Los Recuerdos de Chad


Nickelback. Banda canadiense afincada en Vancouver formada en 1995 por Chad Kroeger (cantante y guitarrista rítmico), su hermano Mike Kroeger (bajista), Ryan Peake (guitarra principal y coros) y Brandon Kroeger , -sustituido a la batería por Daniel Adair-, caracterizada por ser una de las formaciones más exitosas del cambio de siglo, gracias a un estilo muy fresco pero con guiños comerciales, situándose en un peligroso equilibrio entre el hard rock, el grunge, el metal alternativo, incluso el country rock, gracias a guitarras densas acompañadas por la versátil voz de Chad Kroeger, melódica y áspera a partes iguales, lo cual les ha granjeado una incondicional legión de fans de toda condición musical y edad, y que les ha permitido ser uno de los grupos más importantes de la actualidad ( aunque su aportación real a la música no haya sido objetivamente todo lo importante que cupiera esperar).
Nickelback (nombre tomado del antiguo trabajo de Mike en una tienda, en el que devolvía -back- el cambio o moneda, nickel), publicaron su primer LP bajo el título de Curb (1996), recordando un accidente de Chad, en el que nos encontramos cosas como Pusher o Just Four. Su siguiente Lp, The State (1999), va cogiendo forma y estilo propios con buenas canciones tales como Breathe o Leader of Men, preparando el terreno para su cenit, el celebérrimo Silver Side Up (2001), muy bien construido, alternando medios tiempos- su especialidad-, con baladas y canciones mas trepidantes, como su mítica How You Remind Me?, Never Again, Too Bad, Hollywood, o el tema principal de la BSO de Spiderman, Hero, que Chad canta a dúo con Josey Scott de Saliva, y es uno de los himnos metaleros del siglo.
Sus posteriores discos ya no superan en mi opinión el nivel del mencionado, aunque podemos destacar momentos brillantes en All The Right Reasons (2005), como Photograph, Animals o Rockstar, con un vídeo genial, junto a las versiones del We Will Rock You de Queen y Saturday Night´s Alright For Fighting de Elton John. Mención aparte debe recibir su colaboración con Santana en Why Don´t You And I ?.
El resto se hace un poco repetitivo, una cadencia cansina y pesada que a pequeñas dosis resulta genial y original, pero que en un disco entero suena a manido.
No obstante, a Kroeger y los suyos se les debe ser, por un lado, la banda canadiense junto a The Band que mas discos ha vendido en la historia, incluso superando a Rush; y por otro tiene el honor de ser junto a Creed una de las bandas que relanzaron a principios de los 2000 el metal melódico y mainstream, situándolo en altas cotas de popularidad.
Para concluir, decir que el recién estrenado marido de Avril Lavigne es un grandísimo frontman, aunque con malas pulgas a veces, y que su estilo indeleble les ha valido la fama de banda repetitiva pero muy fiable y con muy buena calidad musical en todos sus miembros.
This is How You Remind Me…!

La Historia de la Negra Betty


Ram Jam. Banda estadounidense formada en 1977 en Nueva York por el guitarrista, compositor y cantante procedente de The Lemon Pipers, Bill Bartlett, junto a Mike Scavone a la voz secundaria, Howie Arthur Blauvett al bajo y Pete Charles a la batería, los cuales son considerados como una de las más conocidas bandas One Hit Wonder, es decir, de un solo éxito.
Y es que este Black Betty que Bartlett se sacó de la chistera es todo un himno de finales de los setenta, con elementos blues ( lo sacó de una composición del mítico Leadbelly y lo arregló), con guitarra eléctrica con tientes metal y ritmos que hacían presagiar un toque dance, con brutales cambios de ritmo pseudo progresivos y muy influidos por bandas como Grand Funk Railroad o The Who.
Para interpretar esta obra maestra, Bartlett inicialmente utilizó a los miembros de su anterior banda, Starstruck, como el bajista David Goldflies y el organista Bob Nave, aunque la gente de su propia discográfica, TruckStar Records, le aconsejó que formara un grupo para adquirir mayor popularidad con la canción. Y eso fue lo que hizo, creó Ram Jam junto con los arriba mencionados e incluyó Black Betty dentro del disco debut homónimo Ram Jam, aunque mantuvo la grabación original de su éxito en la que tocaban los miembros de Starstruck, juntándola con otros temas genuinos de Ram Jam y muchísimo menores como Let It All Out, Keep Your Hands On The Wheel o Right On The Money, convirtiéndose en un éxito, al contrario de su siguiente álbum, Portrait Of The Artist As A Young Ram ( inspirado en un libro de James Joyce)que contenía las modestas The Kid Next Door, Wanna Find Love o Turnpike. Después de este fracaso comercial, Bartlett abandonó para seguir en solitario, siendo sustituido por el guitarrista Jimmy Santoro, con el cual hicieron la gira y un recopilatorio en 1990.
Black Betty fue el único éxito de la banda y todo un fenómeno, sonaba a todas horas en todos lados, pegando fuerte en listas y obteniendo buenos resultados en Australia, UK y los States, ha sido utilizado para campañas de publicidad, en películas como Blow (2001) de Ted Demme, incluso fue criticada y amenazada de ser censurada por sus contenidos supuestamente racistas, aunque Bartlett negara esa intención en los créditos.
Sea como fuere, Black Betty ( que no Ram Jam) permanece como uno de los himnos del rock and roll, siendo referencia en recopilatorios, programas revival y en radio fórmulas como Rock Fm, y supone un clarísimo ejemplo de canción que supera y hace olvidar a la banda que la ejecuta, como otra grandísima canción llamada My Sharona a cargo de ….mmmm…. Ah sí…The Knack.
Whoa Black Betty (Bam- Ba-Lam)…!

