Ocean Colour Scene : The Riverboat Song

Cuando comienzas una etapa de tu vida en un país extranjero, es muy importante imbuirte todo lo que puedas de los sonidos de ese país, que se te pegue el acento, la calle, las sintonías. Yo había aprendido a los 13 años, -cuando nos trasladamos a vivir a Francia-, que un país se respira, se vive desde cada detalle, desde cada gesto, desde cada sonido, se va aprendiendo y asimilando. Y por eso es muy importante abrir las orejas y los ojos todo lo que se pueda, ser receptivo y estar atento, así es como se aprende no sólo el idioma sino la cultura, la idiosincrasia, el poso del lugar.

Así pues, a finales de 1995 a mi llegada a Wolverhampton, UK, para disfrutar del programa Erasmus, me decidí a empaparme completamente del Stiff-upper-lip británico ( lo que nosotros llamamos flema) y para ello comencé a leer periódicos, ver la TV y escuchar la radio ( aún no estaba internet lo suficientemente desarrollado). Ahí fue donde descubrí un maravilloso programa en Radio 1 de la BBC titulado Breakfast Show con el hoy día famosísimo Chris Evans, el cual eligió como sintonía una canción que me enganchó desde la primera vez que la escuché y que aunque me costó averiguar el nombre de sus intérpretes al final me enteré que eran unos chicos de Birmingham llamados Ocean Colour Scene.

The Riverboat Song fue publicado como primer single del segundo álbum de Ocean Colour Scene, Moseley Shoals (1996), producido por Brendan Lynch a través del sello Island, y supuso un éxito en listas Uk llegando al número 15 y abonando el camino para los
siguientes sencillos. A pesar de la originalidad, frescura y estilo setentero de tan maravilloso tema, The Riverboat Song no puede esconder la evidencia de un flagrante influencia o préstamo como es la de los acordes del tema Four Sticks de los legendarios Led Zeppelin ( aunque esta última se desarrolla en un ritmo 4/4 y la que nos ocupa en 6/8), y no sólo eso: la temática de las letras se asemeja bastante. No obstante, Ocean Colour Scene poseen más semejanzas musicales con los grupos sesenteros de su ciudad como The Spencer Davis Group de Steve Winwood, mezclado con un deje Brit pop de su misma época.

Sobre estas líneas os dejamos el vídeo de Four Sticks de Led Zeppelin donde se aprecian las similitudes entres ambas canciones y además dos actuaciones en directo de OCS interpretando The Riverboat Song. Debajo de estas líneas os dejamos con la memorable actuación de Ocean Colour Scene en el programa de Chris Evans en TFI.

Esta es una de las canciones que marcaron mi estancia en Inglaterra, principalmente por los recuerdos tan buenos que me trae de los clubs nocturnos, donde sonaba mucho, de momentos inolvidables, de ambientes espectaculares en fiestas y de una nostalgia brutal al volver a casa cada ve que la escuchaba. Ocean Colour Scene, un grupo que ha sabido labrarse una carrera digna aunque menos brillante de lo inicialmente esperado, contribuyeron a poner música a mis recuerdos de aquella maravillosa etapa de mi vida y que perduran cada vez que escucho él maravilloso riff que abre la canción y que la acompaña en todo su periplo, cual barco que surca un río sonoro donde fluyen las notas inagotablemente.

I see double up ahead
Where the riverboat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
Like a King who stalks the wings and shoots a dove
And frees an eagle instead
It’s more or less the same as the things that you said

I see trouble up the road
Like the things you found in love are by the way
You like to cheat on your soul
Like the best and worst of thoughts that lose control
Before you lie on your bed

It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

It’s more or less the things you fail to say in your way that’s your trouble
Like a King who stalks the wings and shoots the moon and the stars
And his double
It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

I see trouble up ahead
Where the river boat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
I see double, that’s my trouble

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Radiohead : High & Dry

La canción de hoy, una de mis favoritas de esta banda británica, me suscita dos discursos divergentes pero a su vez incluidos en la esencia misma del tema.
El primero de ellos reside en la temática de la canción, de la cual se pueden extraer varias interpretaciones, aunque nos quedaremos con la más aceptada ( ya que sus autores nunca aclararon este punto, pues prefieren que sus letras sean susceptibles de conjeturas varias) es la de la gente que se mueve en la vida por puro prestigio, únicamente para ser valorados por lo que hacen y no por lo que son, yendo contra sus principios en sus actos pero anhelando aceptación por encima de todas las cosas, incluso de la dignidad. “Kill Yourself For recognition” ( te matarías por reconocimiento) o “It’s The Best Thing That You Ever Had” ( es lo mejor que nunca has tenido, en referencia a los falsos halagos de gente que te ensalza y luego te escupirá en cuanto caigas), son verdaderas joyas líricas cargadas de realidad dentro de una melodía absolutamente embriagadora, de contrastes rítmicos  entre la sonoridad de la batería y el riff acústico que acompaña y viste todo el tema con una elegancia irresistible. Por no hablar de la melódica voz de Yorke.

