Joaquín Sabina : ¿Quién Me Ha Robado El Mes De Abril?

El mes de abril es muy especial para mí. Además de comenzar el buen tiempo y entrar de lleno en la primavera, cumplir años y celebrar los que va cumpliendo mi hijo, abril siempre me ha parecido un mes de esperanza, de proyectos renovados, de la vuelta de la luz después del largo invierno (aunque por estos lares aún sigue lloviendo copiosamente), de un nuevo ciclo vital que destapa la ilusión y las ansias renovadas de nuevos proyectos. Es, en definitiva, el mes del Renacimiento después de la hibernación.

Y sucede que cuando te roban abril es porque te han robado la inocencia; cuando te roban abril es porque te han robado la ilusión; cuando te roban abril es porque te han robado la juventud; cuando te roban abril es porque te han robado la esperanza; cuando te roban abril es porque te han robado el corazón. Ninguna época del año está tan ligada a todos estos conceptos, a este elenco de sensaciones y sentimientos, quizás porque supone una especie de renacer de la luz sobre la oscuridad, quizás porque al brotar los frutos también nos brotan nuevos deseos y anhelos…todo esto lo sabe bien Joaquín Sabina.

Y es que el de Úbeda si de algo sabe es de desengaños, de fracasos y de decepciones, porque él mismo se considera un perdedor profesional, aunque siempre con elegancia y con sorna, con sarcasmo y dobles , triples y cuádruples sentidos e interpretaciones en sus afiladas y mordaces letras. Desde sus tiempos en La Mandrágora con Javier Krahe, este canalla empedernido supo hacer de su capa un sayo y siempre impuso su peculiar estilo más allá de temas y épocas.

¿Quién Me Ha Robado El Mes de Abril?, canción editada como primer single de su sexto LP en solitario, El Hombre del Traje Gris ( 1988),- título sacado del famoso largometraje de Gregory Peck y extraído del párrafo principal de la canción que nos ocupa, es una de las canciones más melancólicas y tristes que jamás Joaquín Sabina hubiera grabado hasta la fecha, como toda la tónica general que siguen los 9 cortes que componen el álbum. Producido por Pancho Varona, Antonio García de Diego, Luis Fernández Soria y el propio Sabina a través de BMG Ariola y grabado entre los estudios Eurosonic y Circus, se quiso dotar al disco de un cariz melancólico y triste, para lo que Sabina se había encerrado anteriormente a escribir las canciones en el monasterio de El Paular, aunque, según reconoce el genial artista , ” algunas fueron concebidas en bares de cuyo nombre no quiero acordarme”.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo collage de la canción que nos ocupa seguida del vídeo original de 1988 y de una actuación reciente en la que junta ¿Quién me ha robado el mes de abril? con Así estoy Yo Sin Ti.

También os dejamos una versión femenina, la de Ana Belén, del tributo llamado Entre Todas las Mujeres que le hicieron conocidas artistas de nuestro país cantando sus temas, además de otra de José el Francés en tono flamenco.

Este tema también ha dado pie a poner sonido a la banda sonora del film español Sinatra, con el gran Alfredo Landa, que como se puede comprobar en el inicio de la película, le va como anillo al dedo.

Nos despedimos con una fabulosa versión de Ondina y Borja Montenegro, que deja muy a las claras que este tema es un referente en el repertorio del eterno canalla y que supo reflejar perfectamente la melancolía, el paso del tiempo y las oportunidades que dejamos escapar en la vida.

En la posada del fracaso
Donde no hay consuelo ni ascensor
El desamparo y la humedad
Comparten colchón
Y cuando por la calle pasa
La vida como un huracán
El hombre del traje gris
Saca un sucio calendario del bolsillo
Y grita

Quién me ha robado el mes de abril
Cómo pudo sucederme a mí
Quién me ha robado el mes de abril
Lo guardaba en el cajón
Donde guardo el corazón

La chica de BUP casi todas
Las asignaturas suspendió
El curso que preñada
Aquel chaval la dejó
Y cuando en la pizarra pasa
Lista el profe de latín
Lágrimas de desamor
Ruedan por las páginas de un bloc
Y en el escribe

Quíen me ha robado el mes de abril
Cómo pudo sucederme a mí
Pero, quién me ha robado el mes de abril
Lo guardaba en el cajón
Donde guardo el corazón

El marido de mi madre
En el último tren se marchó
Con una peluquera
Veinte años menor
Y cuando exhiben esas risas
De instamatic en París
Derrotada en el sillón
Se marchita viendo Falconcrest
Mi vieja, y piensa,

Quién me ha robado el mes de abril
Cómo pudo sucederme a mí
Quién me ha robado el mes de abril
Lo guardaba en el cajón
Donde guardo el corazón.

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Antonio Vega : El Sitio De Mi Recreo

En el panorama musical de este país, a lo largo de su ya dilatada historia ( si empezamos a contar desde la irrupción de los primeros artistas pop a mediados de los sesenta) han surgido figuras verdaderamente brillantes y con la suficiente personalidad como para diferenciarse del resto a base de cualidades vocales, compositivas o en algún caso puramente estéticas.
Los ha habido que sobresalían por su registro vocal prodigioso (como por ejemplo, Nino Bravo); los que demostraban dotes para el baile y la pose escénica (como Miguel Bosé) o los que hacían y aún hacen gala de una habilidad proverbial para componer letras que hacen de un tema algo grandioso ( tal es el caso de Joaquín Sabina). Pero alguien tan completo, que supiera aunar una voz melodiosa y muy personal, un físico más que aceptable en sus inicios- aún sin haberse prodigado nunca en las lides del baile- y sobre todo unas dotes líricas y poéticas sobrenaturales, solo he conocido a uno: Antonio Vega.

Este superdotado de la música, a caballo entre Bob Dylan, Joan Manuel Serrat y Johnny Thunders ( por su declarada adicción a la Heroina que acabó sepultando su carrera, su salud y finalmente su vida) nació tocado por la varita mágica de una musa permanente, de una inspiración imperecedera, quizás debido a su experiencia vital y a una sensibilidad fuera de lo común, unido todo ello a unas circunstancias sociales de dependencia que le hacían constantemente estar al filo de la navaja emocionalmente hablando.

Antonio
, ya sea en solitario o con su primo Nacho García Vega en Nacha Pop, es un tío capaz de hacernos tocar el cielo desde su mirada depresiva y melancólica, de trasmitir sensaciones sumamente íntimas pero comunes a todos los mortales, bien con su trémula voz o con sus acertadas palabras. Es alguien, en mi humilde opinión, capaz de haber escrito cuatro de las cincuenta mejores canciones en castellano ( Se Dejaba Llevar, Lucha de Gigantes, La Chica de Ayer y El Sitio de Mi Recreo).