Nudos Corredizos y Máscaras Siniestras


Slipknot. Banda norteamericana procedente de Des Moines, Idaho, formada en 1995, tras muchos cambios iniciales por Chris Fehn (percusiones y coros), Corey Taylor (voz), Mick Thomson (guitarra), Jim Root (guitarra principal),Craig Jones (teclados y sintetizadores), Sid Wilson ( mezclas y Dj), Shawn Crahan ( percusiones y coros), Paul Gray (bajista) y el mejor batería de la actualidad Joey Jordison, un terrorífico combo de nueve miembros que practica un estilo muy cercano al Nu Metal, Metal Alternativo y en sus orígenes Rap Metal, con multitud de percusiones, samples, densidad sonora máxima, estilo vocal rasgado a lo doom metal ( que se suaviza en los estribillos y que ha ido dulcificándose disco a disco), y sobre todo una imagen sobrecogedoramente siniestra con terribles e inquietantes máscaras que sus miembros van modificando disco a disco y que están indefectiblemente basadas en películas de terror como La matanza de Texas, Viernes 13, la saga Saw, y sus personajes siniestros de comics basados en payasos, polichinelas y monstruos varios que supone una característica indeleble a la hora de reconocerlos y su sello de identidad más palpable.
Porque aunque su música es destacable y posiblemente sea uno de los mejores grupos actuales de rock alternativo, Slipknot ha sabido jugar muy bien con el factor imagen, siendo algo espectacular lo de sus conciertos con aquellos enmascarados habiendo de las suyas, bailando, gritando y saltando a lo bestia en una orgía de terrorífico onirismo.
En cuanto a su discografía, debutan con su homónimo Slipknot (1999) y temazos como este Wait and Bleed o Spit It Out, auténticas descargas de adrenalina. Su segundo álbum, Iowa (2001), es en mi opinión el mejor y también el más duro sonoramente, con trallazos como Left Behind o My Plague. Después vendría Vol.3 (The Subliminal Verses) (2004), más orientado hacia el heavy metal , vino después duela reunión del anterior grupo de Corey Hart, Stone Sour, en la que participaron varios miembros de Slipknot, y con la producción de Rick Rubin, ofrecieron un producto elegante, experimental y con temática social, con clasicazos como Before I Forget, Duality, Vermillion o The Blister Exists.
All Hope Is Gone (2008),con su canción homónima, Dead Memories, Snuff y sobre todo Psychosocial, supone un escarceo con las power ballads, aunque oscuro y siniestro , en su línea con más madurez y profundidad en estilo y composiciones.
Su último álbum hasta la fecha, tras el recopilatorio Antennas To Hell (2012), se hizo esperar hasta 2014, cuando salió a la luz bajo el título .5: The Gray Chapter, en el que se incluyen temas como The Negative One, Custer o The Devil in I y en el que renuevan sus atuendos y máscaras como una operación encubierta más de marketing que les hace ganar cada vez más adeptos.
En definitiva, banda ya mítica del nu metal del cambio de siglo, con originales temas heredados de Slayer y otros grandes como Metallica ( a los que han teloneado en su gira mundial) y músicos de la talla de Joey Jordison , uno de los mejores baterías actuales que ha colaborado con muchísima gente, o el gran líder Corey Hart, todo personalidad y pundonor. Banda siniestra en sus formas, profunda en su esencia y cruelmente explosiva en su sonido.
I Wander Out Where You Can’t See, Inside My Shell, I Wait And Bleed.

El Príncipe de las Tinieblas


Ozzy Osbourne. Cantante británico nacido John Michael Osbourne en Aston, Birmingham, un 3 de diciembre de 1948, considerado como uno de los cinco cantantes de Heavy Metal más influyentes, personales y peculiares de la historia, apodado The Madman ( El Loco), El Padrino del Heavy Metal o mi apodo favorito, El Príncipe de las Tinieblas.
Ozzy procede de una familia muy humilde por lo que ya desde niño tuvo que buscarse la vida de limpiabotas, frecuentó la cárcel, incluso comenzaría a cantar en varios grupos de Birmingham hasta que conoció a Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward, con los que formaría en 1965 Polka Tulk Blues Band ( nombre de una tienda pakistaní de su barrio), cambiando poco después el nombre a Earth, vieron que ya había otra banda con el mismo nombre y se acabaron llamando Black Sabbath, nombre con el que pasarían a la posteridad y con el que Ozzy conseguiría un éxito mundial sin precedentes en el incipiente mundo de Heavy Metal. Su disco Paranoid (1970) sigue siendo uno de los paradigmas del rock, algo casi místico, con multitud de canciones míticas. Con esta banda icónica, Ozzy desplegaría todo su talento pero a su vez se sumiría en las miserias de su propia fama a través el alcohol y las drogas, por lo que en 1979 fue expulsado de Black Sabbath debido a sus excesos y sustituido por Ronnie James Dio, procedente de Rainbow, por consejo de Sharon Arden, la cual recomendó la expulsión de Ozzy, el cual , recién separado, fue a pedir explicaciones a la representante y ella le recomendó que iniciara su carrera musical en solitario.
Así fue como, haciendo caso de quien sería su futura esposa ( desde 1982 la señora Osbourne), Ozzy formaría su propia banda, en principio llamada Blizzard of Ozz, aunque luego sería su nombre quien abanderaría una formación integrada por el gran aunque malogrado guitarrista ex de Quiet Riot Randy Rhoads, el bajista de Rainbow Bob Daisley y el batería ex de Uriah Heep Lee Kerslake, debutando con el super álbum Blizzard of Ozz (1980), seguido de Diary of a Madman (1981) y Bark at The Moon (1983), sus tres mejores trabajos, siendo en este último sustituido el fallecido Randy Rhoads por otro virtuoso como James E. Lee, aunque en mi opinión su mejor seis cuerdas de largo sería el increíble joven Zakk Wylde (que formaría su propia banda Black Label Society), quien se incorporaría a las órdenes de Ozzy en 1987 con tam solo veinte años.
Finalizando los ochenta, Ozzy iría perdiendo fuelle con trabajos menores y ya en la década de los noventa se reunió con Black Sabbath para una gira multitudinaria. Los últimos años han sido más de colaboraciones y de reconocimientos, como su inclusión en el Rock and Roll Hall of Fame.
Ahora recordaremos sus diez mejores temas de todas sus etapas de peor a mejor en orden descendente: Diary of a Madman, Mama I’m Coming Home, No More Tears, Suicide Solution, Mr. Crowley, War Pigs, Bark At The Moon, Iron Man, Paranoid y la increíble e inmortal Crazy Train. En nuestras retinas quedan sus excesivos conciertos, sus rocambolescas puestas en escena con degollamientos de palomas, mordiscos a murciélagos- que se acabó convirtiendo en su símbolo-, desmanes y disparos en shows, incluso Realities como The Osbournes donde cuenta su vida, lo que deja a las claras que estamos ante un personaje único, irrepetible, con una voz muy característica ( en mi opinión no llega al nivel de Dio pero cuando se esfuerza puede ser la bomba) y con una pléyade de incondicionales que bien le ha valido el magnífico apodo de Principe de las Tinieblas.
I’m Going Off The Rails On A Crazy Train…!

