Annabel y Ricitos de Oro


Goldfrapp. Dúo británico procedente de Londres formado en 1999 por la cantante y frontwoman de la banda, Alison Goldfrapp , junto a su socio Will Gregory, famosos por practicar un pop que ha ido transitando desde unos inicios de electrónica experimental con melodías eléctricas con cierta dosis glamour en cuanto a imagen y ritmo sin copado se refiere dirigiendo paulatinamente sus pasos hacia un estilo más sosegado, más poético y melancólico, incluso de banda sonora, épico, alternando estas dos variables a lo largo de toda su carrera hasta su último álbum.
Su disco de debut, Felt Mountain (2000), está impregnado de una estética de postguerra, de cabaret, mezcla de romance y misterio con el que juega la increíble voz de la rubia Alison, en temazos como Lovely Head, Human, Pilots o la fantástica Utopia.
Con su segundo álbum, Black Cherry (2003), los británicos son elogiados por la crítica por su mezcla de aires retro y electro pop vanguardista, con relevancia para el glam rock y el synth pop a partes iguales en temas como su hit Strict Machine, Train, Twist o Black Cherry.
Supernature (2005), continúa en la línea de su predecesor aunque es más previsible, ya que se explota la misma fórmula de éxito con una d sus canciones más famosas, Ooh La La y un videoclip espectacular, además de Number 1, inspirada en Donna Summer y otras como Ride a White Horse o Fly Me Away.
En Seventh Tree (2008) le dan más relevancia al surrealismo, inspirándome en los aterciopelados cuentos para niños británicos pero con una estética y ambientes más inquietantes, más lados del brillo glam del anterior trabajo. A & E, Happiness, Caravana Girl y Clowns así lo atestiguan.
Su quinto LP, Head First (2010), mezclan las dos tendencias naturales de la banda, el glamour del suntuoso pop con el lirismo dramático, destacando la sublime Rocket por encima de todo lo demás. En 2012 el dúo pública The Singles como un grandes éxitos que tenía que llegar sí o si.
Así llegamos a su en mi opinión obra maestra, su sexto y hasta la fecha último disco, Tales of Us (2013), donde se refleja todo lo que ha sido la banda a través de los años en melodías de puro lirismo como este Annnabel o Drew, Jo o Alvar, virando hacia un sonido más ambiental e intimista, ayudados por los excelentes videoclips de la pareja de Alison, Lisa Gunning, donde se plasma toda la delicadeza mística y minimalista de la banda.
Me quedé boquiabierto al ver como una banda que no me interesaba mucho estilísticamente con su electroglam de sus inicios, era capaz de desarrollar una sensibilidad escénica cercana a las canciones de Shirley Bassey para James Bond o darle un cariz si cabe barroco a su sonido.
Muy interesante propuesta la de estos dos genios británicos, el arreglista y polifacetico Gregory y la carismática Alison ( que se empeñó en poner su apellido a la banda y así fue)m con una voz delicada pero estridente a la vez y un sentido de la sensibilidad fuera de lo común.
When You Dream You Only Dream Your Annabel…!

Best Live Albums #4: Kiss- Alive!