En concreto, la canción que nos ocupa hoy, El Sitio de Mi Recreo, compuesta por Antonio Vega en 1992 y recogida en un álbum homónimo dedicado a un compendio de sus mejores baladas, es sin lugar a dudas una de las mejores canciones jamás escritas en nuestro idioma: destila dulzura, fragilidad, tristeza, desesperanza; dentro de un mundo interior autobiográfico, riquísimo en matices, anegado en un mar de contradicciones, rebosante de melancolía, de aquello que pudo ser y fue pero de otra forma a lo concebido o imaginado. El sitio de mi recreo es un lugar interior que Vega teje magistralmente y quien lo escuche lo siente como propio, como vivido, marcado a fuego en su piel y en sus recuerdos, en una sensación agridulce como la vida misma.

Mientras la azarosa y complicada existencia de Antonio Vega comenzaba a languidecer, su fama y leyenda seguían agrandándose, todos querían colaborar con el, cantar sus canciones, saber de su vida. Fruto de ello comenzaron a lloverle ofertas de programas, conciertos y especiales difíciles de rechazar , rodeándose de gente como Miguel Bosé en la última aparición de Antonio antes de su fallecimiento en 2009 en un dúo soberbio y entrañable.

El ultimo testimonio de un demacrado Antonio, destrozado por la Heroina, unido a un controvertido largometraje documental sobre su vida titulado Tu Voz Entre Otras Mil  ( ya que, según su familia, la cinta se centra demasiado en sus adicciones y menos en sus canciones), nunca empañarán el recuerdo de uno de los más grandes artistas que jamás diera este país.

Como dijo Antonio Vega una vez acerca de El Sitio de Mi Recreo, “Es una canción paisajística, responde a un momento de inspiración en el que encuentras una secuencia que te lleva por un camino. Habla de los lugares donde uno se encuentra a gusto física y espiritualmente. Más que un lugar es un estado de consenso contigo mismo, un lugar no conflictivo”.
Y es que como oí decir a alguien respecto a este genial artista, la naturalidad es la más difícil de las poses. Siempre quedará en nuestro recuerdo la fragilidad de un ser genial que supo estremecernos con su sencillez.

Donde nos llevó la imaginación,
donde con los ojos cerrados
se divisan infinitos campos.
donde se creó la primera luz
junto a la semilla de cielo azul
volveré a ese lugar donde nací.
De sol, espiga y deseo
son sus manos en mi pelo,
de nieve, huracán y abismos,
el sitio de mi recreo.
Viento que a su murmullo parece hablar
mueve el mundo con gracia, la ves bailar
y con él, el escenario de mi hogar.
Mar, bandeja de plata, mar infernal
es su temperamento natural,
poco o nada cuesta ser uno más.
De sol, espeiga y deseo…
Silencio, brisa y cordura
dan aliento a mi locura,
hay nieve, hay fuego, hay deseo,
ahí donde me recreo.

Loquillo y Trogloditas : Cadillac Solitario

La ecuación que genera el anhelado resultado del talento ( y que este luego sea efectivo, de tal manera que lleve al éxito y al ansiado reconocimiento) es harto caprichoso, y llegar hasta él resulta intrincado y enrevesado porque muchas veces depende de la conjunción de varias situaciones, circunstancias, emociones o (como en este caso) personas, para que se manifieste en su máximo esplendor y apogeo. Del caso que vamos a hablar, (ya conocido antes en el pop británico de la mano del artista, quien da la cara, Elton John y de su alter ego, menos conocido, compositor, Bernie Taupin), de esa simbiosis creativa, emergió una de las bandas que más glorias y buenos momentos en forma de canciones ha dado al pop rock español: Loquillo y Trogloditas.

Cuando un día de 1983 José María Sanz Beltrán, alias Loquillo, rockabilly empedernido y ex miembro de Intocables puso un anuncio en una tienda de música donde buscaba gente para formar una banda de rock ( donde puntualizaba : “abstenerse hippies”) poco podía imaginarse que iba a juntarse con una de las formaciones más carismáticas de calidad y duraderas del panorama nacional, de la mano del genial guitarrista y compositor Sabino Méndez, el cual mientras sus adicciones y su mal carácter le dejaron- hasta su renuncia en 1989-, aportó brillantes composiciones en forma de canciones que Loquillo, la parte visible, supo interpretar a las mil maravillas y que le le iban como anillo al dedo.

Es así como nació su primer álbum El Ritmo del Garage (1983), producido por ellos mismos a través de DRO Atlantic, nada más desembarcar en Madrid, suponiendo un hito en el momento con canciones como la homónima, Quiero un Camión o la maravillosa Cadillac Solitario, preciosa historia de melancolía y nostalgia por el amor perdido narrada desde el punto de vista de un James Dean barcelonés, con alusiones a la cultura norteamericana ( Cadillac, L.A), a la arrogancia y promiscuidad, pero también al arrepentimiento y al “qué pudo haber sido si…”.
En su momento, publicada como segundo single del anteriormente citado LP, Cadillac Solitario tuvo una repercusión más bien modesta, pero fue tras su reedición en el Doble Dieecto ¡A por Ellos…! Que son Pocos y Cobardes (1989) cuando el tema se convierte en un bombazo y en una de las canciones míticas del pop rock español;  de hecho la revista Rolling Stone la sitúa en el número 35 de las 100 mejores canciones en español.

A partir de entonces, decíamos, Cadillac Solitario se convirtió en un referente de la banda, en una de sus canciones más conocidas y demandadas, en un absoluto himno, pues en directo adquiere la fuerza de la que el original quizás carecía y el ambiente en vivo y las improvisaciones de Loquillo con sus gritos desesperados ( Nena….!!!!) hacen el resto y catapultan a la categoría de leyenda a esta joya a caballo entre Chuck Berry y Lou Reed con mucha dosis urbana nacional.

Sobre estas líneas os dejamos la
mítica actuación de Loquillo en TVE interpretando este temazo y bajo las mismas varias actuaciones en conciertos con este tesoro del pop rock nacional.

También os dejamos  alguna versión del tema como la de Huecco en clave flamenca; una curiosisima versión en inglés o una actuación de 2007 de Loquillo junto a Santi Balmes de Love Of Lesbian.

En definitiva, estamos ante la historia viva del rock de nuestro país a través de un tío integro, feo, fuerte y formal como Loquillo, con una soberbia carrera a sus espaldas y un prestigio intacto pero que además agradece que otro tipo como Sabino Méndez, alma mater de Trogloditas, hubiera sido capaz de componer tamaña joya para su gloria y nuestro regocijo.

Cadillac Solitario
permanecerá siempre como uno de los himnos indelebles de nuestra generación, una sintonía coral etílico-nostálgica que evoca a toda nuestra hornada momentos de alegría y celebración bañados en alcohol y otros no tan alegres de añoranza por lo que ya nunca volverá. Uno de los momentos cumbres sin duda del rock en español. Gracias Loquillo, gracias Sabino.