Ciudades del Rock #9: Birmingham


Birmingham. Brum. The Second City. La ciudad de los mil negocios. Considerada ( en empate técnico con Manchester) como la segunda ciudad más poblada del Reino Unido, con una conurbación de 3.683.000 habitantes, capital de las West Midlands con poblaciones grandes muy cercanas como Wolverhampton (donde cursé mi erasmus entre 1995 y 1996 ), posee un tejido industrial gigantesco, con industria acerera, siderúrgica y de automoción que ha hecho de la zona uno de los mayores focos de inmigración de todo Gran Bretaña, y por ello tiene zonas donde es mejor no ir, pero sus pubs, el Bull Ring Center, sus recintos deportivos como el Villa Park y sobre todo, su rica y variada escena musical, hacen de Birmingham un espacio muy atractivo de visitar.
Es a partir de 1960 donde empieza a desarrollarse la escena musical de la ciudad, con el movimiento denominado Brum Beat, en el que empiezan a despuntar grupos de la zona como The Fortunes, The Ivy League y sobre todo, tres de las bandas más importantes del momento: The Moody Blues, The Move y los maravillosos Spencer Davis Group del enorme Stevie Winwood, que luego formaría el inmortal grupo Traffic y Blind Faith junto a Eric Clapton. Es de destacar el revival folk que se produjo por entonces con Ian Campbell, Fairport Convention o Joan Armatrading, la primera británica de color que tuvo éxito con el folk.
Otro campo a destacar fue el de la psicodelia, donde destacaron grupos como Atomic Rooster o Carl Palmer del súper grupo Emerson, Lake & Palmer, lo que fue evolucionando hacia lo progresivo con grupazos como The Idle Race, los glammy Slade o la mitad de los Zeppelin, Robert Plant y John Bonham. Mención especial haremos a Jeff Lyne y su Electric Light Orchestra, adalid de las bandas sinfónicas de los setenta.
Pero en lo que de verdad destacó musicalmente Birmingham fue en dar el espaldarazo definitivo a uno de los géneros más importantes del rock: el Heavy Metal, originado según la leyenda en el barrio de Aston, donde las prensas de las fábricas generaban un sonido machacón y cautivador que sirvió de inspiración a un genio como Tony Iommi, quien embaucó a un enorme monstruo cantando como Ozzy Osbourne para formar junto a otro brummy, Geezer Butler, un mito como Black Sabbath. Por si fuera poco, cerca de allí, en West Bromwich, nacería otra grandísima banda liderada por Rob Halford y K.K. Downing , los legendarios Judas Priest.
Otros estilos destacables fueron el Reggae, fruto de la extensa colonia jamaicana, con grupos como UB40; el punk con Swell Maps o Misspent Youth, con The Prefects como más destacados, así como The Killjoys, germen del fantástico grupo multitudinario de Wolverhampton Dexy’s Midnight Runners (los de Come On Eileen), o G.B.H.
Otro estilo cultivado aquí en las Midlands fue el Two Tone o Ska, con The Specials como líderes, The Beat o Pigbag. Además tenemos música más de baile o techo con el cantante de los Fine Young Cannibals, Roland Gift The Au Pairs o The Bureau. Por encima de todos ellos, los New Romantics Duran Duran, uno de los mejores grupos británicos de los ochenta y noventa.
Más recientes reseñaremos a una de mis bandas favoritas, los noventeros con aires de los setenta Ocean Colour Scene, además de  Goldie, The Streets, Babylon Zoo, Pram, Editors, la cantante afrobritánica Laura Mvula, los industriales Godflesh, el DJ y productor Techno Surgeon y un largo etcétera que hacen de Birmingham una de las escenas musicales más ricas y variadasde todas cuantos se encuentran en el orbe del Rock.
Para terminar, nos hemos fijado en el video de cabecera como un ejemplo del renacimiento arquitectónico y urbanístico que esta sufriendo Birmngham, a lo que han contribuido las personalidades que pertenecen a la ciudad, entre ellas se citan muchos de los cantantes y grupos que aparecen en este espacio. Merece la pena.
Long Life to the Black Country, Long Life to Brum!