Enlazando con el segundo discurso que comentábamos al principio, decir que esta preciosidad sonora llamada High & Dry y ejecutada por la maravillosa, originalísima y peculiar banda británica Radiohead – una de mis favoritas de todos los tiempos-, extraída como segundo sencillo de su segundo LP The Bends junto a Planet Telex (solo en UK, en el resto del mundo fue Fake Plastic Trees) en febrero de 1995- aunque ya habría sido grabada en 1993 pero fue descartada para su álbum de debut Pablo’s Honey-, producida por John Leckie y Radiohead a través del sello Parlophone (UK) y Capitol Records (USA), no es precisamente la favorita del grupo, habiéndola denostado y descartado desde hace mucho tiempo de las set list de canciones que suelen interpretar en directo.

Paradójicamente, sus dos canciones más queridas por sus fans y por el entorno mainstream, es decir, Creep y High & Dry, son dos temas que no tocan en vivo desde la gira de Paranoid Android, hace ya casi veinte años. Es esa exclusión la que sorprende, atendiendo la misma a dos posibles razones no aclaradas por Radiohead: bien podría ser porque son canciones que se han quedado fuera del estilo que adoptaron a partir de OK Computer (1997), más experimental, cercano incluso al dub o al techno, fuera de la onda mainstream, donde este tema encaja mejor. Otro argumento podría ser el de romper con un pasado enfocado en hits para dar paso a algo más conceptual, a un todo, no sólo piezas sueltas e inconexas, como parecen haber decidido hacer las cosas los de Abingdon.

Sobre estas líneas y en la cabecera os dejamos las dos versiones del vídeo, esta última la original de 1995, que al parecer no gustó demasiado a la banda y por ello encargaron otro, de 1998, que se convirtió en el oficial y que narra historias paralelas dentro de un a cafetería típicamente americana donde se sucede una trama con desenlace fatal.
Además hemos recuperado algún vídeo de actuaciones en directo ya remotas interpretando High & Dry, concretamente una de Glastonbury en 1997, otra de un show de TV en 1996 y otra en un a sesión de estudio en la radio en 1995

Por otro lado también hay bastantes versiones de este atractivo tema por parte de artistas como Jamie Cullum en 2002, la de la banda afroamericana Jacksoul en 2006 y una curiosidad con el cover del uruguayo Jorge Drexler también de 2006.

Es increíble lo menospreciada que ha sido esta canción por radio fórmulas y por el auto veto al que fue sometida por los propios Radiohead, pero la verdad es que High & Dry contribuyó sobremanera a aupar a The Bends como uno de los mejores álbumes de su década en cuanto a ventas y calidad se refiere, todo un Hit muy a pesar de sus creadores.

Two jumps in a week
I bet you think that’s pretty clever don’t you boy?
Flying on your motorcycle,
Watching all the ground beneath you drop
You’d kill yourself for recognition,
Kill yourself to never ever stop
You broke another mirror,
You’re turning into something you are not

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

Drying up in conversation,
You will be the one who cannot talk
All your insides fall to pieces,
You just sit there wishing you could still make love
They’re the ones who’ll hate you
When you think you’ve got the world all sussed out
They’re the ones who’ll spit at you,
You will be the one screaming out

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

It’s the best thing that you ever had,
The best thing that you ever, ever had
It’s the best thing that you ever had,
The best thing you ever had has gone away

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

Turin Brakes : Underdog ( Save Me)

Siempre me ha fascinado la etimología, el origen de las palabras y los cambios y distintas acepciones que en ellas se generan según las costumbres, circunstancias y procedencia de quien la usa o las pone de moda.
El otro día, indagando en mis viejos CDs me fijé en el título de una canción. Underdog ( que además es el título de una película aunque no tienen que ver nada la una con la otra), a pesar de mi aceptable inglés, no conocía su significado a ciencia cierta, así que rápidamente fui al diccionario (aunque luego pude comprobar que en el inicio del vídeo rezaban las siguientes acepciones):
1. El perro perdedor o derrotado en una pelea de perros ( instintivamente uno siempre queda encima del otro, de ahí lo de “under“, el perro que está debajo )
2. Una persona, grupo o equipo que pierde o suele perder habitualmente en una competición o en una batalla (me vino a la cabeza inmediatamente mi queridísimo Osasuna como fiel reflejo de esta definición).
3.Alguien que está impedido o falto de privilegios, o bien que sufre en la vida.

Y es que Underdog (Save Me),incluida en The Optimist LP (2001), autoproducido a través del sello Source, mi canción favorita del dúo británico Turin Brakes, originalmente formado en 1999 por Olly Knights y Gale Palidjanian – al que se le unen en directo Rob Allum y Eddie Myer-, es un auténtico compendio de baja autoestima, mala reputación y poca fe en sus posibilidades, una llamada de auxilio hacia la salvación de uno mismo hacia alguien que siempre se decanta por las causas perdidas; una égloga moderna de las miserias, complejos y frustraciones, todo ello aderezado con dos guitarras acústicas muy en la línea de Neil Young, con voces empastadas y un deje indie que recuerda vagamente a las composiciones pop de los sesenta, aunque sus letras mordaces y ácidas digan lo contrario.

Aunque Turin Brakes no son especialmente conocidos ni han tenido un éxito mundial, con Underdog ( Save Me) consiguieron entrar en el número 39 de listas UK y posteriormente con su hit más conocido, Painkiller, incluido en su LP Ether Song (2003) lograrían el número 5 en USA Charts.