Siempre quise ir a L.A.
dejar un día esta ciudad.
Cruzar el mar en tu compañía.

Pero ya hace tiempo que me has dejado,
y probablemente me habrás olvidado.
No sé que aventuras correré sin ti.

Y ahora estoy aquí sentado
en un viejo Cadillac de segunda mano
junto al Mervellé, a mis pies mi ciudad
y hace un momento que me ha dejado,
aquí en la ladera del Tibidabo,
la última rubia que vino a probar
el asiento de atrás.

Quizás el “martini” me ha hecho recordar
nena, ¨por qué no volviste a llamar?
Creí que podía olvidarte sin más
y aún a ratos, ya ves.

Y al irse la rubia me he sentido extraño,
me he quedado solo, fumando un cigarro,
quizás he pensado, nostalgia de ti
y desde esta curva donde estoy parado
me he sorprendido mirando a tu barrio,
y me han atrapado luces de ciudad.

El amanecer me sorprenderá
dormido, borracho en el Cadillac,
junto a las palmeras luce solitario
y dice la gente que ahora eres formal
y yo aquí borracho en el Cadillac
bajo las palmeras luce solitario.
Y no estás tú, nena.

Leño : Maneras De Vivir

La historia que os traemos hoy es la de una de las más grandes canciones de nuestra música, una de las sintonías imprescindibles de los mejores años ochenta, paradigma del rock urbano y del heavy metal patrio, a cargo de una de las bandas más reputadas, reconocidas y alabadas de todas las que han pisado escenarios en este país. Estamos hablando de la banda formada en 1978 por Rosendo Mercado a la voz y guitarra junto al bajista Tony Urbano y al batería Ramiro Peñas, bautizada como Leño ( nombre que viene de los despectivos comentarios del líder de Ñu hacia las letras que componía Rosendo en esa banda) y que logró escribir unas de las más bellas páginas de nuestro rock por momentos inolvidables como su canción más emblemática: Maneras de Vivir.

La situación en 1981 era la siguiente: Leño, formados en 1978 y tras un exitoso disco homónimo de debut, se pusieron en manos del productor y antiguo componente de Los Canarios, Teddy Bautista ( sí, el de la SGAE) para grabar su segundo álbum , Más Madera (1980) , pero el resultado no fue el esperado por Rosendo y los suyos ya que Bautista hizo lo que le dio la gana en la producción y remezcla de los temas, con demasiados arreglos de órgano que desvirtuaban el espíritu guitarrero de la banda. Por ello, y sabiendo que aún les quedaba otro disco más de contrato con Zafiro, Leño decidieron hacer lo que más les gustaba: un fabuloso disco en vivo titulado En Directo grabado en la sala Carolina de Madrid los días 25,26 y 27 de marzo de 1981.

En ese mítico disco aparecieron cuatro temas inéditos grabados para la ocasión y estrenados en directo para los pocos privilegiados que pudieron asistir a los tres conciertos, entre ellas la grandiosa Maneras de Vivir ( que salio como single en una versión grabada previamente), un tema que según Rosendo Mercado no sabe ni cómo le salió de lo redondo que salió. Realmente es una canción acerca de sentirse diferente y estar a gusto con ese sentimiento, reforzando la idea con geniales frases como “No sé si estoy en lo cierto, lo cierto es que estoy aquí”, que calaron muchísimo en la gente joven y lo adoptaron como emblema de una generación como la de principios de los ochenta que tomó al rock por bandera de la mano no sólo de Leño; también Obús y Barón Rojo contribuirían a comentar las bases del rock urbano.

Maneras de vivir se ha convertido en un himno y por ello ha tenido muchas versiones como la reciente de MClan para un anuncio de cerveza; la versión cantada por el front man de El Señor Ramón, Lucas Irisarri, para un anuncio de Turismo en Navarra; la de Kutxi Romero, cantante de Marea y Jataja; una versión acústica de Ruta 78 y por último una versión en directo de Rosendo.

Esta excelsa canción, a la que algunos han acusado de tener un riff excesivamente parecido al de Sweet Home Alabama de Lynyrd Skynyrd, tiene el mérito de nunca haber pasado de moda, de seguir soñando actual , de representar los valores de la juventud, la personalidad, la libertad individual de cada uno y el disfrutar de cada momento que nos brinda la vida.
Maneras de Vivir es un chutazo de adrenalina rockera, con una cadencia que invita a mover la cabeza de adelante atrás sincopadamente, en honor de tres chavales de Carabanchel que consiguieron poner el rock en el lugar que se merecía.

No pienses que estoy muy triste
Si no me ves sonreír
Es simplemente despiste
Maneras de vivir.

Me sorprendo del bullicio
Y ya no sé qué decir
Cambio las cosas de sitio
Maneras de vivir.

Voy cruzando el calendario
Con igual velocidad
Subrayando en mi diario
Muchas páginas.

Te busco y estás ausente
Te quiero y no es para ti
A lo mejor no es decente
Maneras de vivir.

Voy aprendiendo el oficio
Olvidando el porvenir
Me quejo sólo de vicio
Maneras de vivir.

Voy cruzando el calendario
Con igual velocidad
Subrayando en mi diario
Muchas páginas.

No sé si estoy en lo cierto
Lo cierto es que estoy aquí
Otros por menos se han muerto
Maneras de vivir.

Descuélgate del estante
Y si te quieres venir
Tengo una plaza vacante
Maneras de vivir.

Fito Páez : Mariposa Tecknicolor

La vida es una sucesión de imágenes, de señales cromáticas y lumínicas, de luces y sombras que conforman nuestras sensaciones y nuestros recuerdos. Todo ello se asocia a las vivencias, los momentos, los episodios que nos vienen a la mente en forma de fotogramas; a modo de ráfagas de flash o a cámara lenta, según se perciba o se valore la secuencia. Como en una película, hay momentos en que todo pasa ante nuestros ojos y se amalgaman en un instante colores, objetos, personas con sonidos, ruidos, voces. Este es el motor de nuestros recuerdos, nuestra seña de identidad, lo que somos , hemos sido y queremos llegar a ser, pero también lo que no somos y nunca seremos, nuestro ying y nuestro yang, a veces colorido a veces gris, en ocasiones dulce y en ocasiones salado.
Si pudiéramos proyectar nuestros recuerdos contra la pared o contra una pantalla se asemejarían a una bola de discoteca que se mueve cuando efectos sorprendentes y desconcertantes… Se proyecta la vida, Mariposa Tecknicolor.