Los Reyes del Nuevo Metal


Avenged Sevenfold. Banda californiana fundada en Huntington Beach en 1999 y formada por M Shadows (voz), Synyster Gates (guitarra solista), Zacky Vengeance (Guitarra rítmica), Johnny Christ (Bajo) y Arin Iljay (batería en sustitución del fundador del grupo The Rev, fallecido en 2009), llamada a ser la referencia absoluta del Nuevo Heavy Metal del siglo XXI, con un estilo que recuerda en ocasiones a Metallica, tiene tintes de riffs de AC/DC, con estribillos más comerciales pero un potente sonido de base (batería y bajo suenan atronadores) unido a un muy buen vocalista como M Shadows y un excelente guitarrista como Synyster Gates. Junto a Disturbed y Rise Against son el prometedor presente del metal moderno.
Avenged Sevenfold, también conocidos como A7X y cuyo nombre hace referencia a un pasaje del Antiguo Testamento referente a Caín ( quien le haga daño será Siete veces Castigado) comenzaron su andadura con el álbum Sounding the Seventh Trumpet (2001), con un sonido lleno de screaming y muy cercano al Heavy clásico, como en el single Warmness on the Soul. Su siguiente LP, Waking The Fallen (2003) se edita con la formación definitiva tras cambios anteriores, notando se esto en un estilo más definido y contundente, como en la homónima.
Paulatinamente el prestigio y calidad de la banda van creciendo, y City of Evil (2005) ya es buena muestra de ello, con un rock cada vez más explosivo y con muchos matices, como en el single Bat Country. El Cuarto álbum, el homónimo Avenged Sevenfold (2007), obtiene críticas muy positivas y la fama del grupo empieza a subir con temazos como Scream o Afterlife.
En 2010, un año después de publicar un brillante EP en directo y justo después de la muerte de The Rev, A7X publican Nightmare, con la canción del mismo nombre como single, Welcome To The Family  y So Far Away como puntales de un sonido cada vez más sólido y eficaz.
Su espaldarazo definitivo a la fama y éxito internacional es su último álbum hasta la fecha, Hail To The King, uno de los mejores LPs de Hard rock que he escuchado últimamente, con la canción homónima como himno absoluto, a caballo entre el estilo Judas Priest o Metallica y el Thunderstruck de AC/DC. Otros temazos son Shepherd of Fire con un increíble ritmo de batería, This Means War o la coral y epopéyica Requiem (con trozos en latín). Una pequeña vuelta al rock clásico pero con tintes modernos, siempre acompañados por su símbolo , Deathbat, y por una innegable clase que hace que apostemos por ellos como una de las bandas que marcarán el rumbo del Metal del futuro.
Hail To The King…Hail To The One… Kneel to The Crown…Stand In The Sun…
Hail To the King (Hail, Hail, Hail…!)

Ciudades del Rock #7: Londres


Londres. London. La ciudad definitiva. La más cosmopolita, diversa, multicultural, versátil y distinguida de las grandes urbes del mundo (quizás junto a Nueva York y París).
Londres tiene de todo, museos como el British, National Gallery, London Tower; plazas como Trafalgar Square, Piccadilly Circus; mercados como Camden Town Portobello o Covent Garden; norias gigantes como el London Eye; edificios espectaculares como el Big Ben, Buckingham, Westminster, St. paul’s Cathedral; parques como Hyde Park, Kensington; barrios como Notting Hill, Mayfair; Teatros, Pubs, estadios de fútbol como Wembley, Stamford Bridge; equipos como Chelsea, Arsenal,Tottenham Hotspurs, Fulham, West Ham, QPR, Crystal Palace… desde su fundación romana a orillas del Támesis hace casi dos mil años, la capital del Reino Unido, con una aglomeración de 13 millones de habitantes es una de las ciudades más atractivas que he visitado.
Con todo ello, podemos suponer que su panorama musical es excelente, y estamos en lo cierto, pues la idiosincrasia del pueblo inglés -muy unido a la música-, unido a las influencias de otras culturas que han hecho de londres desde siempre el epicentro del movimiento musical mundial, con templos como el Barbican Centre ( sede de la Royal Philarmonical Orchestra), el Royal Albert Hall, la Royal Music Academy, recintos como Earl’s Court, el O2, Wembley, el original primer Hard Rock Café o los Abbey Road Studios (germen de lo mejor de los Beatles), hacen de Londres el paradigma del pop y rock actuales.
En cuanto a los artistas y cantantes procedentes de Londres, los tenemos a millares, aunque nos quedaremos con los más relevantes: en los primeros sesenta, después del auge Beatles, y miembros de la British invasión tenemos a su competencia, sus satánicas majestades The Rolling Stones, junto con los urbanísticos y londinenses hasta la médula The Kinks (Waterloo Sunset es otro himno a la City), los mods The Small Faces y los gigantes The Who (procedentes de Shepherd’s Bush); los míticos Led Zeppelin, Yardbirds y Cream (Con Page y Clapton en sus filas), los psicodélicos y progresivos legendarios Pink Floyd, King Crimson, Yes o Genesis; el movimiento glam con Bolan y sus T-Rex o los enérgicos Sweet; los solistas Cat Stevens, Ian Dury con sus Blockheads, Elvis Costello y sus Attractions , Elton John o el sublime camaleón David Bowie; los sinfónicos Alan Parsons Project, los ska Madness, el Heavy Metal de Iron Maiden o Motörhead; el irreverente punk de The Clash , The Jam o The Sex Pistols. Los ochenta llegaron con otros estilos como The Police y su gran bajista y vocalista Sting, The Cure y Robert Smith, Siouxsie and The Banshees, la elegancia de Sade, Fleetwood Mac, Roxy Music; los elegantes Techno Pet Shop Boys y los auténticos Psychedelic Furs; el icono pop George Michael, las horteras Spice Girls ya en los noventa; el Brit pop de la mano de Blur, Jamiroquai y su dance pop, Prodigy o Gorillaz. Ya en este siglo tenemos a las musas Amy Winehouse (DEP) y Adele, grupazos como Coldplay, Mumford & Sons y su Bluegrass londinense; los Indies The Babyshambles, The Libertines, Bloc PartyThe Horrors, The Vaccines los niñatos One Direction… Por encima de todos ellos, una banda de ensueño, Queen, con el mejor frontman que jamás haya dado la música, el grandísimo y añorado Freddie Mercury. Nos quedará en la retina el fabuloso concierto en la ceremonia de clausura de los JJOO de 2012 donde se demostró que Londres tiene muchísimos artistas de calidad. Y podríamos seguir hasta casi el infinito, y es que Londres, junto a Nueva York, es la ciudad que más músicos ha dado al mundo, por lo que desde este blog no podíamos menos que rendirle este humilde homenaje.