Otros títulos como Fishing For a Dream o Keep Me Around definen un estilo folk pero adaptado a los tiempos, basado en el empaste de voces y guitarras semi acústicas con acompañamiento de bajo y escobillas casi jazzístico pero muy moderado y con el protagonismo limitado , dejando ese rol a la personal cadencia vocal de Olly Knights y sus sardónicas letras.

Bajo estas líneas os dejamos varias actuaciones en directo de Turin Brakes interpretando Underdog (Save Me), concretamente un fantástico durante el festival de Glastonbury en 2003 y otra sesión de AOL en 2008.

También han hecho alguna versión como Breaking The Girl de Red Hot Chili Peppers, Moonlight Mile de The Rolling Stones o Ascension Day de Talk Talk, siempre con la sensibilidad y el buen gusto que han caracterizado toda su carrera.

Turin Brakes, un dúo que no por poco conocido del de tener su encanto, su propio estilo, unas letras muy bien construidas y un feeling que no se encuentra todos los días.
La primera vez que los escuché fue en un recopilatorios indie de2001 y desde entonces me encandilaron con su estilo pausado pero intenso. Para la que no los conozcáis, esta es un buen oportunidad de probar si los frenos de la factoría de Turín resisten los envites del tedio y protegen a la calidad musical del desenfrenado mal gusto de la actual escena mainstream.

Two black lines streaming out like a guidance line.
Put one foot on the road now where the cyborgs are driving,
With the WD-40 in their veins the screeching little brakes complain.

With the briefcase empty and the holes in my shoes,
I try to stay friendly for the sugary abuse.
So tell my secretary now to hold all of my calls,
I believe I can hear through these walls.

Oh please save me, save me from myself.
I can’t be the only one stuck on the shelf.
You said you’d always fall for the underdog.

Well I’ve been dreaming of jet streams and kicking up dust,
A thirty seven thousand foot wonderlust
And with skyline number 9 ticked off in my mind,
Oh can you hear me screaming out now through the telephone lines.

Oh please save me, save me from myself.
I can’t be the only one stuck on the shelf.
You said you’d always fall for the underdog

Beirut : Vagabond

Han existido en la música tipos a los que se ha calificado de genios totales, es decir, artistas que dominan todas las facetas de la industria, componen, producen (a ellos mismos y a otros) y encima tocan varios instrumentos a la perfección. Pero además, innovan, transgreden, rompen las normas y los muros inmateriales de lo convencional para legarnos joyas inmortales.

En este siglo tenemos algunos ejemplos de músicos totales en Dave Grohl ( Nirvana, Foo Fighters, Them Crooked Vultures) o su compañero de este último grupo, el pelirrojo Josh Homme ( Queens Of The Stone Age, Eagles Of Death Metal). Hoy os hablaremos de un genio de tan solo 30 años que ya está considerado como uno de los mejores músicos de este siglo.
Su nombre: Zach Condon. La banda que le ha catapultado a la fama : Beirut.

Nacido en Alburqueque y criado en Santa Fe, Nuevo México, ya desde muy pequeño fue un superdotado para la música, tocando a la perfección varios instrumentos (acordeón, trombón, guitarra y trompeta) haciendo sus pinitos iniciales en una banda de jazz con tan sólo quince años, siendo según el su mayor influencia estilística, aunque dado el lugar donde se crió y su cercanía con México también se vio embelesado por la música mariachi aunque fue un viaje por Europa Central el que le abrió los ojos al folclore europeo, concretamente balcánico, con muchas reminiscencias de la música tradicional serbia – en especial de la Orquesta de Boban Markovic y sus 200 trompetas y de bandas sonoras de películas del director bosnio Emir Kusturica.

Es esta originalidad estilística la que destila una de sus canciones más logradas, Vagabond, extraída como segundo single del fabuloso y espectacular indie-folk-etnico The Rip Tide (2011), un sublime compendio de canciones excelsas llenas de instrumentos folk (acordeones, trompetas, saxos, violines) pero sin perder su esencia indie con temas como el genial Santa Fe, Goshen o la homónima The Rip Tide, las cuales, sin desmerecer sus anteriores trabajos Gulag Orkestar (2006), el EP Lon Gisland (2006) y The Flying Club Cup (2007), representan lo mejor de la banda de Condon, el cual no se ha quedado solo en Beirut y ha emprendido multitud de proyectos paralelos – 1971, el proyecto electrónico Realpeople o los sellos Pompeii Records y Ba Da Bing, especializado en música balcánica-.

Bajo estas líneas os dejamos una serie de conciertos de Beirut interpretando Vagabond, una canción de corte muy balcánico, con temática nómada procedente de los gitanos serbios, que provoca una atmósfera étnica absolutamente deliciosa.

Las letras respiran aires de libertad, muy indies en cuanto a su ambigüedad pero muy etnica a y folk en cuanto a su significado.
El vídeo, muy apropiado, bizarro pero curioso, refleja fielmente el sentido último de la música de Beirut, un proyecto revolucionario de un genio moderno como es Zach Condon.