Hoy 365RadioBlog vuelve a traeros uno de los discos legendarios en directo de la mano de una de las formaciones pioneras del Glam Rock (o Shock Rock, para mí no hacen un Heavy Metal puro), que a principios de los setenta estremeció al mundo con su música, su actitud, vestimentas y caras pintadas y sobre todo con su majestuoso y apabullante directo. Estamos hablando del primer LP en vivo de los neoyorquinos Kiss, titulado Alive! y publicado en 1975 en USA y en 1976 en UK, conteniendo versiones en vivo de las mejores canciones de sus tres primeros discos, Kiss (febrero 1974), Hotter Than Hell (octubre 1974) y Dressed To Kill (marzo 1975), aunando las mismas como forma de darse a conocer y adquirir relevancia, jugada que salió perfecta y supuso el inicio de su fulgurante ascenso al Olimpo del Rock. No sólo eso, sino que además Alive! desencadenó una serie de directos que cada varios álbumes los neoyorquinos compilaban en vivo, sucediéndose Alive II (1977), Alive III (1993) y Kiss Symphony Alive IV ( 2003), todos ellos grandísimos discos en directo que reflejan de manera soberbia todas las etapas de Kiss, pero nos quedaremos con el primigenio, el que destapó el tarro de las esencias de una de las mejores bandas en directo que jamás dio el rock. Fue muy inteligente su edición puesto que se seleccionaron las mejores versiones de cada canción en vivo y las publicaron juntas como sí de un concierto único se tratara. Fue el pionero de muchos directos “compilated”. En este enlace os dejo las canciones que se incluyen en este disco, así como además encontraréis enlaces a sus vídeos en vivo. Entrando en materia, el álbum empieza contundente con la soberbia Deuce y Simmons haciendo de las suyas con su lengua y su rasgada voz, dejando paso a la trepidante Strutter, una de mis favoritas, con ese tempo tan rockero y ese riff brutal de Ace Frehley. Los siguientes cortes nos dejan a un gran Stanley al mando con Got To Choose, Hotter Than Hell y Firehouse. C’mon and Love Me es otro momento álgido en la primera cara, un toque muy glam y muy de la época. Para la segunda cara Kiss nos reservan perlas como She, Watchin You, 100.000 Years o la enorme Black Diamond, con un Ace Frehley sobrecogedor y Criss increíble a la batería. El set final nos regala momentos como Rock Bottomed, Cold Gin, la mítica Rock and Roll All Nite, himno rockero rociado de efectos lumínicos, explosiones y artificios ( de los cuales Kiss fueron unos de los pioneros), para cerrar con Let Me Go, Rock and Roll. Aunque no es un disco en directo sino fragmentos de muchos directos, Alive! sentó cátedra y fue reverenciado como uno de los 500 mejores álbumes de la historia y representa el auge de Kiss como una de las mejores bandas en directo, donde nunca han bajado el pistón, donde reside aún hoy su verdadera fuerza y donde yo me he sentido siempre más cómodo escuchándolos. I Wanna Rock and Roll All Nite, and Want It Everyday…!

El Brillo Glam de la Oscuridad


The Darkness. Los inicios de este sorprendente aunque poco innovador grupo británico formado en 2003 por los hermanos Justin y Dan Hawkins junto a Ed Graham y Frankie Poullain no pudieron ser mejores. Su primer Álbum , Permission To Land (2003), aparte de haber vendido cuatro millones de copias en todo el mundo, supone todo un soplo de aire fresco de rock respecto a las edulcoradas propuestas del momento. A medio camino entre las composiciones corales y arpegios de Queen y los rifas machacones y contundentes de AC/DC, The Darkness añade un poco de sorna histrionica hasta casi rozar lo absurdo en algunos giros vocales, casi asemejándose más a Mika que a Freddie Mercury o Robert Plant. Pero el disco es una absoluta maravilla repleta de canciones en las cuales se demuestra toda la clase y garra de la banda, como sus más conocidas I Believe in a Thing Called Love, Black Shuck, Get Your Hands Off My Woman, Growing On Me, Love is Only a Feeling o Stuck in a Rut.
Por todo ello fueron premiados con el Brit Award de mejor disco en 2004.
En 2005 sale a la luz su segundo LP, One Way Ticket To Hell…and Back, con un sello más rock, menos desenfadado y un intento de que se les tomara más en serio, aunque fue en vano, a tenor de su comportamiento dentro y fuera de los escenarios. Aquí empezaron los problemas: Frankie Poullain dejó la banda y Justin fue internas en rehabilitación. antes de su separación, pudieron ver el éxito de tres de sus singles, One Way Ticket, Is It Just Me? o Hazel Eyes, aunque no se acercaron al nivel de su primer trabajo.
Tras un receso de casi siete años en el que Dan y el nuevo vocalista Ritchie Evans formaron Stone Gods y Justin comenzaba de nuevo con Hot Leg,  en 2012 se produjo el reencuentro de los hermanos para hacer una gira como teloneros de Lady Gaga y posteriormente grabar un nuevo álbum que publicarían ese mismo año titulado Hot Cakes, con temas como Nothing’s Gonna Stop Us, Everybody Have a Good Time y la versión de Radiohead Street Spirit (Fade Out).
Más maduros, menos insolentes, más músicos, en este momento The Darkness vuelven a despegar una carrera frenada por los excesos, la arrogancia de verse en la cima, y en definitiva, por el propio y maldito Rock and Roll.
I Believe in a Thing called Love…!