London Calling To The Faraway Towns…!

Folk Metal Pagano


Mägo de Oz. Uno de los máximos exponentes del Rock en nuestro país, estos madrileños formados en 1988 por Txus De Fellatio junto a José Andreä han estado influenciados notablemente por tres estilos: el Heavy metal, el folk celta y la temática épico-fantástica reflejada en todos sus discos que ha enganchado a miles de fans por su contundencia, armonía y originalidad, si bien en cuanto a referentes beben de dos fuentes principales: por un lado, el folk rock británico de los sesenta y setenta como Jethro Tull o los bretones Gwendal, y por el otro, el Heavy metal nacional de Obús, Barón Rojo o Ángeles del Infierno.
Con todo esto podríamos esperar una mezcla difícil de digerir para el público Mainstream o las emisoras radiofónicas. Nada más lejos de la realidad, pues Mägo de Oz conectaron ya desde su LP La Leyenda de La Mancha (1998) con el público en directos increíbles y en la radio con melodías pegadizas y llevaderas aderezadas de guitarras , flautas y violines celtas. Con su siguiente álbum, Finisterra, les llega el éxito sin paliativos incluso en Latinoamérica, continuando con los Gaia (tres LPS llevan este nombre a modo conceptual) y contando con múltiples colaboraciones con artistas de la talla de Kutxi Romero de Marea, Warcry y muchos otros.
Su lirica conceptual, con temática épica, medieval, onírica y céltica , nos ha dejado brillantes temas, que si bien en fondo rezuman lírica en forma son cercanos y con un lenguaje entendible por los rockeros. Así, hemos seleccionado sus diez mejores temas en nuestra opinión en orden descendente de peor a mejor: Finisterra, Satania, La Danza del Fuego, La Rosa de los Vientos, La Posada de Los Muertos, Desde Mi Cielo, Hasta Que el Cuerpo Aguante, Molinos de Viento y mis dos favoritas, La Costa del Silencio y su enorme hit Y número 1 en listas Fiesta Pagana.
Mägo de Oz es una banda que no deja indiferente, la verdad que nunca han sido santo de mi devoción ( a veces suenan demasiado recargados y engoladamente horteras)pero reconozco que tienen temas buenísimos y que la calidad de su música es incuestionable, por ello es de justicia que formaran parte de este blog como embajadores de la música folk metal en España a todo el mundo.
Ponte en Pie, Alza el Puño y Ven… A la Fiesta Pagana …en la Hoguera hay de beber…!

El Efecto ” Anthrash”


Anthrax. El rasgo más característico de esta banda neoyorquina creada a mediados de los ochenta por Scott Ian y Joe Belladonna entre otros y considerada,-junto a Metallica, Slayer y Megadeth- como uno de los abanderados del Thrash Metal es la siguiente: Fuerza, Energía.
A diferencia de sus oscuros primos hermanos, Anthrax hacen de sus conciertos pura adrenalina, mezclando su estilo metalero , en un principio claramente Heavy Metal, con el rap y el Hip Hop, y ya más entrados en los noventa con un marcado acento Post grunge. De ahí que su seña de identidad sean prendas más propias de los skaters de California, con Bermudas y gorras, aunque inicialmente manteniendo sus melenas, alejándose un poco del negro de luto de sus coetáneos.
Su música refleja precisamente ese carácter vitalista, con temáticas basadas en cómics y aventuras ( en un inicio al estilo Manowar), hecho reflejado en su álbum de debut , Fistfull of Metal (1984), y el siguiente Spreading The Disease (1985), los cuales abrirían camino a su mejor álbum para los fans, Among The Living (1987) en el que el estilo Thrash es ya palpable, con Bello y Benante dándolo todo junto a los vertiginosos riffs de Scott Ian. Nos dejaron perlas como I’m The Man, I’m The Law, Caught in a Mosh, Indians o Efilnikufesin (NFL).
Sin duda, la cima de su carrera. aunque se mantuvieron muy bien durante los ochenta, a pesar de que el State of Euphoria (1988) no funcionara bien, salvando solamente el himno Antisocial.
Llega 1990 y con el cambio de década, el sonido es más contundente, se aprecian cambios en la formación pero Scott Ian dirige magistralmente a la banda en este Persistence Of Time (1990) y sus singles Got the Time, Blood o In My World.
En mi opinión, su trabajo de 1993 Sounds of White Noise, es el mejor sin discusión, al menos el que más se ajusta a mi estilo con bombazos como mi favorita Only , donde ya se aprecia un regusto rítmico grunge , o el cover de Thin Lizzy Cowboy Song.
En su gira de finales de 1995 presentando el álbum Stomp 442 tuve oportunidad de verlos en directo en  el Wulfruna Center de Wolverhampton (UK) ante 2.000 enfervorizados fans, con Ian haciendo de las suyas encima de los baffles y sus secuaces llenando de Thrash cada rincón del recinto.
Aunque no los he seguido muy intensamente, reconozco que Anthrax es un grupo diferente, particular, con sus idas y venidas pero al final con ganas de agradar y hacer las cosas bien.
Only…!