Con esta maravillosa oda a la vida, el genio rosarino Rodolfo “Fito” Páez logró ponerse al mundo latinoamericano por montera, aunque ya había labrado varios discos de gloria en su país y en el cono sur. Este salto cualitativo fue acompañado de giras, colaboraciones, conciertos y le abrió las puertas a una Europa que comenzaba a mirar a Hispanoamérica con otros ojos, un desembarco de artistas consagrados comenzaron a copar las listas de éxitos de mitades de los noventa ( Maná o Caifanes, entre otros) y fueron capitaneados por este cantautor virtuoso del piano ( fue tecladista del carismático Charly García), excéntrico en ocasiones y muy sui generis en sus maneras y actitudes. De hecho consiguió grabar un disco con Sabina con el single Llueve sobre mojado y ninguno de los dos, -a pesar del éxito cosechado- fue capaz de reprimir su ego o ceder en sus pretensiones preeminentes respecto al otro. Fue un duelo Europa- América en toda regla ( musicalmente hablando)

Mariposa Tecknicolor salió publicado como single de su noveno disco de estudio , Circo Beat (1994) , espaldarazo definitivo para el rosarino en su consolidación como artista global en español, junto a su anterior LP El Amor Después del Amor (1992) El sencillo vio a la luz en abril de 1994 a través de la discográfica multinacional Warner Music , con la producción y composición de todos sus temas a cargo del propio Fito.
La canción tiene varias versiones que aparecen en distintas publicaciones del artista: aparte de en este álbum la encontramos en su siguiente LP Euforia (1996) en una fantástica versión en directo; también la escuchamos en Mi Vida Con ellas (2004) y en una maravillosa versión orquestada en Moda y Pueblo (2005)
Sus actuaciones en directo también descubren detalles líricos de la canción que en la original no se aprecian.

Por último os dejamos con una de las versiones más famosas de la canción: la que le hizo la Barra Brava de Boca Júniors, La Doce para alentar a su equipo y que se ha hecho famosa en toda Argentina y casi todos los clubs tienen su propia versión.

Gran tema autobiográfico de este rosarino miope y virtuoso del piano que quedó huérfano de madre siendo bebé y tuvo que labrarse la vida en la calle junto a su familia, su padre, sus tías a las que llama “madres”. Es todo un homenaje a su ciudad natal, a los buenos momentos en la cancha de Rosario Central ( es un “canalla” acérrimo ), a sus escarceos con las drogas – de ahí lo de Tecknicolor-, del orgullo de su origen criollo ( yiran y yiran ), de los asesinatos que ocurrieron… En fin, de la vida con su sabor agridulce , lo complicado y lo sencillo que es vivir. Espectacular letra como pocas he oído.

Todas las mañanas que viví
todas las calles donde me escondí
el encantamiento de un amor
el sacrificio de mis madres
los zapatos de charol
los domingos en el club
salvo que cristo sigue allí en la cruz
las columnas de la catedral y la tribuna
grita gol el lunes por la capital

*Todos yiran y yiran
todos bajo el sol
se proyecta la vida
Mariposa technicolor
cada vez que me miras
cada sensación
se proyecta la vida
Mariposa technicolor

Vi sus caras de resignación
los vi felices llenos de dolor
ellas cocinaban el arroz
se levantaba sus principios
de sutil emperador

Todo al fin se sucedió
sólo que el tiempo no los esperó
la melancolia de morir en este mundo
y de vivir sin una estúpida razón

*coro

Yo te conozco de antes
desde antes del ayer
yo te conozco de antes
cuando me fui
no me alejé
llevo la voz cantante
llevo la luz del tren
llevo un destino errante
llevo tus marcas en mi piel
y hoy solo te vuelvo a ver (x3)

La Habitación Roja: Febrero

 

Y así, como quien no quiere la cosa, nos hemos plantado en Febrero. Qué rápido pasa el tiempo, qué vertiginosas caen las hojas del calendario, y es más: esa sensación de inmediatez y fugacidad aumenta cuanto más años se cumplen ( de niños nuestra percepción era que pasaba el tiempo muy lentamente), lo que lleva irremisiblemente a añorar lo que ya no se tiene o ya pasó. Así es como nace la nostalgia.
En el diccionario de la RAE se define nostalgia como aquella sensación de tristeza por la pérdida de algo o alguien querido, aunque también podríamos añadir recuerdos o estados vitales, como la juventud o la infancia. Es el sentimiento más agridulce que existe, puesto que por un lado, nos regodeamos recordando los buenos momentos, pero por otro nos escuece el hecho de que ya no volverán más.

En ese contexto temático se desgrana esta deliciosa melodía pop rock nacional firmada por la enorme banda valenciana La Habitación Roja, formación cuyos inicios se remontan a 1995 y la cual integran Jorge Martí (voz y guitarra rítmica), Pau Roca (guitarra solista), Marc Greenwood (bajo), José Marco (batería) y Jordi Sapena (teclados), quienes practican un pop rock alternativo o Indie muy fresco y que entra a la primera, sin llegar a ser comercial, muy en la onda de otras bandas españolas como Lori Meyers o Supersubmarina

Y es que los de L’Eliana, que se inspiraron en un famosísimo cuadro de Matisse para bautizarse y comenzar su esplendorosa y longeva carrera con nueve álbumes hasta la fecha, saben tejer melodías con amables riffs de guitarra y voces armoniosas que fomentan los medios tiempos y resultan amables al oído.

Este Febrero ( más cálido que el mes que lleva su nombre), fue publicado como single de su séptimo álbum Universal (2010) a través del sello independiente Mushroom Pillow, Firmado por la banda al completo y cuyo vídeo promocional ( que colgamos arriba), destila optimismo, esperanza y color, bastante alejado de lo que cuenta una letra nostálgica ( ya que febrero es el mes de la nostalgia por antonomasia).

Magníficamente acogido en ventas y repercusión en el circuito Indie nacional, Febrero es un tema que además ha funcionado de maravilla en directo, ganando si cabe en intensidad y potencia respecto a la grabación de estudio. Aqui os dejamos
algunas muestras de su rendimiento en vivo: una de ellas en el Let’s Festival ; la versión acústica, muy acertada aunque algo carente de ritmo, y una última sacada de una actuación de la gira promocional de Universal.

Febrero se merecía que lo empezáramos con buen pie y por ello hemos elegido esta canción que aunque no muy conocida, es bastante pegadiza sin llegar a empalagar, con un ritmo muy cuidado, una sección rítmica trabajada y una letra que nos otorga uno de los mejores episodios del pop rock nacional.

Si me dices adiós en febrero piénsalo dos veces
Si me vas a olvidar por favor pronuncia antes mi nombre
Soy la misma persona que pisó la luna, que puso la tierra a tus pies
que se fue con lo puesto a la guerra de todas las guerras.

Y deshoja el futuro que se abre al cruzar esa puerta
Es algo que no puedes saber, Hay tanto que aprender
Las miradas se rompen, Los años son golpes, los días Cara a la pared
Me parecen tan cerca y tan lejos los Buenos momentos

Y aún así volvería a pasar por el mismo camino
a buscar esa piedra con la que quise tropezar*]
Y si viene Febrero temblaré de miedo: lo desconocido es brutal
pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

El momento que pasa se escapa no vuelve a pasarte
y aunque hierva la sangre se abren caminos y a andar
Curaré ese dolor que me pone a morir cada vez que te vuelvo a vivir
Si me dices adios en febrero, piénsalo dos veces.