Left the vagabonds
A trail of stones
Foward to find my way home

Now as the air grows cold
The trees unfolds
And I am lost and not found

And who knows
Who knows, who knows, who knows
And who knows
Who knows, who knows, who knows

Now left the vagabonds
A trail of stones
Foward to find my way home

Now as the air grows cold
The truth unfolds
And I am lost and not found

Now left the vagabonds
A trail of stones
Foward to find my way home

Now as the air grows cold
The truth unfolds
And I am lost and not found

Muse : Knights Of Cydonia

Mitología: conjunto de mitos o relatos que forman parte de una religión o cultura, basados en la tradición y en la leyenda, creados para explicar la creación del mundo, el origen del hombre y cualquier cosa para la que no haya una explicación simple. Esta es a grandes rasgos la definición que encontramos en wikipedia, y os preguntaréis, ¿qué tiene que ver un videoclip de una canción de un grupo de rock de principios del siglo XXI con la mitología? Pues, según se mire, todo y nada. Puede no parecerse en las formas a las mitologías clásicas grecorromanas o asiáticas, pero sí en su fondo , sí en el mensaje y en lo que trata de explicar.

Esto es lo que logró el fantástico trío británico Muse con su fantástica epopeya en clave Cyber- Western titulada Knights Of Cydonia, incluida en su fantástico álbum Black Holes and Revelations (2006), del cual fue extraído como tercer single y publicado el 13 de junio de 2006 a través del sello Helium 3 (propiedad de Warner Bros) y con producción de la propia banda junto a Rich Costey.

La canción inicia con un preludio de harmónica -sustituido en directo por los compases de la famosa sintonía de Encuentros en la Tercera Fase-, dando paso a una cabalgada simulada por el fantástico bajo de Chris Wolstenholme a la que el genio Matt Bellamy le añade un riff muy al estilo Morricone y con reminiscencias del tema Telstar (1962) del grupo instrumental The Tornados ( a la sazón la banda de su padre George Bellamy)

El sentido que le da Muse a la letra es el de que cada uno debe creer en sí mismo y seguir su propio destino para lo que maquilla el significado de la misma con una estética a caballo entre los Westerns de Sergio Leone y las películas futuristas post holocausto de los años setenta.
Cydonia alude a un lugar ficticio pero realmente se le llama así a una región de Marte y una región de la isla griega de Creta. El vídeo de Joseph Kahn con el villano, el héroe y la rubia en un entorno de vaqueros del ciberespacio con un tratamiento claramente retro no tiene desperdicio y aupó a Knights Of Cydonia muy alto en listas, nada menos que hasta el número 10 en la UK Single Charts.

Ahora os dejaremos varias versiones de Knights Of Cydonia en directo, entre ellas destacar la del concierto de inauguración de Wembley en 2007, incluida como primer corte en su disco en directo H.A.A.R.P. Una de las mejores performance en directo, tanto musical como en cuanto a puesta de escena se refiere.

Knights Of Cydonia representa todo lo que la Mitología rockera actual unida al universo del cómic y del cine pueden aportar a nivel irónico y estético, dejando una aureola de leyenda y epopeya sin perder el sentido del humor con esos guiños fantásticos a las películas de Bruce Lee y de artes marciales en general.
Ciñéndonos a la canción en sí, Bellamy se esfuerza en lograr un mensaje válido para crear una canción que enganche en directo desde el minuto uno (ese es su objetivo último), y a la vez que genere un lenguaje entendible y llamativo para captar a la audiencia con un videoclip absolutamente estratosferico, rozando lo kitsch pero con el punto justo de cordura y con una sincronización perfecta respecto a la música y el tempo de la trama ( si es que la hay), que no representa más que la eterna dualidad bien- mal, al fin y al cabo como cualquier otro mito en su fin último.
Solo que esta vez, Bellamy y los suyos recurrieron al rock para aleccionar a las masas acerca del hecho de lo que realmente importa en la vida es creer en uno mismo… Aunque seas un vaquero del ciber espacio hortera y con bigote.

Come ride with me
Through the veins of history
I’ll show you a god who
Falls asleep on the job

And how can we win
When fools can be kings
Don’t waste your time
Or time will waste you

No one’s gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

No one’s gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

No one’s gonna take me alive
The time has come to make things right
You and I must fight for our rights
You and I must fight to survive

The Civil Wars : Poison & Wine

Las relaciones sentimentales son una de las experiencias más complejas que pueden llegar a experimentar los seres humanos. No solo por las diferentes circunstancias vitales, sociales, económicas y culturales que rodean y condicionan a cada uno de los implicados; no solo por todo lo que les une, filias, fobias, gustos, aficiones; sino también por lo que les separa, diferencias, caracteres incompatibles, distintas miras y objetivos en la vida. Y todo ello a pesar del afecto, del cariño o deseo sexual que exista manifiestamente entre ambos. Por todo ello resulta muy complicado estar eternamente bien avenido con la otra persona: los roces, los reproches, las tensiones acaban tarde o temprano surgiendo como un mazo invisible que devuelve a al realidad las ensoñaciones místicas y etéreas de quienes beben los vientos el uno por el otro; la convivencia resulta una prueba realmente dura osa quienes se creen inseparables e invencibles en su respeto al prójimo.

Esta compleja temática es la que desarrolla magistralmente el dúo de Nashville The Civil Wars, compuesto por Joy Williams y John Paul White (que aunque parezca mentira no son pareja sentimental) y que sacaron su nombre paseando por su ciudad natal y viendo los monumentos a la Guerra Civil, “en honor a todas las pequeñas guerras que se libran cotidianamente” ( en palabras textuales de Williams).
La pareja bebe de las mejores influencias folk del medio oeste norteamericano unido a reminiscencias vocales country heredadas de generación en generación por una cuidada técnica vocal consistente en desafinar deliberadamente una pequeña nota en el sostenido.