Las Reglas de Judas


Judas Priest. Uno de los grupos más importantes e influyentes de la música rock, sin duda el santo y seña del Heavy Metal británico junto a Iron Maiden, y los precursores del género conocido como Speed Metal, que sentaría las bases de influencia para otros estilos posteriores como el Thrash o el Death Metal.
Formados en 1971 en los alrededores de Birmingham por K.K. Downing , Ian Hill, Al Atkins y John Ellis, tras la marcha de estos dos últimos, hicieron su debut discográfico con el nuevo cantante Rob Halford (de los mejores contratenores que haya dado jamás el rock), John Hinch y un nuevo guitarra, Glenn Tipton, en 1974 con su LP Rocka Rolla, de corte progrock, aunque ya en su siguiente álbum empezaría a notarse la mano de Halford al mando con esa voz rasgada y aguda a la vez y Las twin guitars de Tipton y Downing desgranando notas agudas y trepidantes. Así nace uno de sus mejores trabajos, Sad Wings Of Destiny (1976), donde empiezan a ser considerados como un grupo Heavy Metal de pleno derecho, con temazos míticos como Tyrant, Dreamer Deceiver, Víctim of Changes o The Ripper. Los expertos lo consideran el preludio del Thrash de los ochenta.
Tras tres álbumes en los que siguen desarrollando su estilo (Sin After Sin,con Diamonds and RustStained Class, con uno de los mejores temas de su discografía: Beyond The Realms of Death y Killing Machine con Take On The World), en 1980 publican British Steel, en lo que significó su apertura al Mainstream del hard rock y su reconocimiento mundial ( para mí es su mejor álbum con todo el respeto para los “killers”). Breaking The Law y Living After Midnight escribieron gloriosas páginas de éxito en la existencia de Judas Priest. Los ochenta continúan con otro pedazo de disco, de los mejores de su carrera, Screaming For Vengeance (1982) con joyas como Electric Eye o You’ve Got Another Thing Coming y el más flojito Defenders of The Faith (1984). Turbo (1986) supone un regreso al glam y a los sintetizadores y un cariz más comercial con Turbo Lover, y dos años después Ram It Down (1988) nos prepara para lo que vendrá después con canciones como la homónima o el cover de Chuck Berry ( Johnny B.Goode).
Comenzando la década de los noventa es cuando Judas Priest alcanzan el punto álgido de su carrera, del que ya no se recuperarán y que hará que Halford abandone la banda para seguir en solitario porque pensaba con muy buen criterio que ya no se podía hacer nada mejor, no en vano Painkiller (1990) está considerado uno de los mejores discos de la historia y el detonante del Speed metal. Painkiller, A Touch of Evil y Night Crawler entre otras pertenecen a lo mejor de la banda y supone una influencia enorme para las tendencias rockeros posteriores. Decir que se nota y mucho el estilo genial del nuevo batería Scott Travis.
Después del “Analgésico”, poco más: dos discos con el nuevo vocalista, perdida de prestigio y calidad…mientras, Halford triunfando con sus proyectos Fight y 2wo.
Por fin, 2005 es el año de su reunión con gira mundial ( decir que sus conciertos son apoteósicos es quedarse corto) y nuevo álbum, Angel of Retribution -con el nuevo himno Judas Rising-, al que le seguiría el conceptual Nostradamus (2008).
En 2014 acaban de sacar su decimoséptimo álbum de estudio, Redeemer of Souls, el primero sin su guitarrista original K.K. Downing.
Judas Priest, un auténtico mito del metal, el grupo que ha buscado estilos, tendencias, que ha movido conciencias y roto las normas, abriendo caminos a otras bandas y siendo fieles siempre solo a sus reglas. Las reglas de Judas.
Breakin The Law…!

