 1961 por Robert Wise (Sonrisas y Lágrimas) y Jerome Robbins (coreógrafo de la versión para Broadway de El Violinista en el Tejado) y protagonizada por Natalie Wood, Richard Beymer, Rita Moreno y George Chakiris, en una adaptación cinematográfica de la obra musical de Broadway de 1957 obra de Leonhard Bernstein en la música y Stephen Sondheim en la letra. Historia recurrente, adaptación del clásico de William Shakespeare Romeo y Julieta, pero ambientada en la Nueva York de los años sesenta en el marco del enfrentamiento de dos bandas rivales, unos puertorriqueños y los otros irlandeses, donde surgirá un romance entre la chica puertorriqueña, María , hermana del líder de los Sharks, Bernardo y uno de los irlandeses de los Jets, Tony, con cuya fórmula ganó nada más y nada menos que diez premios Óscar de once nominaciones: película, dirección, actriz de reparto para Rita Moreno, actor de reparto para George Chakiris, fotografía, dirección artística, diseño de vestuario, montaje, sonido y banda sonora (a cargo de Saul Chaplin, Johnny Green, Sid Ramin e Irwin Kostal). Existen momentos indelebles de la música cinematográfica en este largometraje, tales como María, América ( la más famosa), Tonight, The Rumble, Cool, A Boy Like That I Have a Love y el maravilloso cierre con Somewhere. Es una película icónica en cuanto a lo estético, con sus coreografías impactantes y arrebatadoras, pero a su vez es una crítica mordaz del sueño americano , de la integración de los inmigrantes, del racismo y los estereotipos, es un homenaje a Nueva York, aunque se usaron multitud de escenarios, pero su esencia reside en Manhattan. Sobre todo, West Side Story, sea en su versión Broadway como en la cinematográfica, es una obra que ha trascendido el paso del tiempo, de las modas y de las circunstancias, siendo un documento eterno acerca del amor, las miserias humanas, la lucha por sobrevivir, la capacidad de adaptación a las nuevas reglas y la forma de romperlas. West Side Story era la película favorita de mi abuela, que en paz descanse, y a ella le dedico esta entrada. I Like To Be In America…Okay By Me In America…Everything Free In America…For A Small Fee In America…!

Cine & Música # 58: Terminator


Terminator. Película norteamericana de 1984 ( inicio de una saga de otros cuatro largometrajes más) dirigida por el canadiense James Cameron (Titanic, Avatar) y protagonizada por el musculoso Arnold Schwarzenegger y la atlética Linda Hamilton, en la que se narra como una máquina humanoide / Schwarzenegger, es enviada desde 2029 hasta 1984 para asesinar a la madre del jefe de la resistencia John Connor, Sarah Connor/ Linda Hamilton, para que no se llegue. Producir la rebelión. Tras una persecución trepidante , Sara y Kyle consiguen vencer a la máquina pero se deja un final abierto para siete años después retomar la historia con Terminator 2, The Judgement Day (1991). En esta ocasión, el Terminator llega para proteger a un adolescente John Connor de un nuevo androide casi indestructible. Es mi favorita de la saga por su trepidante acción y por sus toques irónicos, no en vano consiguió cuatro Oscars en 1992.
Terminator 3: La Rebelión de las máquinas (2003), con la inquietante Kristanna Loken como androide pseudo inmortal, es la última película de la saga que he visto, ya que me falta Terminator 4 : The Future Begins, con un Cristian Slater haciendo de John Connor madurito y la última, pendiente de estrenar Terminator 5: Génesis, con estreno previsto en junio.
Todas ellas tienen el sello de una banda sonora muy identificable, firmada por Brad Fiedel ( Mentiras Arriesgadas) y que acompaña como tema principal a todos los filmes de la saga. hay momentos brillantes musicalmente hablando como en Terminator 2, el grandioso You Could Be Mine de Guns ‘N’ Roses, reapareciendo dicho tema en Terminator 4.
En definitiva, gran saga, de la cual me quedo con las dos primeras, sobre todo con la segunda y que está llena de efectos especiales, de tiros y persecuciones, aunque u encierra un mensaje pacifista y antropológico que nos advierte de los peligros de la tecnología mal usada. Por otro lado, esta saga sirvió para inaugurar la moda en el cine de los ochenta de los actores musculosos y con poco talento, como Schwarzenegger, Stallone, Dolph Lundgren, Chuck Norris…Aunque todo hay que decirlo, éxito tuvieron y mucho.
Sayonara Baby…!