Formados en 2008, el 15 de noviembre de 2009, The Civil Wars publicaron el fantástico EP Poison & Wine, editado por el sello Sensibility y producido por Charlie Peacock ( uno de los impulsores del Rock Cristiano Contemporáneo) con cuatro canciones entre las que se encuentra la homónima y que nos muestra un duelo vocal realmente interesante entre Williams y White, acompañados ella por su piano y él por su guitarra acústica, sosteniendo una peles de empastes y desencuentros muy buen calculados que lejos de restarse protagonismo, consiguen trabajar en pro de un excelente y armónico resultado final que les dio una fama merecida y un prestigio que les ayudó a grabar su álbum de debut Barton Hollow (2011) en el que viene incluida Poison & Wine, y la cual por supuesto sería extraída como primer single el 4 de agosto de 2011.

La letra de tan maravillosa canción, firmada por la pareja Williams- White junto al artista y productor country Chris Lindsey, es sencillamente arrebatadora, ya que juega de forma fantástica con las palabras de forma que todo sea contradictorio, como en una relación en la que hay veneno y vino, y que si lo mezclas resulta un cóctel mortal. Me quedo con la frase del estribillo : “ I Don’t Love You And I Allways Will” que parece decir No te quiero y nunca te querré pero se puede interpretar como lo contrario, que ahora no, pero siempre sí. El vídeo de cabecera y su puesta en escena ayudan a jugar con todos los sentimientos desarrollados en la letra y con la cadencia lenta e intensamente gradual.

Sobre estas líneas os dejamos una escena de la serie Anatomía de Grey donde aparece de fondo Poison & Wine.
La banda ha realizado apariciones en directo y en programas de televisión interpretando el tema, de cuyos momentos os dejamos varios extractos.
Además os dejamos un fabuloso cover de Jess Mosskaluke y Jake Coco.

Pues bien, este tema, que descubrí por casualidad enredando por Spotify, supone uno de los hitos románticos e intimistas del nuevo siglo, un canto a la sensibilidad, al talento y al buen gusto de dos artistas que desgraciadamente separaron sus caminos indefinidamente s principios de 2014 pero que nos dejaron dos discos ( el segundo, el homónimo de 2013 es una joya) que muestran muy a las claras la infinita calidad vocal y musical de The Civil Wars.
You only know
What I want you to
I know everything
You don’t want me to
Your mouth is poison
Your mouth is wine
You think your dreams are the same as mine
Oh, I don’t love you
But I always will
Oh, I don’t love you
But I always will
Oh, I don’t love you
But I always will
I always will
I wish you’d hold me
When I turn my back
The less I give
The more I get back
Oh, your hands can heal
Your hands can bruise
I don’t have a choice
But I’d still choose you
Oh, I don’t love you
But I always will
Oh, I don’t love you
But I always will
(bis)
I always will
I always will
I always will
I always will

Nick Cave & The Bad Seeds: The Ship Song

Dentro del maravilloso y ecléctico mundo de la música (estamos hablando de la música actual, desde los primeros 60 hasta nuestros días) han existido personalidades de lo más variopinto: excéntricas, oscuras, viscerales, geniales, carismáticas, incluso siniestras. Pero si hay alguien dentro del show business que desprenda un magnetismo brutal sin ser guapo; que posea una aureola de estar por encima del bien y del mal; que tenga un gusto infinito en el tratamiento, la composición e interpretación de las canciones con que nos deleita; que deje absoluta y literalmente sin habla a toda una sala de conciertos solo con su presencia y su prestancia al piano ( esto es rigurosamente cierto porque mi hermana lo presenció); que hable del amor de una forma tan oscura, onírica y hasta perversa que duela escucharlo pero a la vez le dulcifique a uno la vida; si hay alguien así, ese es sin duda el inefable Nick Cave.

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Resulta harto difícil no caer en sus redes, no impregnarse de su asombroso, profundo y retumbante timbre vocal; resulta complicado entender por qué canciones tan oníricas, autodestructivas y peligrosas emocionalmente nos calan, nos empapan, nos virulentan, nos transgreden continuamente; sin ser ni machaconas ni mucho menos fáciles de digerir, sin estribillos cantables, sin florituras ni artificios. Solo él y por supuesto sus Bad Seeds  (entre los muchos miembros que han pasado destacan su inseparable y barbudo multi-instrumenstista  Mick Harvey, junto a Blixa Bargeld y Thomas Wydler).

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Desde esa Australia tan prolífica en talento del bueno con bandas como AC /DC, Midnight Oil, INXS o Airbourne entre otras, Nick y los suyos han conseguido dotar a su música, parida en clubs y al albor del jazz y del blues, de un carácter único e irrepetible, de una tinta indeleble, de un sello tan genuino que cuesta recordar a alguien que haya sido tan fiel a sí mismo.