Y Lemmy Apostó al As de Picas


Motörhead. Una de las bandas que sin inventar prácticamente nada, revolucionó el panorama musical de finales de los setenta y principios de los ochenta. Lemmy Kilmister, fundador, mentor, bajista, compositor , único miembro estable y cantante del trío británico pertenece por derecho propio al museo de los horrores idolatrados del panteón rockero. Con un estilo sucio y desdeñoso, desarrolla un sonido con raíz en el Heavy metal pero más trepidante, con su rasgada voz inundándolo todo, con solos de guitarra más cortos y menos adornados, más cercanos al punk y sobrino del sonido garaje. Estamos ante el Speed Metal, precursor en el tiempo del Thrash y sus variantes.
Para entender todo ello, hay que explicar la trayectoria de un Lemmy que antes de fundar Motörhead fue bajista y cantante durante un tiempo de la banda psicodélica Hawkwind (de la que fue expulsado según él por tomar la droga equivocada) y tocó una temporada con los punks The Damned, lo cual le sirvió en su bagaje de estilos e influencias.
Su primer disco, el homónimo Motörhead (1977) refleja no sólo todo esto sino además una estética a camino entre el Heavy y los moteros, con el símbolo característico de la banda en la portada y un grandísima colección de temas.
En este sentido, seleccionando de entre sus veinte discos sus mejores canciones, nos hemos quedado con estas diez, que en nuestra opinión reflejan lo mejor de Motörhead y tratan temas como las drogas (Motörhead es la jerga usada en UK para llamar al consumidor de anfetaminas), la muerte (Ace of Spades, o el as de picas es apostar a perder, a una muerte segura), o la lucha entre el bien y el mal (como se cuenta en The Game).
En nuestra opinión, del uno al diez sus mejores temas son: Ace of Spades, Overkill, The Game, Killed By Death, The Bomber, No Class, Born To Raise Hell, Orgasmatron, King of Kings y Iron Fist, todas ellas verdaderos himnos del género que sus fieles devotos corean sin cesar en los conciertos.
Lemmy y sus dos escuderos (que se han ido sucediendo en el tiempo pero que ahora son) Phil Campbell y Mikkey Dee, representan lo auténtico, el no dejarse llevar por tendencias ni modas, el seguir siempre su camino, el seguir siendo perdedores pero con dignidad, estando siempre orgullosos de apostar al As de Picas.
I Don’t Share Your Greed, The Only Card I Need Is The Ace of Spades, The Ace of Spades…!

El Beso Enmascarado del Rock


Kiss. El grupo que reinventó el Glam desde el Heavy Metal. Si algo tuvieron estos neoyorquinos formados en 1973 fue una enorme visión de marketing en cuanto a imagen se refiere. Quién no conoce a esta mítica banda de melenudos vestidos de cuero y tachuelas, con plataformas gigantescas y sobre todo, con la cara pintada de blanco y negro de diversos motivos (El diablo o Gene Simmons, El Chico de las Estrellas o Paul Stanley, Spaceman o Ace Frehley, y El Gato o Peter Criss). Un auténtico referente estético de los setenta y ochenta,derivado directamente de la mezcla punk y Glam (New York Dolls, Gary Glitter o Bowie están entre sus influencias), aunque musicalmente hablando están en un plano más rockero, bebiendo de fuentes como Deep Purple, Black Sabbath o Grand Funk Railroad, si bien fueron progresivamente comercializando y suavizando su estilo hacia algo pseudo pop incluso disco, motivo por el cual Frehley acabaría dejando la banda. Por otro lado, el control de Simmons (el de la lengua de serpiente) y Stanley era total y su poder creativo no tenía límites: veinte discos de estudio más unos cuantos directos y recopilatorios dan buena fe de ello.
Sus primeros LPs sin embargo tardaron en calar y no fue hasta su primer disco en directo Alive! que les llegaría el reconocimiento internacional con temazos como Strutter, Deuce, Black Diamond, C’mon and Love Me o Rock and Roll All Nite. Ya en 1976, su año más prolífico, sacarían Destroyer con himnos como Detroit Rock City, Shout It Out Loud o la balada Beth, y en el mismo año publicarían Rock and Roll Over, con Hard Luck Woman y I Want You.
Es en 1979 cuando a raíz de la publicación de Dynasty su sonido se vuelve más Glam y disco, más mainstream en definitiva, con su canción más conocida y bombazo en las discotecas I Was Made For Loving You o 2000 Man.
De los ochenta, destacar su Lick It Up! (ya sin pintura en la cara) y King of the Mountain, y ya en los noventa hicieron una versión del hit de Argent God Gave Rock’n’Roll to You, con la que suelen acabar los conciertos.
Parafernalia Glam, Heavy comercial, espectáculo garantizado, letras cuidadas e ideadas para un público mayoritariamente teenager y una gigantesca operación de marketing detrás de todo ello: Kiss fueron, son y serán eso y mucho más. Pasión, color, diversión, Glam . Por algo ingresaron en el Rock N Roll Hall of Fame…
I Wanna Rock and Roll all Nite, and Want It Everyday..!

El Aviador Rockero


Barón Rojo. Cualquiera fuera de España que oiga este nombre, lo suele asociar al famoso aviador alemán , el Barón Manfred Von Richthofen, que sembraba el pánico entre las líneas enemigas durante la I Guerra Mundial.
Pero en nuestro país y Latinoamérica, Baron Rojo es símbolo de Heavy Metal, precursores de género, maestros del Rock Duro en castellano, abanderados de la causa metaleras durante los ochenta y buena parte de los noventa.
Formado por los hermanos Carlos y Armando De Castro a las guitarras (procedentes de Coz), José Luis Campuzano “Sherpa” al bajo y voz y el batería uruguayo Hermes Calabria, este grupo con base en Madrid pertenece a la leyenda del Heavy patrio, y junto a Obús y Ángeles del Infierno, componen un triunvirato mítico que creó escuela en el mundillo.
Su música, sencillamente genial, con odas al rock y a su estilo de vida como Los Rockeros van al Infierno, baladas profundas y cargadas de crudeza, como Hijos de Caín, reivindicativas como Resistiré, epopeyas como la que da nombre al grupo, Barón Rojo, la orquestada y pseudo progresiva Tierra de Nadie, la sentimental Siempre Estas Allí , Concierto para ellos o la enorme Cuerdas de Acero. Himnos, más que canciones que marcaron una gloriosa época en el Heavy Metal, aunque comenzando los noventa el desgaste de giras y conciertos, el agotamiento de repertorios y los roces personales hicieron que Sherpa y Hermes se fueran por su cuenta , continuando los hermanos De Castro con nueva formación pero manteniendo el nombre original…aunque ya no sería lo mismo. Sin las letras ni la voz de Sherpa la cosa no era igual, no había ni la intensidad ni la personalidad pretéritas que les hicieron alcanzar la fama. En 2007 se vuelven a reunir para una gira pero ya de manera puntual, y es que a los rockeros también les toca hacerse mayores, por mucho que en nuestra memoria perdure su estruendoso estilo y su magnético ritmo. Larga vida al Barón Rojo.