Sintamos el Ruido del Glam


Slade. Uno de los grupos precursores del Glam Rock de los setenta que además se atrevió a coquetear con el floreciente Heavy Metal que despuntaba de la mano de sus vecinos de Birmingham Black Sabbath o Iron Maiden. Y es que este cuarteto de Wolverhampton, (sede de mi mítico erasmus del 95) tenía una pose festiva y edulcorada adoptando las tendencias en boga por entonces, pero sus raíces industriales de barrio periférico del Black Country, cuna del hard rock británico, difícilmente ocultaban una tendencia por guitarras rasgadas, baterías contundentes y voces chillonas que de algún modo emulaban el sonido del trasiego de la British Steel & Co. Así pues nos encontramos con un fenómeno interesante, el del Hard Glam rock si se le puede llamar así.
Musicalmente hablando, Noddy Holder, Dave Hill y los suyos tuvieron mucha influencia en grupos posteriores como Kiss, los cuales confesaron haberse basado en sus inicios en Slade, y la banda hard rock yanqui Quiet Riot, que hicieron suya la canción más famosa de esta banda, Come on Feel The Noize, superando incluso en éxito a la original.
Otros hits de estos ingleses atolondrados y horteras fue Mamma We’er all Crasee Now ( también versioneada por Quiet Riot), Time To Rock, Run Run Away, My Oh My, Keep On’ Rockin‘ o Coz I Love You.
Así pues, a Slade se les puede considerar como los precursores de un Glam que se fue masificando conforme avanzaban los setenta, pero con un toque rockero que nunca les hizo  olvidar sus raíces.

Come on Feel The Noize…Girls Rock Your Boys… we’ll Get Wild, Wild , Wild…!

Aullido Primitivo, Sonido Innovador


Primal Scream. Encasillar a estos británicos dentro de alguno de los subgéneros que alimentan al Rock podríamos decir que es aventurarse a no entender del todo la dimensión de su música.
Fundados en el ya remoto 1982 a raíz de la escisión de The Jesus and Mary Chain del alma mater del proyecto, frontman y compositor de la mayoría de sus temas Bobby Gillespie, Primal Scream heredan un bagaje post punk del que rápidamente quieren desembarazarse al sonarles muy manido dentro del circuito de grupos de finales los ochenta, por lo que en un inicio tienden a inclinarse por un rock con cadencias garajeras incluso glammies, hecho plasmado en sus dos primeros trabajos, Sonic Flower Groove (1987, que pasó sin pena ni gloria) y Primal Scream (1989, donde destacaremos el single Ivy, Ivy, Ivy y poco más).
Todo ello, unido al afán de Gillespie y de su compañero Andrew Innes por experimentar y abrir fronteras musicales tácitamente prohibidas, contribuiría a buscar nuevos sonidos acorde con la época y (por qué no), la idiosincrasia del grupo. Es así como nace su gran éxito Screamadelica (1991), producto inusual fruto de la conjunción de estilos tan dispares como el House, el rock alternativo o el garaje, pero bien empastados y remezclados por una maravillosa producción a cargo de The Orb y Andy Weatherall. Temas como Movin’ On Up, Come Together, Loaded o Higher Than The Sun dan buena fe de ello. El disco arrasó en ventas siendo considerado una de las joyas por excelencia del sonido Brit de inicios de los 90.
Curiosamente, dos de sus mejores temas están incluidos en su LP de 1994, Give Out But Don’t Give Up, una vuelta al rock con tintes dance que no tuvo buena acogida en ventas pero sí a nivel clubs y emisoras, sobre todo con mi favorita Rocks ( muy glam y y discotequera pero con esencia rock incluso soul) y el buen tema Jailbird. Durante mi estancia en UK la primera no dejó de sonar en las pistas de baile.
Aparte de sus temas más favoritos, dentro de los diez álbumes de la banda (sin contar directos, recopilatorios y rarezas) podríamos destacar Vanishing Point (1997) y su canción Principal Star; XTRMNTR (2000), con hits como Swastika Eyes (posteriormente remezclada por Chemical Brothers); Evil Heat (2002), que inicialmente se iba a titular Bomb The Pentagon y que incluye Rise; Riot City Blues (2006), con Dolls ( Sweet Rock and Roll); y por último sus últimos trabajos Beatiful Future (2008) y More Light (2013) con momentos interesantes como Can’t Go Back, It’s Alright, It’s Ok o 2013.
Inclasificables, innovadores, eclécticos a más no poder, crearon escuela en su día y muchos grupos actuales les deben parte de su ser por su capacidad de aglutinar estilos y tendencias y hacerlos suyos. Todavía en la brecha, no parece que vayan a parar pronto así que tendremos aullidos primitivos para rato.
Get Yer Rocks off, Get Yer Rocks off Honey, Shake It now now, Get’em off Downtown…!