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Es por ello que hoy quería recordar una de las canciones que más me han impactado de la extensa carrera de esta genial banda y de su genial alma mater. Me refiero a The Ship Song, primer single de su noveno álbum de estudio, The Good Son (1990), publicado el 12 de marzo de 1990 a través del sello Mute Records, grabado y remasterizado en los Cardan Studios de Sâo Paulo (Brasil) y producido por ellos mismos. La línea de piano con la que comienza la canción junto al gravísimo aunque habitual tono empleado por Cave nos van enredando poco a poco en un lento pero constante in crescendo que desemboca en un brillante y elegíaco estribillo muy acertado y recordable.
La letra, que aparentemente habla de barcos, puentes y demás, resulta una metáfora oscura y cruda de una relación de pareja en la que él le pide a ella que junte todos sus barcos en torno a él (sus sentimientos) y que queme los puentes (que le unen al resto del mundo: posiblemente se lo diga a una mujer casada). Es una relación abocada al fracaso, y ambos lo saben; hay química entre ellos, y cada vez que vuelven a estar juntos hacen “historia”, pero ambos saben también que tarde o temprano acabará, y él se resiste al destino inapelable que les espera.

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De esta canción existen varias versiones, entre las que destacaremos la de Inmaculate Fools; la colaboración de Nick Cave con Concrete Blonde y un maravilloso cover de Pearl Jam. Por si fuera poco, The Ship Song Project, un proyecto de la Ópera House de Sydney para promocionarse, contó con grandes artistas en sus filas, como Neil Finn de Crowded House, Martha Wrainwright, The Temper Trap y la Orquesta de Cámara de Australia, entre otros, tomando como himno esta deliciosa canción, de cuyo resultado se realizó un documental.

Maravilla de tema que ha conseguido enamorar a todo el que lo escucha por su oscura sensibilidad, su exquisita construcción y el carisma de todo un fenómeno como el grandísimo Nick Cave. Todo un regalo que me sirve para felicitar una persona muy especial para mí aunque la tenga lejos. Feliz Cumpleaños, hermanita.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.
Come loose your dogs upon me
And let your hair hang down.
You are a little mystery to me
Every time you come around.

We talk about it all night long
We define our moral ground.
But when I crawl into your arms
Everything comes tumbling down.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.

Your face has fallen sad now
For you know the time is nigh
When I must remove your wings
And you, you must try to fly.

Come sail your ships around me
And burn your bridges down.
We make a little history baby
Every time you come around.
Come loose your dogs upon me
And let your hair hang down.
You are a little mystery to me
Every time you come around.

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Blind Melon : No Rain

Hoy os contaremos la historia de una banda atípica para su tiempo, con un cantante de personalidad arrolladora pero con profundas adicciones que acabaron con él y con la propia banda, con un estilo muy arraigado en el folk rock de finales de los sesenta y principios de los setenta, con un disco de debut y un vídeo protagonizado por una Bee Girl (Niña Abeja), que les catapultó a la fama y con un par de canciones absolutamente inolvidables.

Estamos hablando de Blind Melon, grupo formado en Los Ángeles en 1990 por cinco forasteros emigrados para buscar la gloria en California: el guitarrista Rogers Stevens, el bajista y compositor Brad Smith y el batería Glen Graham, todos oriundos de West Point, Mississippi; el guitarra rítmica Christopher Thorn, procedente de Pennsylvania; y por último el cantante Shannon Hoon, nativo de Lafayette, Indiana y amigo de la infancia de Axl Rose ( lo que le sirvió para colaborar con G´N´R haciendo las segundas voces de la maravillosa Don´t Cry en 1991).

Es así como a Blind Melon (nombre extraído de los hippies de Mississippi y de un personaje de los cómicos Cheech & Chong), tras grabar una maqueta de cuatro canciones titulada The Goodfoot Workshop (1991), les fichó Capitol Records, los cuales les sugirieron trasladarse a Durham, Carolina del Norte, para grabar su álbum de debut, el homónimo Blind Melon (1992), bajo la producción de Rick Parashar -famoso por haber producido el maravilloso Ten de Pearl Jam-.

Con el primer single, Tons of Home, no obtuvieron mucha repercusión, pero fue No Rain y su vídeo anteriormente mencionado el que un año después se situaría como número 1 en listas americanas y canadienses y supondría una vuelta al folk retro y setentero en plena vorágine grunge. El disco contiene otras joyas como el cuarto single y segunda canción en importancia de su repertorio, Change, de la que os dejamos el vídeo y también destacaríamos la sutil I Wonder, Drive y Time

Todo iba sobre ruedas para la banda: conciertos, giras de teloneros con The Rolling Stones, portada de la revista Rolling Stone (valga la redundancia) y un nuevo disco titulado Soup (1994), producido por Andy Wallace, que aunque más flojo que el anterior, les sirvió para que les incluyeran una versión de Out of The Tiles en el disco tributo a Led Zeppelin titulado Encomium (1994). También merece la pena el single Galaxie. Su techo llegó cuando fueron invitados aparticipar en el festival de Woodstock de 1994 para conmemorar el 25 aniversario de su primera edición. Os dejamos la actuación entera de tan memorable evento.

El 21 de octubre de 1995 todo cambió drásticamente para Blind Melon cuando, antes de un concierto en Nueva Orleans,  Shannon Hoon fue encontrado muerto en la parte de atrás del autobús de la banda. La autopsia determinó sobredosis de Cocaína. La banda decidió seguir adelante sin Hoon, pero ya nada fue lo mismo, les faltaba la magia, el carisma y la identidad que les daba su frontman. No obstante, en 1996 decidieron publicar un álbum de rarezas, versiones de gente como Lennon o Steppenwolf  y demos al que titularon Nico, el nombre de la hija de Shannon Hoon que tan solo contaba con trece semanas de vida cuando su padre falleció y a la cual fueron destinados los ingresos por ventas y promoción del disco.