Mi rollo es el Rock!!

La Primera Dama del Heavy Metal


Iron Maiden. La Dama de Hierro. La leyenda del Heavy Metal. Junto a Judas Priest, la banda más seguida, aclamada e influyente de este género que arrasó en los ochenta, número uno en ventas con casi todos sus álbumes y eso sin sonar apenas en radio fórmulas , que les dieron la espalda. Su legión innumerable de fans, perfectas promociones de los discos y una excelente campaña contínua de marketing hicieron el resto.
Pero la banda de Eddie (su eterna mascota infernal) no sólo era eso, sino que poseía una innegable calidad musical y temática, siendo transgresores en la lírica y con un sonido apabullante y contundente que marcaría estilo y abriría puertas a otros como el trash o el death metal.
Formados en 1975 por obra y gracia de su bajista y líder Steve Harris, a pesar de los cambios de formación han sabido seguir siendo ellos siempre, aunque quizás los primeros discos, Iron Maiden y Killers, con el cantante Paul Di Anno, no tuvieron la fuerza y éxito de los siguientes, ya con el mejor cantante metal de todos los tiempos, Bruce Dickinson, quien junto a Adrian Smith, Dave Murray y Nico McBrain debutaron en el tercer LP The Number of The Beast con un disco irrepetible y temazos como el homónimo, Children of the Damned, The Prisoner, la magnífica Run To The Hills o Hallowed Be Thy Name. Sin duda, su cumbre musical.
Aunque lo que vino después no desmerece en absoluto, pues Piece of Mind contiene su mejor título, The Trooper, con un riff vertiginoso llenándolo todo y otros temas como To Tame A Land. Casi sin respirar sacaron Powerslave, un discazo, considerado uno de los mejores cinco álbumes de Heavy Metal, con 2 Minutes To Midnight o Aces High como emblemas.
Live after Death y Somewhere in Time, más experimental, llegaron después de extensísimas giras  ( a día de hoy llevan casi 2000 conciertos a sus espaldas) y su poder creativo disminuyó. El último disco con Dickinson, Seventh Son of a Seventh Son nos dejó canciones como Can I Play With Madness , un pequeño canto del cisne, ya que luego el grupo se atomizaría, y aunque han grabado varios discos más, nunca han logrado volver a su espectacular nivel de los ochenta.
En la cabecera está la muestra de dos horas de intenso Heavy Metal, legendario, fastuoso, pseudo progresivo a veces y genial siempre que La Dama de Hierro nos regaló durante tantos años.
Run to The Hills, Run For Your Lifes…!

El Cielo de Ozzy, el Infierno de Dio, el Espíritu de Iommi


Black Sabbath. Hay un antes y un después de ellos en el Heavy Metal. Este género les debe casi todo a estos británicos formados en 1968 por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward, siendo sus inicios bajo el nombre de Earth más psicodélicos y experimentales.
Hasta que Iommi, obsesionado por la muerte y la temática de las pelis de terror comenzó a llevar a la banda hacia sonidos y textos más oscuros y siniestros, lo que generaría un estilo que posteriormente haría furor entre las hordas metaleras.
El primer album Black Sabbath y su tema homónimo son toda una declaración de intenciones, las cuales se ratificaron con su mejor disco en mi opinión, Paranoid de 1970, con joyas como Paranoid,  War Pigs (acerca de Vietnam), la soberbia e inquietantemente apocalíptica Iron Man o Electric Funeral. Disco redondo y magistral al cual seguirían otros muchos entre los que se encuentran canciones como Children of The Grave, Sabbath Bloody Sabbath, Hole In The Sky o Never Say Die.
El punto de inflexión llega en 1979, cuando Iommi decide prescindir de Ozzy y recurren, por consejo de Sharon Arden (curiosamente la futura señora Osbourne) al talento y estilo totalmente opuestos del pequeño gran Ronnie James Dio, talentoso pero minúsculo frontman que marcó estilo en el Heavy Metal y dotó a la banda de un sonido más tétrico y trascendental, más demoníaco si cabe. los dos LPs en los que participó Dio son obras maestras: Heaven and Hell, mítico album con canciones como Heaven and Hell,( epopeya del bien y del mal de 8 minutos), Neon Knights o Die Young; y el segundo, Mob Rules, con la canción homónima y Country Girl como más destacadas.
Después, Dio se marchó para emprender su carrera en solitario y nada fue lo mismo. Para cubrir semejante vacío, se contrataron los servicios del gran ex vocalista de Deep Purple Ian Gillan con el que grabaron el LP Born Again, con temas como Born Again o Digital Bitch.
Tras la marcha de Iommi en el 83, lla banda perdió el rumbo y si bien han retomado contacto juntándose incluso con Ozzy, se puede decir que ahora black Sabbath vive de un colosal pasado que escribió con tinta negra las mejores páginas del Heavy metal clásico.
Can you help me occupy my brain? Oh Yeah…!