Y aún así volvería a pasar por el mismo camino
a buscar esa piedra con la que quise Tropezar
y si viene febrero temblaré de miedo: Lo desconocido es brutal
Pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

Pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

Pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

La Señora Tímida del Pop Rock Español


La Dama Se Esconde. Dúo español formado en San Sebastián en 1985 por Nacho F. Goberna, a la voz, guitarras, programaciones y composición, e Ignacio Valencia al bajo, procedentes ambos del grupo donostiarra Agrimensor K, uno de los más destacados de la onda siniestra de principios de los ochenta, donde compartían escenario con el batería José Manuel Gandasegui y con quien grabaron dos álbumes bajo esa denominación, Principio y fin (1982) y ¿Juegas al Escondite? (1983), ambos con DRO.
Al separarse, Goberna y Valencia se mudan a Madrid en busca de oportunidades discográficas más suculentas y cambian de nombre a La Dama Se Esconde, con cuya denominación alcanzarían reconocimiento máximo a nivel nacional por su calidad, originalidad y fusión de estilos, refrendados en sus primeros dos temas, Un Avestruz y El Cielo Azul, incluidos por DRO en el disco colectivo La Única Alternativa, donde destacarían sobremanera. Esto hizo que Paco Trinidad, productor a la sazón de sus paisanos Duncan Dhu, firmara su debut con un mini LP llamado Avestruces (1985), al que siguió Armarios y Camas (1986), donde encontramos Amenazas, un pedazo de canción oscura y siniestra que por otro lado refleja una tremenda sensibilidad.
Tras firmar por Warner, el dúo comienza a tener un éxito más palpable, sobre todo a raíz de su mejor álbum, el célebre La Tierra de los Sueños (1988), donde se encuentra su tema homónimo, el más conocido y aclamado de su carrera, además de Sombreros Empapados o Nunca he Entendido a las Sirenas. Coge El Viento (1989) es otro pedazo de trabajo en el que Goberna y Valencia van poco a poco abriendo su estilo a sonidos más accesibles al público mainstream, con más sintetizadores y ritmos bailables, aparte de temas muy conocidos y pegadizos como Princesa, Capturado, Más Allá Del Sol o Nómadas.
Lejos del Puerto (1990) sigue la tendencia de su predecesor con temas como No tienes Otro Sitio Donde Ir, Late un Corazón, Mil Flechas o Color Pasión.
De Colores Tu color (1992) y Hoy(1993) ponen el broche a una carrera que se reanudó puntualmente con una gira en 2002 y con reedición de tres discos inéditos en 2011.
Y es que estamos ante una banda muy interesante, nexo de unión de estilos, saliéndose un poco de las dos tendencias claras del momento, el rockabilly y el techno, siendo influencia a demás para bandas tan importantes como Héroes Del Silencio y dejando un legado musical y lírico que muchos grupos envidiarían tener.
Si Yo Pudiera Estar esta Noche Contigo…!

Los Mejores Fans de John Boy


Love of Lesbian. Grupo catalán procedente de Sant Vicenç dels Horts (Barcelona), formado en 1997 por el compositor, ideólogo y cantante Santi Balmes, Jordi Roig a la guitarra y teclados, Joan Ramón Planell al bajo y sintetizador, Oriol Bonet a la batería y programación, incorporándose para reforzar el quinteto más adelante Julián Saldarriaga a la guitarra y coros y Dani Ferrer a los teclados en directo. Se trata de una banda absolutamente sui generis, original, con el carácter y personalidad que le otorga su frontman Santi Balmes, un gigante del Indie en nuestro país, y que desgranan melodías pop pasadas por la batidora alternativa y con letras narrativas que cuentan historias completas, a veces descarnadas, a veces de desencanto, con juegos de palabras constantes y la ironía planeando en todos los rincones.
Musicalmente le deben bastante a The Cure pero también a DeLorean o a The Flaming Lips ( incluso se disfrazan en concierto), con un sonido elaborado, agradable y embaucador. Sus primeros pasos en el mundillo los dieron cantando en inglés, publicando su primer álbum en 1999 bajo el título Microscopic Movies con canciones como Freakie Goes To Hollywood.
Su siguiente trabajo, Is It Fiction? ( 2002) cuenta con temas como Wasted Days, y Ungravity (2003) supone su último álbum en inglés, fichando por la discográfica Naïve y editando su cuarto álbum y primero en castellano bajo el título Maniobras de Escapismo (2005), el cual supone un éxito de crítica y público con temazos como Domingo Astromántico y Houston, Tenemos Un Poema.
Cuentos Chinos Para Niños del Japón (2007), con las maravillosas Universos Infinitos, La Niña Imantada o Noches Reversibles, supone la antesala perfecta para su mayor éxito en disco, el fabuloso 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna) (2009), donde se encuentran auténticas joyas del indie español como este icónico y biográfico Club de Fans de John Boy ( que es un anagrama de Love of Lesbian, puesto que Boy es Amor en ucraniano y John es como le llaman a las lesbianas en Rusia), la preciosa Allí Donde Solíamos Gritar, más otras delicias sonoras como Cuestiones de Familia, Segundo Asalto o Te Hiero Mucho.
La Noche Eterna (2012), con Oniria e Insomnia, Pizzigatos o Los Días No Vividos, supone una continuidad dentro de la excelencia cualitativa en la que se vieron inmersos, rematado en 2014 con un EP llamado Nouvelle Cuisine Caníbal donde se incluyen tres temas entre los que destaca Manifiesto Delirista o Mal Español.
Con este bagaje tan impresionante, raro es el concierto en el que Balmes y los suyos no arrasan con su peculiar sonido, arrastrando una legión de incondicionales fans que tararean sus mejores temas de memoria y que ven como estos catalanes que cantan en castellano están haciendo historia en el panorama musical nacional a base de originalidad, buen gusto y canciones perfectas.
Y Ahora Ya Soy, Otro Fan de John Boy…!