La bajista vestida de cuero


Suzi Quatro. Aparte de ser una cantante con una personalidad arrolladora desde sus escasos 152 centímetros de pequeña pero agraciada humanidad, la norteamericana de Detroit afincada en el Reino Unido Susan Kay Quatro tiene el honor de ser la primera frontman femenina en tocar un bajo que tuvo un éxito relevante y rotundo en la historia del rock.
Ya desde sus comienzos apuntaba maneras. A pesar de que su primer single, Rolling Stone fue un fracaso, ya con el segundo, este Glam y trepidante Can the Can consiguió números uno en listas tanto en Europa como en Australia. Le seguirían sus bombazos 48 Crash, Daytona Demon o Devil Gate Drive, que entre 1973 y 1974, con el auge del Glam rock, sentarían las bases de una sólida carrera que aparte de los escenarios le llevaría al cine y la televisión (como el papel de bajista femenina en la serie Happy Days).
Hacia finales de los setenta su carrera se relanzó con los sencillos If You Can’t Give Me Love (con voz más rasgada a lo Bonnie Tyler) o su gran éxito Stumblin In a dúo con Chris Norman (antiguo frontman de la banda Glam Smokie), llena de romanticismo y sensibilidad, desmitificando a aquellos que no veían por ningún lado su cara romántica.
Un año después, ya en 1980, I’ve Never Been in Love y Rock Hard sobre todo rubricarían una brillantísima carrera de una Suzi Quatro que aún sigue en la brecha, si bien ha diversificado sus apariciones en los ámbitos de la música, radio, televisión, viviendo actualmente entre Inglaterra y Alemania, donde presenta el programa de BBC2 Radio.
Y es que esta chica menuda pero atrevida puso su granito de arena para que las mujeres rockeras se abrieran un camino en la difícil industria de la música. Joan Jett y Patti Smith le estarán eternamente agradecidas.
Can The Can…!

El Beso Enmascarado del Rock


Kiss. El grupo que reinventó el Glam desde el Heavy Metal. Si algo tuvieron estos neoyorquinos formados en 1973 fue una enorme visión de marketing en cuanto a imagen se refiere. Quién no conoce a esta mítica banda de melenudos vestidos de cuero y tachuelas, con plataformas gigantescas y sobre todo, con la cara pintada de blanco y negro de diversos motivos (El diablo o Gene Simmons, El Chico de las Estrellas o Paul Stanley, Spaceman o Ace Frehley, y El Gato o Peter Criss). Un auténtico referente estético de los setenta y ochenta,derivado directamente de la mezcla punk y Glam (New York Dolls, Gary Glitter o Bowie están entre sus influencias), aunque musicalmente hablando están en un plano más rockero, bebiendo de fuentes como Deep Purple, Black Sabbath o Grand Funk Railroad, si bien fueron progresivamente comercializando y suavizando su estilo hacia algo pseudo pop incluso disco, motivo por el cual Frehley acabaría dejando la banda. Por otro lado, el control de Simmons (el de la lengua de serpiente) y Stanley era total y su poder creativo no tenía límites: veinte discos de estudio más unos cuantos directos y recopilatorios dan buena fe de ello.
Sus primeros LPs sin embargo tardaron en calar y no fue hasta su primer disco en directo Alive! que les llegaría el reconocimiento internacional con temazos como Strutter, Deuce, Black Diamond, C’mon and Love Me o Rock and Roll All Nite. Ya en 1976, su año más prolífico, sacarían Destroyer con himnos como Detroit Rock City, Shout It Out Loud o la balada Beth, y en el mismo año publicarían Rock and Roll Over, con Hard Luck Woman y I Want You.
Es en 1979 cuando a raíz de la publicación de Dynasty su sonido se vuelve más Glam y disco, más mainstream en definitiva, con su canción más conocida y bombazo en las discotecas I Was Made For Loving You o 2000 Man.
De los ochenta, destacar su Lick It Up! (ya sin pintura en la cara) y King of the Mountain, y ya en los noventa hicieron una versión del hit de Argent God Gave Rock’n’Roll to You, con la que suelen acabar los conciertos.
Parafernalia Glam, Heavy comercial, espectáculo garantizado, letras cuidadas e ideadas para un público mayoritariamente teenager y una gigantesca operación de marketing detrás de todo ello: Kiss fueron, son y serán eso y mucho más. Pasión, color, diversión, Glam . Por algo ingresaron en el Rock N Roll Hall of Fame…
I Wanna Rock and Roll all Nite, and Want It Everyday..!