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Tras un parón obligado por las circunstancias, los miembros de la banda comenzaron a emprender proyectos al margen de Blind Melon, como la banda Unified Theory,  formada por Thorn y Smith. No es hasta 2006 cuando se reúnen para editar nuevo material con el nuevo disco For My Friends (2008), ya con un nuevo cantante, Travis Warren, y con canciones bastante aceptables  como Make a Difference o Harmful Belly, pero sin llegar al nivel mostrado con Hoon.

A partir de aquí, alguna gira ocasional, varios bolos en programas y festivales y poco más. Resulta obvio que el sello de la banda lo ponía la personalidad y timbre único de Hoon, si bien compositiva y musicalmente el grupo era liderado por Thorn y Smith. Blind Melon nos dio momentos realmente sublimes sobre todo en su debut con temas muy bien construidos y de guitarras melódicas como No Rain, con un mensaje muy sesentero, con parte de la filosofía hippie recogida en su idiosincrasia y con un estilo que les hizo únicos en su momento y que bandas posteriores quisieron emular con escaso éxito.

All I can say
Is that my life is pretty plain
I like watchin’ the puddles gather rain
And all I can do
Is just pour some tea for two
And speak my point of view
But it’s not sane,
It’s not sane

I just want some one to say to me,
“I’ll always be there when you wake.”
You know I’d like to keep my cheeks dry today
So stay with me and I’ll have it made

And I don’t understand why I sleep all day
And I start to complain
That there’s no rain
And all I can do is read a book to stay awake
And it rips my life away,
But it’s a great escape
Escape… escape… escape…

All I can say
Is that my life is pretty plain
You don’t like my point of view
You think that I’m insane
It’s not sane… it’s not sane.

I just want some one to say to me,
“I’ll always be there when you wake.”
You know I’d like to keep my cheeks dry today
So stay with me and I’ll have it made

And I’ll have it made
And I’ll have it made
And I’ll have it made oh no no no
You know I’m really gonna
Really gonna
Have it made
And I’ll have it made
Ah ah ah ah, ah ah ah ah, ah ah ah ah

Noir Désir : Le Vent Nous Portera

Recuerdo, cada vez con más lejanía pero con especial cariño aquellos tres años, -de 1986 a 1989,- que pasé junto a mi familia viviendo en la preciosa capital de la Borgoña francesa, Dijon.
Esa experiencia me sirvió para conocer otras gentes, la pluralidad cultural del país galo, los fabulosos paisajes de las viñas de la Côte d´Or y también el idioma, aunque con 13 años me fijaba en aspectos determinados del idioma como los tacos o los términos futbolísticos. Mi hermana con 9 años tardó dos semanas en hablar perfectamente. Pero si de algo realmente me sirvió esa etapa de mi vida en plena adolescencia fue en que despertó definitivamente mi melomanía, mi amor por la música, especialmente por el Rock.
Y eso que allí son más de solistas que de grupos, su tradición es más de intérpretes y cantautores, recuerdo que por esa época sonaban mucho en el TOP 50 France Gall ( sí, la de Poupée de Cire ), mi predilecto Jean-Jacques Goldman, una especie de Sabina a la francesa, un jovencísimo Patrick Bruel o la histriónica Desireless con su Voyage Voyage. Aunque también había grupos que arrasaban como Les Rita Mitsouko o L´Affaire Louis Trio. Pero el rock que se practicaba, aparte de Johnny Halliday o Gold, o no era de mi gusto o era blandito.

Cuatro o cinco años después de volvernos a Pamplona, hacia 1993 o 1994, nos visitó un verano Julie, la mejor amiga de mi hermana (como mi segunda hermana) y con ella trajo una cinta de un grupo francés que estaba pegando muy fuerte, llamado Nuag Desig ( escrito Noir Désir) y que según ella tenía un cantante que era la bomba a todos los niveles: guapo, listo, buen compositor y con un pedazo de voz.

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Y así fue como descubrí a un pedazo de banda haciendo muy buen rock en francés, con un estilo muy directo, con reminiscencias punk y con letras contestatarias, sarcásticas e hirientes. Sus responsables, el guitarrista Serge Teyssot-Gay, el batería Denis Barthe, el bajista Fréderic Vidalenc y el compositor, carismático y controvertido cantante Bertrand Cantat. Su cuarto álbum, Tostaky (1993), contracción de la expresión española Todo Está Aquí, fue una revelación, un signo de que en Francia también se hacía buen rock. Canciones como Comme Elle Vient, Ici Paris o Á Ton Étoile supusieron verdaderos himnos subversivos y contestatarios, yendo su música poco a poco mutándose en algo más poético y sosegado pero igual de intenso compositivamente.