Mil Calles Hacia El Buen Rock And Roll


La Guardia. Grupo granadino formado en 1983 por el cantante, guitarrista y compositor Manuel España, junto a Enrique Moreno “Conejo” al bajo y Carlos Gilabert a los teclados y caja de ritmos, denominado inicialmente La Guardia del Cardenal Richelieu, caracterizado por desplegar un pop rock con tintes rockabilly y country muy en boga por aquella época con tiempos ligeros y melodías pegadizas con letras muy frescas dirigidas claramente a la juventud y adolescencia con sus dudas, deseos y circunstancias, que llegarían a ser uno de los estandartes de la música de finales de los ochenta y principios de los noventa en nuestro país; es más, no se entiende ningún recopila torio, especial o programa documental referido a esa fecha que no contenga alguna de sus tres piezas maestras.
Dos años después de formarse, habiendo ya grabado su primer EP, Manuel España decide acortar el nombre de la banda y dejarlo solamente en La Guardia, tras lo cual se incorporan Joaquín Almendros a la guitarra rítmica y Emilio Muñoz a la batería, con cuya formación recién estrenada graban un Maxisingle para celebrar su triunfo en un concurso de Fuengirola en 1985.
Así las cosas, 1986 les sonríe con su primer LP, Noches Como Esta, fresco y juvenil, recibiendo el premio a grupo revelación de Radio 3 y siendo la antesala de su gran éxito, Vámonos (1988) con el single mágico Mil Calles Llevan Hacia Ti, uno de los himnos de nuestra generación que Manuel confesó haber compuesto mientras paseaba por el Albaicín granadino.
Su otro gran álbum, Cuando Brille El Sol (1990) vuelve a conseguir un éxito arrollador, no así sus siguientes trabajos, que aunque meritorios, no llegan al nivel de estos dos pedazo de álbumes, si acaso, Al Otro Lado (1991) es un disco muy digno.
Ahora repasaremos sus mejores canciones de peor a mejor en orden ascendente: Mañana, El Lobo Solitario, No Habrá Más Tardes, La Esfinge, La Carretera, Noches Como Esta, Al Otro Lado, El Mundo Tras El Cristal, Cuando Brille El Sol y la generacionalmente inigualable Mil Calles Llevan Hacia Tí.
Grupo inolvidable de una escena granadina que junto a grupos como Los Planetas, 091 o Lagartija Nick han sabido recoger todo el legado musical de su mágica ciudad y fusionarlo con su estilo preferido, en el caso de La Guardia el country y el rockabilly, con un carismático líder como Manuel España que aún sigue haciendo colaboraciones con otros artistas como El Efecto Mariposa o Seguridad Social, reflejados en su álbum Buena Gente (2011)
La Guardia, uno de los grupos más brillantes que ha dado nuestro pop rock.
Puedo perderme en el alcohol.. Y dibujar un corazón.. Saber que existe alguien más que ahora ocupa tu lugar…!

Elefantes de Color Azul


Elefantes. Grupo barcelonés formado en 1994 por Juan Manuel Álvarez Puig, alias Shuarma ( voz y letras), Hugo Toscano a la guitarra, Jordi Ramiro a la batería y Julio Cascán al bajo, caracterizados por practicar un estilo muy personal , con un pop rock elegante, tendente a los estilos del new wave de los ochenta de grupos como Talking Heads o artistas como Bowie y también detalles del emergente brit pop que se fraguaba en el Reino Unido, unido a un sello nacional que dejaba ribetes de rumba y guitarra española , todo ello pulido con la personal y atimbrada voz de Shuarma.
Tras varias maquetas y multitud de bolos en salas barcelonesas, Elefantes publican su primer álbum, El Hombre Pez (1998), metáfora de mundo interior de cada uno ( planea la sombra de Bunbury, no tanto en lo estilístico pero sí en lo metafísico de sus composiciones), con temas como Más que Tú a Yo, Te Querré y Tú Me Perdonarás, No Quieras Más o Y Sin Respirar, todas las cuales tuvieron bastante buena aceptación y prepararon el camino para su gran éxito.
Porque su segundo álbum, Azul (2000), está considerado como uno de los mejores discos jamás grabados en castellano, producido y apadrinado inevitablemente por Enrique Bunbury, quienes les consiguió contrato discográfico con EMI y les apoyó para una campaña de un banco con el tema El cielo Se Va. Con ello, en agosto de 2000 alcanzan el número 1 con Azul, muy pop, romántico, con flecos incluso italianos, pero con el poso Héroes, con regusto New Wave, con muchísimo estilo. Del resto de canciones eclipsadas por esta obra de arte destacaremos Piedad, Se Me va o Me Gustaría Poder Hacerte Feliz.
Su tercer trabajo, La Forma de Mover Tus Manos (2003) les aúpa al Olimpo Mainstream, con una pedazo de canción como Que Yo No Lo Sabía, pegadiza y rumbera pero a la vez elegante y profunda, de la cual hicieron una versión a dúo con el gigante Antonio Vega. Otras joyas de este mi disco favorito suyo son la homónima, Por Verte Pasar o La Niña Morena.
Su último disco antes del receso, Somos Nubes Blancas (2005) denota cierto hastío y ganas por hacer cada uno su guerra musical, como así fue, dedicándose as su proyectos no sin antes publicar un directo, Gracias (2007) a modo de Hasta luego.
2014 es el año de su rentrée musical con El Rinoceronte, flamante nuevo álbum que si bien denota el paso de los años, destila calidad como antaño, -más sofisticada si cabe-, acorde a los tiempos que corren pero con brillanteces como Equilibrios, El Rinoceronte o En Cajas, muy del estilo Triana.
En definitiva, el barritar de estos Elefantes catalanes sigue sonando en la sabana musical actual tan intrincada y olvidadiza, aunque cogiéndoles prestada la memoria a los paquidermos hemos de decir que siempre recordaremos su inmensa calidad y las sensaciones de ese pop rock deliciosamente oscuro con el que nos deleitaron. Hace poco estuvieron por aquí, pero me enteré demasiado tarde… La próxima vez no habrá Piedad, moveré las manos y me vestiré de Azul.
Mi Silencio Azul…Tu Inocencia Azul…Nuestro Abrazo Azul…Y Tú Miraste Hacia Otro Lugar…!