Cine & Musica #57: El Golpe


El Golpe. Película norteamericana de 1973 titulada originalmente The Sting, dirigida por George Roy Hill ( Dos Hombres y un Destino ), y protagonizada por el dúo de lujo que ya triunfara anteriormente con el mismo director en la citada cinta del oeste : el seductor Robert Redford y el actor más guapo y canalla de la historia, Paul Newman, en una película ganadora de nada más y nada menos que 7 Oscars de la academia en 1973, incluyendo mejor película, mejor director, mejor guión original y mejor adaptación musical de banda sonora a cargo de Marvin Hamlisch basado en la obra de Scott Joplin, un compositor afroamericano inventor del Rag Time o música de cabaret de la época y que con piezas como The Entertainer o Maple Leaf Rag consiguió mucha popularidad en la época. Ya en los setenta la obra de Joplin es revisitada primero por el músico Joshua Rifkin, con cuyo álbum basado en su música vendió un millón de copias. Esto inspiró a Hamlisch , el cual , al serle encargada la banda sonora por Hill para su largometraje, se le ocurrió que incluir y adaptar la música de Scott Joplin en un ambiente de golfillos, timadores y gangsters de los años 30 le iría como anillo al dedo, como de hecho así fue.
En cuanto a la trama, es una venganza en forma de enredo en la cual un timador de poca monta, Johnny Hooker / Redford pide ayuda al tahur y truhán Henry Gondorff / Newman para vengarse del mafioso irlandés Doyle Lonnegan / Robert Shaw ( inolvidable papel), el cual hizo matar sus compañero al enterarse de que le habían robado.
Así, tras un intrincado y magníficamente bien urdido plan, Gondorff y Hooker consiguen desplumar y dejar a Lonnegan al nivel del betún haciéndole creer que apostar a un caballo ganador le haría millonario cuando todo lo habían preparado ficticiamente.
Magnífica película que no hemos parado de ver repetidamente junto a la cuadrilla ya que su estilismo de gángsters nos ha servido alguna vez para disfrazar nos en la nochevieja pamplonesa, tal y como es costumbre aquí para dar la bienvenida al nuevo año.
Por otro lado, el meticuloso plan fruto de un excepcional guión (también oscarizado), el ambiente cuidadísimo de su escenografía y localizaciones, la fotografía excepcional, el maravilloso reparto y, por último el carisma de sus protagonistas, hacen de esta película una de mis favoritas sin discusión.

Cine & Música #55: Dos Hombres y Un Destino


Dos Hombres y un Destino. Película dirigida en 1969 por George Roy Hill bajo el título original Butch Cassidy & The Sundance Kid, y protagonizada por dos de los galanes del momento en Hollywood y probablemente de toda la historia del celuloide: Paul Newman encarnando al bandido Butch Cassidy y Robert Redford en el papel de Harry Longabaugh, apodado The Sundance Kid ( literalmente el chico que baila al sol), acompañados de Katharine Ross en el papel de Etta, la novia de Longabaugh, donde se narran las peripecias de dos de los más famosos forajidos del Oeste, donde lideran una banda de asaltantes en Wyoming cuya característica es no matar a sus víctimas, aunque durante el asalto a un tren se encuentran un escuadrón de policías que les persiguen con denuedo, con lo que tendrán que esconderse en la recóndita y solitaria casa de Etta, la prometida de Longabaugh.
Allí, además de planificar una huida que les llevaría hasta la recóndita Bolivia ( donde al parecer vivieron y llegaron incluso hasta Buenos Aires siendo ambos asesinados en 1911), se creará un triángulo amoroso entre los tres protagonistas, mascándose una tensión que al final se acaba rompiendo en la huida con un apoteósico final digno de un par de genios y sólo al alcance de dos mitos del celuloide.
Este largometraje no pasó ni mucho menos inadvertido, es más, tuvo un éxito arrollador a todos los niveles: en taquilla, en repercusión mediática, en influencias posteriores ( se han hecho como tres remakes del film) y a nivel de premios, obteniendo nada menos que 4 Oscars de la academia en 1969,- Mejor Guión Original para William Goldman, Mejor Fotografía para Conrad Hall, Mejor Banda Sonora para Burt Bacharach y Mejor Canción para B.J. Thomas por la aclamadísima Raindrops Keep Fallin’ On My Head-.
Uno de los grandes aciertos de esta película, aparte del guión y los actores, fue la confianza depositada por George Roy Hill en el grandísimo Burt Bacharach, el cual compuso, junto a Hal David, uno de los scores más originales de cuantos se hayan hecho, y más para su época, puesto que asumió el anacronismo incluyendo música coetánea de los años setenta en un western ambientado a principios del siglo XX. Para ello compuso un tema central que tras muchos devaneos otorgó a B.J. Thomas, relanzando definitivamente su carrera acompañado de otros siete temas instrumentales muy de Bacharach, como The Sundance Kid, South American Getaway o Not Goin’ Home Anymore.
Es una evocadora cinta que me recuerda la primera vez que la vi con  aquella escena de la bici y Katharine Ross encima de Newman dando vueltas mientras Redford les observaba.
Raindrops Keep Fallin’ On My Head…!