El Dinosaurio del Glam


T-Rex. Contracción de Tyrannosaurus Rex, nombre inicial de la banda de un genio, Marc Bolan, que cambió la música, o más bien, la transformó inventando / desarrollando un género nuevo, más accesible y directo: el Glam Rock.
En 1968 Bolan y su amigo Steve Peregrin Took comienzan su andadura musical con un cariz psicodélico, en la línea de lo que abundaba en la época. Es en 1970 cuando, tras la publicación de A Beard of Stars, la banda comienza a definir su estilo ( comenzando por acortar el nombre a T-Rex) y la canción King of the Rumbling Spires es quizá la piedra de toque de este estilo machacón, comercial y rockero a la vez cuyos máximos exponentes serían posteriormente bandas como Sweet y Slade y solistas como el gran David Bowie (en una de sus muchas etapas).
Bajo este apelativo y con este estilo Bolan se consagraría definitivamente como uno de los ídolos de los primeros 70 sobre todo en UK, aunque en Estados Unidos sonaron y mucho.
Dejó para el recuerdo joyas auténticas como este Get It On, auténtico himno Glam, Children of The Revolution (mi favorita) o 20th Century Boy (grandísimo éxito con ese riff machacón ).
Aparte de su santísima trinidad sonora, Bolan nos dejó más cosas interesantes como Prophets, Solid Gold Easy Action, Groover o Hot Love. Decir que con la banda colaboraba en los coros  la cantante y pareja de Bolan, Gloria Jones, autora y ejecutora del Tainted Love que inmortalizaría una década después Soft Cell.
En 1977 un accidente automovolístico truncó la meteórica carrera de Bolan y dejó a T-Rex huérfano de padre, madre y alma, con lo que no quedó más remedio que disolverse.
El talento en estado puro del Glam, el estallido de color sonoro setentero, el gran animador de la época post psicodelica y proto punk, el grandísimo Mac Bolan y su vehículo sonoro, el enorme dinosaurio del Glam.
Get It On, Bang a Gong, Get it On…!

Muñecas punk en la Gran Manzana

New York Dolls. Grupo emblemático donde los haya, todo el mundo habla hoy en día bien de ellos, pero, ¿y en su época?. En los primeros setentas grabaron dos discos y existieron desde 1971 hasta 1975, siendo liderados por el cantante David Johansen y el guitarrista Johnny Thunders. Obtuvieron malas críticas de ambos discos, teniendo además que disolverse por sus problemas con las drogas.
Pero estas muñecas consiguieron unir dos conceptos que nunca antes nadie había hecho: Su estilo musical, inicialmente stoniano, fue derivando a un emergente sonido punk con la guitarra de Thunders poblándolo todo y un deje de distorsión que marcarían el futuro de las bandas punk neoyorkinas de los setenta.

El otro concepto revolucionario fue su estética Glam: haciendo honor a su nombre se vestían como muñecas (travestis más bien),generando mucha influencia en este sentido en posteriores bandas como Hanoi Rocks o Kiss, con lo que podríamos decir que New York Dolls fue la primera banda en aunar el Glam y el Punk.
En cuanto a su música,bien, no hay mucho material, este Personality Crisis quizás sea su canción más conocida, junto a un par de temas más como Trash, Frankenstein o Subway Train. Y es que dos discos no dan para mucho más… lo sorprendente es que en 2006, un antiguo presidente de su club de fans, un tal Morrissey (!!!), logró juntar a Johansen y el resto de supervivientes para realizar desde entonces tres LPs que huelen a nostalgia Glam y punk.
No obstante, es uno de los casos en el rock en el que la actitud del grupo venció a la calidad.


All About That Personality Crisis…!