Y Leonor Salió a Cantar


Marlango. Trío afincado en Madrid formado en 1998 por la musa, actriz y chica Almodóvar, bailarina vocacional y cantante (reconvertida pero muy convincente) Leonor Watling, junto a su socio Alejandro Pelayo y el neoyorquino Óscar Ybarra, -el cual abandonó la formación en 2014-,caracterizados por un estilo muy cercano al jazz y al blues, con reminiscencias de los clubs y cabarets de los años veinte, pero progresiva y claramente convencidos hacia la causa indie pop que tan buenos resultados les está dando.
Marlango ( cuyo nombre fue extraído del tema de su admirado Tom Waits I Wish I Was In New Orleans), responde a la necesidad de Watling de plasmar su talento vocal en una faceta poco conocida en ella pero que, en mi opinión, es la que mejor y más notablemente desarrolla (sin ser ni mucho menos mala actriz). Su intensidad vocal, su profundidad de registros y su sensible elegancia en los sostenidos, unido todo ello a su grata presencia, hacen de ella el alma el grupo, aunque no debemos descuidar el aporte positivo e instrumental de Pelayo e Ybarra, a pesar de que este último haya decidido hacer las maletas y probar suerte en Chicago.
Su homónimo debut, Marlango (2004, precedido de una fabulosa maqueta) les define como una banda con gusto por lo bien hecho y con un toque jazz envolvente, como en sus temas Enjoy The Ride, Madness o It’s Alright. Su segundo LP, Automatic Imperfection (2005), nos sumerge a en un estilo indeleble, con una Leonor inmensa muy bien acompañada por canciones como la homónima, mi favorita, Shake The Moon, Pequeño Vals o Cry. Su tercer trabajo,  The Electrical Morning (2007), supone un giro hacia aires más modernos, aunque igualmente elegantes, como en Walkin’ in  Soho, I Do, o los dúos con Miguel Bosé en Dance!, Dance!, Dance! y con Jorge Drexler, pareja de Watling, en Hold Me Tight.
Tras Life in The Treehouse (2010), con maravillas como The Long Fall ( mi segunda favorita) o The Answer junto a Rufus Wainwright, Marlango dan un giro y se cambian al español como lengua principal de sus temas, así editan sus dos últimos trabajos hasta la fecha, Un Día Extraordinario (2012), con Lo Que Sueñas Vuela, Dame la Razón o Un día Sin Ti; y su último trabajo, el redondo El Porvenir (2014), con un mano a mano con Bunbury en Dinero, otro dúo con Coque Malla en Berlín, la homónima, Puede y una fantástica versión de Ay Penita, Pena!.
Grupo que en un principio aprovechó el tirón de su frontwoman, pero que ha demostrado que nadie les ha regalado la calidad y la elegancia en la ejecución de un estilo muy cuidado y unos temas preciosos de escuchar.
And It Works Out, It Works Out…!

Ciudades del Rock #17: Vigo


Vigo. La Ciudad Olívica. La aglomeración más densamente poblada de Galicia, y eso sin ser capital ( lo es Santiago de Compostela) ni siquiera de su provincia, Pontevedra. Rivaliza con A Coruña como la ciudad más pujante del Noroeste español, y aunque culturalmente no es un foco demasiado atractivo, sí que tiene varios atributos que la hacen enormemente interesante. Es una ciudad casi fronteriza, a sus habitantes les llaman portugueses por la cercanía con los lusos, poseen un enclave geográfico envidiable, en las Rías Baixas con las espectaculares Islas Cíes a tiro de piedra, aunque el grueso de sus habitantes se definen como de clase trabajadora, ya que aquí se encontraban los astilleros navales y multitud de industria adyacente a su alrededor, lo que provocó un colapso al cierre de la misma, reflejado en películas como Los Lunes Al Sol, y no sólo eso: se creó una atmósfera portuaria de bares, tascas y pubs que trajo consigo a principios de los ochenta el nacimiento de una riquísima escena musical ( herencia por otra parte de la más arraigada tradición celta ), que le otorgó el título de ciudad musical de Galicia. por ello nuestra entrada de hoy va dedicada a Vigo aunque nos referiremos igualmente a los músicos y bandas del resto de Galicia, como foco disperso del efecto de la Movida de Vigo a principios de los ochenta.
Ya por entonces empezaron a despuntar en la ciudad varios grupos provenientes de la clase trabajadora como los primeros en cantar en gallego, Os Resentidos de Antón Reixa, quien después formaría Heredeiros Da Crus y Nación Reixa; los post modernos y adalid de la movida Golpes Bajos, con sus estrellas Teo Cardalda ( que luego formaría Cómplices juntó a su pareja Maria Monsonís) y el gran Germán Coppini, carismático como pocos y fundador del grandísimo grupo de punk rock satírico irónico Siniestro Total ( unos de mis favoritos) junto a Julián Hernandez y Miguel Costas, el cual paralelamente formaría Aerolíneas Federales, un grupo punk pop integrado por su hermana y por otras futuras estrellas como Silvia Superstar, a la postre cantante de Killer Barbies, en plena explosión índie rock de los noventa. Otro precursor del movimiento pop en la ciudad fue el gran Alberto Comesaña, primero con Semen Up y luego junto a su pareja Cristina Del Valle en Amistades Peligrosas.
Hay dos grupos vigueses que me han enamorado también en estilos distintos, el primero sería los raperos agresivos y subversivos Def Con Dos con su cantante César Strawberry al frente y por otro lado Los Piratas, uno de los mejores grupos de rock en castellano, con el increíble Iván Ferreiro al frente. Otros grupos a reseñar, tanto vigueses como gallegos, sería en cuanto a música tradicional gallega Milladoiro, Luar Na Lubre, A Roda, el gaiteiro mágico Carlos Núñez, la orquesta sinfónica Vertixe Sonora Ensemble, los grupos rockeros Kannon, Keltoi!, Dilaba, CatPeople, los raperos Solemne y Wöyza o los punk Ragdog, Radio Océano y Yellow Pixoliñas. Dentro de la escena índie viguesa tenemos a Niño y Pistola, Triángulo de Amor Bizarro y Os Diplomáticos de Monte Alto; y dentro del rock gallego fuera de Vigo destacaríamos varias bandas míticas como los ferrolanos Los Limones, los orensanos inmortales Los Suaves o los electrónicos compostelanos 6pm.
Vigo como capital musical de Galicia nos ofrece una variedad enorme de contrastes sonoros abarcando todo el abanico estilístico actual y con una arraigada tradición sonora deherencia celta que hace que cuando suena la muñeira los vigueses se pongan en pie al son de A Rianxeira.

El Artista al Alba


Luis Eduardo Aute. Cantautor, pintor, escritor, escultor, poeta, director de cine, artista total nacido en Manila en 1943, hijo de catalán y filipina de ascendencia española, pasa por ser uno de los músicos más reconocidos, reputados y queridos de nuestro país, a pesar de lo intimista de su propuesta, de no casarse con ningún género ni tendencia y de hacer casi siempre lo que le da la gana o le pide el cuerpo, porque en esencia, no se limita a cantar ni componer, sino que muchas otras actividades llenan su espacio y su tiempo.
Ciñéndonos a lo estrictamente musical, Aute hizo sus primeros pinitos melómanos hacia 1968, ya regresado de Filipinas, comenzando a tocar en grupos junto a su hermano José Ramón, como Los Sonor, Los Tigres y Los Pekenikes, aunque en los siguiente años va alternando estas actuaciones con sus inquietudes plásticas, hasta que hacia 1965 trabó amistad con la eurovisiva Massiel, para la cual escribió Rosas en el  Mar y  esta a cambio le presentó a gente del mundillo como Juan Carlos Calderón al que dejó fascinado y le propuso grabar su primer álbum en 1968, 24 Canciones Breves, postergando entonces la actividad lírica hasta 1972 en favor de otras actividades como el cine o la literatura.
A partir de ese año comienza una carrera más o menor regular, revelando se como un cantautor intimista pero ácido, mordaz y romántico a partes iguales, con un constante halo de melancolía, desarraigo y modernidad costumbrista, muy influenciado por los poetas como Pablo Neruda, su ídolo, y con fuertes vínculos con sus coetáneos Javier Krahe o Joaquín Sabina, siendo también fuente de inspiración para nuevas generaciones como Ismael Serrano.
Sus diez canciones esenciales en nuestra opinión, de peor a mejor, son estas: Ay de Tí Ay de Mí, Dos o Tres Segundos de Ternura, Siento Que Te Estoy Perdiendo, Cuando Duermes, Slowly, Sin Tu Latido, Las Cuatro y Diez,Una De Dos, Pasaba por Aquí y Al Alba.
Aute en mi opinión es el gran cantante al desamor en nuestro idioma, un genio describiendo sentimientos de abandono y corazones rotos con innegable sarcasmo ( una de dos, o me llevo a esa mujer o entre los tres nos organizamos, si puede ser…) un romántico empedernido camuflado en una timidez proverbial (pasaba por aquí),que logró encontrar su sitio en un panorama musical cada vez más sofisticado y que sigue dando guerra hasta que el tabaco y las fuerzas se lo permitan. En homenaje a mi madre, grandísima fan del maestro Aute.
Al Alba…!