Cine & Música #53: Braveheart


Braveheart. Largometraje estadounidense dirigido, producido y protagonizado por el australiano Mel Gibson en 1995, acompañado en el reparto por Sophie Marceau, Ian Bannen, Brendan Gleeson y Catherine McCormack, que narra la historia ( aunque adaptada) de William Wallace, héroe nacional de Escocia durante las guerras con Inglaterra a finales del siglo XIII y principios del XIV bajo el reinado de Edward I Longshanks, que se decide a luchar por su patria desde el momento en que asesinan a su esposa y comienzan a combatir a los opresores con la ayuda de Robert The Bruce- a la postre Rey de Escocia-, obteniendo clamorosas victorias como en la batalla de Stirling y entrando en Inglaterra e invadiendo York. Le ayudarán sus “primos” irlandeses de la mano de Stephen el Loco y volverá enamorarse esta vez de la princesa Isabel, valiosa aliada que le apoyará en la batalla de Falkirk, tras la cual los nobles escoceses le traicionan, engañando a Robert The Bruce quien apoyaba a Wallace, el cual morirá torturado y decapitado. Robert The Bruce tomará venganza en la Batalla de Bannockburn (1314) liberando por fin a Escocia del yugo inglés.
Película de alto contenido nacionalista pero muy bien recreada por Gibson, no ya históricamente ( bastante fiel a la realidad con algunos matices), sino sobre todo estéticamente, en los ropajes, las maneras y pinturas escocesas, los soberbios y escabrosos primera planos de batalla, siendo de las primeras películas donde se refleja fielmente la crudeza de la guerra.
La banda sonora firmada por el maestro James Horner (Titanic, Avatar), se ha acabado convirtiendo en una de las más famosas de la historia reciente del cine, con momentos trepidantes de batalla, de pasión o de amargura que retratan el ambiente bélico medieval. El orgullo nacional de los patriotas escoceses y el coraje de un guerrero como William Wallace, que pasa por ser indudablemente el mejor papel que Gibson haya interpretado jamàs, por su fuerza, intensidad y compromiso ( Gibson tiene antepasados escoceses). El resultado, 5 Oscars en 1996, ganando Gibson los más importantes, mejor director y mejor pelicula. Horner y su banda sonora se quedarían a las puertas, yendo el Óscar a la BSO de El Cartero de Pablo Neruda.
Recuerdo que esta película la vi en Inglaterra, y que estando en el cine, nada más terminar, mientras echaban los créditos y con el cine lleno de ingleses tres enormes escoceses se levantaron dos filas delante mío y comenzaron a entonar el himno escocés Flower of Scotland, que para quien no lo sepa no es precisamente amistoso con los ingleses… Meses después Escocia ganaría un partido del entonces V naciones de Rugby en Londres y dice la leyenda que antes del partido los jugadores vieron Braveheart. Sea verdad o no, motivar, motiva.

Cine & Música #52: La Misión


La Misión. Largometraje británico dirigido por el anglo-francés Roland Joffé en 1986 y protagonizado por Robert De Niro, Jeremy Irons, Ray McAnally, Aidan Quinn y Liam Neeson, que narra la historia de una Reducción o Misión Jesuita en Paraguay donde los misioneros intentan convertir a la fe y costumbres cristianas a varias tribus guaraníes, encabezando la labor pastoral el Padre Gabriel (Jeremy Irons), y autogestionando los recursos de la misma de forma satisfactoria, cuando conocen a Rodrigo Mendoza (Robert De Niro), cazador furtivo de indios que huyendo de su anterior vida intenta renegar de su pasado integrándose en la comunidad hasta que los intereses encontrados de las colonias portuguesas y españolas hace que estalle el conflicto y que las reducciones queden totalmente destruidas.
Fantástica película de actores que recrea fielmente el espíritu evangelizador y paternalista de las misiones o reducciones jesuitas en Argentina y Paraguay ( llegó a haber 30), y los intereses creados por las colonias para controlar el mercado de esclavos del Paranà. Por otro lado, destaca la transformación espiritual de los protagonistas ( la película está basada en la vida del misionero y escritor peruano Antonio Ruiz de Montoya , desdoblándolo en dos personajes). Por último, el paisaje y la excelente fotografía hacen de este largometraje una experiencia visual difícil de olvidar, no en vano se llevó el Óscar de 1987 a la mejor Fotografía a cargo de Cris Menges, sin dejarnos atrás la Palma de oro de Cannes a la Mejor Película en el mismo año.
Y qué decir de la banda sonora, donde todo un Ennio Morricone nos deleita con un score de tintes épicos, muy inspirado en el Carmina Burana de Orff y los cantos gregorianos, pero a la vez evocador del Nuevo Continente, de aires de conquista y redención, con corales litúrgicas, tambores nativos y guitarras españolas, reflejando fielmente toda la ambientación y el contexto histórico de la película, siendo la misma usada en muchos anuncios y spots publicitarios, sobre todo su tema principal, Falls (Cascadas), y The River como mi favorito. El tema final, Miserere, aglutina todos los temas anteriores en una apoteosis que hace de esta banda sonora imprescindible a la hora de repasar los mejores scores de la historia. Gran Película, pedazo de actores, excelente fotografía y banda sonora de ensueño con el genio Morricone a los mandos.