Sabor a Buen Pop Rock Español


Danza Invisible. Grupo malagueño de Torremolinos formado en 1981 por Ricardo Texidó ( que abandonaría en 1993) Chris Navas y Manolo Rubio, procedentes del grupo Adrenalina, quienes reclutarían a Antonio Gil a la guitarra y al flaco rubiales Javi Ojeda como cantante, con esa personalísima y sonora voz que ha caracterizado a la banda desde sus inicios.
Unos inicios por cierto menos ligados al pop rock posterior y con más afinidad a la New Wave británica y a las tendencias post punk y pseudo electrónicas del grueso de bandas que compusieron la Movida Madrileña, aunque Danza Invisible perteneciera más al movimiento que a la Movida en sí al desarrollar su música fuera de la capital. Ya con su primer single Mis Ojos Hacia Tí, de su segundo álbum Contacto Interior ( el primero fue el mini LP de debut Sueños  de 1982), los malagueños comenzaron a cosechar merecida fama en el circuito de garitos de la costa del Sol, para posteriormente abrirse al ámbito nacional con su siguiente trabajo Maratón (1985), del que rescatamos temas como uno de mis favoritos, El Club del Alcohol o El Ángel Caído. Con Música de Contrabando (1986) comienzan a granjearse un nutrido grupo de fans que les corean las canciones, tales como Sin Aliento o No Habrá Fiestas Para Mañana, pero es con su siguiente disco,-después de su Directo-, A Tu Alcance (1987) donde se advierte un giro pop en sus letras y ritmos que les aboca a un éxito clamoroso e irrefrenable con temas como Sabor de Amor ( su himno y canción ochentera por antonomasia), Reina del Caribe, el cover de Van Morrison A Este Lado de la Carretera o El Brillo de una Canción. Seguido de un recopilatorio, editan su séptimo trabajo de estudio,, Catalina, más intimista y con referentes caribeños, como la homónima, Naturaleza Muerta o la preciosa versión que hicieron del Yolanda de Pablo Milanés.
A partir de aquí, el resto de sus discos se vuelven más prescindibles,si acaso se salva Clima Raro (1993)- con Amor de Madre y Para Siempre,- quedándonos sobre todo con sus buenísimos directos, como el que pudimos presenciar en 1995 en el pabellón de la Universidad de Navarra, donde mi amigo Luis y yo nos colamos a la parte de arriba de las gradas que estaba cerrada y nos apostamos en una especie de balconcillo medio agazapados y “brindando” por la amistad y las buenas vistas…
Volviendo a Danza Invisible, resaltar que ante todo su música rezuma frescura, buen rollo, energía. En sus colaboraciones también se nota su sello, como la que hicieron con sus paisanos Efecto Mariposa en el tema No Me Crees y en numerosos tributos y conciertos.
Y es que, aparte de llevar treinta y pico años ya en esto, su humildad y cercanía les granjean simpatías allá donde van, amén de su innegable calidad musical que les ha llevado a estar donde se merecen por méritos propios. Siempre fui más fan de su simpatía que de su música, sin desmerecer un ápice está última.
…Naranjas en agosto… Y Uvas en Abril…!

Arizona Baby + Los Coronas = Corizonas


Hoy hablaremos de dos grupos y su fusión en uno, algo bastante insólito en nuestro rock pero que ha dado unos resultados inusitadamente buenos. Esta es la historia de Dos Bandas y un Destino.
Arizona Baby. Trío pucelano formado en 2003 por Javier Vielba a la voz y guitarra, Rubén Marrón y Guillermo Aragón, conocidos por practicar un rock muy influido por el country, con toques de Indie patrio, mezclado con estilo americana, mucho slide, actuales y añejos al mismo tiempo, con un sonido marcadamente fronterizo, con toque Nashville pero también El Paso, y sobre todo y ante todo: bestialmente buenos en directo.
Tres LPs les contemplan, el autoeditado Songs to Sing Along (2005), del que rescataremos So Sincere, Survive y I Feel Alright; su segundo disco, Second To None (2009), con temas como Shiralee, mi favorito The Truth o Dirge; entre medias el EP The Truth, The Whole Truth and Nothing But The Truth (2012) y su nuevo álbum Secret Fires (2014) de donde destacaremos New Road, Wooden Nickles , Don’t Look Back o My Love. Consagradisimos en la escena Indie nacional.
Los Coronas. Grupo instrumental de corte surfero muy al estilo Dick Dale o The Ventures formado en Madrid en 1992 por el antiguo componente de Sex Museum Fernando Pardo junto a David Krahe que a nivel circuito de clubs y salas han partido la pana no sólo en España, donde telonearon a Dick Dale, sino también en Mexico. Tras varios EPs publican también varios discos de larga duración como Gen-U-Ine Sounds o Surfin Tenochtitlán; con composiciones en su mayoría instrumentales como Rockaway Surfers o Runaway.
Y llegó el año 2010, cuando se publica un EP en directo con cuatro canciones titulado Dos Bandas y un Destino, donde ambas formaciones unen sus fuerzas en un delirio Tex-mex-surferos con connotaciones Morriconianas, que contenía versiones de ayer y hoy como Runaway de Del Shannon o Wish You We’re Here de Pink Floyd , con tanto éxito que decidieron fusionarse en un solo grupo, Corizonas, publicando su primer LP, The News Today (2011), y acabarán editando el concierto entero de Dos bandas y un Destino. Con este nuevo concepto, se mezclarán ambos estilos en un interés común lo que les ha dado gran repercusión mediática, sobre todo por unos conciertos llenos de adrenalina Surfero-fronteriza que les hacen un caso inigualable y digno de mención en nuestro panorama Indie, con temas propios como Run to the River o Buenas Tardes, Amigos y trabajadas versiones que sorprenderán a cualquiera por su sonido desgarrador.Descubrimiento muy agradable esta simbiosis rockera. Aunque por separado tampoco me disgustan en absoluto.
Run to The River…!