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Como ejemplo de la obra de estos cuatro fenómenos de Burdeos, he elegido la archiconocida Le Vent Nous Portera (el viento nos llevará, o se nos llevará, quedando aquí el doble significado de transportarnos y borrarnos de la faz de la tierra). Dicha canción, – que había de lo pasajero y futil de la vida, de que no existe no presente ni pasado porque todo acaba pasando, aunque resalte la inmutabilidad de quien no se separa jamás, con un toque redencionista pero a la vez surrealista y profundamente pesimista- fue publicada como primer single de su décimo LP Des Visages Des Figures (Caras, Rostros) el 28 de agosto de 2001 producido por Noir Désir junto a Jean Lamoot a través del sello Barclay, y fue promocionado por un vídeo original inquietante y entrañable a la vez, el cual os dejamos aquí, ya que en la cabecera hemos colgado una actuación con la letra subtitulada. Además os dejamos una serie de actuaciones en directo de Noir Désir donde se puede apreciar todo su poderío y potencial con otras canciones de su repertorio.

Desgraciadamente todo se truncó cuando Bertrand Cantat asesinó brutlamente a su novia Marie Trintignat en un hotel de Vilna (Lituania) durante un rodaje de la actriz en 2003.   A pesar de que la prensa en bloque lo protegió en un primer momento al pensar  que había sido algo fortuito, la autopsia desveló lo contrario. No obstante,  de la pena de 8 años a que se le condenó, únicamente cumplió cuatro.
Pero la historia negra de Cantat no acaba aquí, ya que el 10 de enero de 2010, mientras estaba pasando unos días con sus hijos y su  ex mujer, la dramaturga húngara Krisztina Rady, y encontrándose el cantante en la casa, esta se suicidó, aumentando aún mas la sombra de Bertrand, el cual decidió poner fin a su carrera musical con Noir Désir ese mismo año.
Gran canción de una banda grande como pocas en el país galo y con el cantante más controvertido que jamás haya conocido.

Je n’ai pas peur de la route
No tengo miedo del camino
Faudrait voir, faut qu’on y goûte
habrá que ver, hace falta probarla
Des méandres au creux des reins
los meandros de la parte baja de la espalda
Et tout ira bien là
y todo irá bien allá
Le vent nous portera
el viento nos llevará

Ton message à la Grande Ourse
Tu mensaje a la Osa Mayor
Et la trajectoire de la course
y la trayectoria de la carrera
Un instantané de velours
una instantánea de terciopelo
Même s’il ne sert à rien va
incluso si no sirve para nada va
Le vent l’emportera
el viento se la llevará
Tout disparaîtra mais
todo desaparecerá pero
Le vent nous portera
el viento nos llevará

La caresse et la mitraille
La caricia y la metralla
Et cette plaie qui nous tiraille
y esa pena que nos tirotea
Le palais des autres jours
el palacio de los otros días
D’hier et demain
de ayer y de mañana
Le vent les portera
el viento los llevará

Génétique en bandoulière
Genética en bandolera
Des chromosomes dans l’atmosphère
los cromosomas en la atmósfera
Des taxis pour les galaxies
taxis para las galaxias
Et mon tapis volant dis ?
y mi alfombra voladora dice?
Le vent l’emportera
El viento se la llevará
Tout disparaîtra mais
todo desaparecerá pero
Le vent nous portera
el viento nos llevará

Ce parfum de nos années mortes
El perfume de nuestros años muertos
Ce qui peut frapper à ta porte
este que puede llamar a tu puerta
Infinité de destins
infinidad de destinos
On en pose un et qu’est-ce qu’on en retient?
Se pone uno y ¿qué es lo que se recuerda?
Le vent l’emportera
el viento se lo llevará

Pendant que la marée monte
Mientras sube la marea
Et que chacun refait ses comptes
y que cada uno salda sus cuentas
J’emmène au creux de mon ombre
llevo al hueco de mi sombra
Des poussières de toi
los polvos de ti
Le vent les portera
el viento se los llevará
Tout disparaîtra mais
todo desaparecerá pero
Le vent nous portera
el viento nos llevará

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Incubus : Drive

El miedo. Ese sentimiento irracional que gobierna en muchas ocasiones nuestras vidas a través de actos y decisiones condicionadas por no atrevernos a hacer, decir o pensar amenazados por ese censor emocional, ese castrador de ilusiones, experiencias y esperanzas que ciega el entendimiento y la cordura; ese hermano pequeño del pánico al que azuza y alimenta hasta que aparece
con todo su poder. Y el rumbo empieza a desviarse hacia lo nublado, lo confuso, lo borroso, lo oscuro, ya no sabe a qué jugar ni adónde pegarle.
A perder el control.

Este es el mensaje de la canción que hoy nos ocupa : Drive, publicada el 29 de noviembre de 2000 como tercer sencillo de Make Yourself, tercer LP a su vez de la banda californiana Incubus (nombre tomado de la mitología medieval que denominaba así a los demonios que mantenían relaciones sexuales con mujeres y que de ellas engendraban hijos con poderes mágicos), integrada por el cantante Brandon Boyd, su amigo de la infancia y batería José Pasillas, el guitarrista Mike Enziger, el bajista Ben Kenney y el teclista y Dj Chris Kilmore, los cuales comenzaron desarrollando un estilo cercano al
Nu Metal, agresivo y con bases rapeadas ( muy en la línea Faith No More o los Red Hot Chili Peppers de los inicios) aunque dulcificado con el tiempo y más tras este su gran éxito – al que en mi opinión le falta un subidón guitarrero al final-.

Volviendo a la canción, compuesta por la banda al completo, producida por ellos mismos junto a Scott Lift y editada por el sello Epic / Inmortal, la verdad es que fue un bombazo en listas, logrando el número 1 en listas independientes norteamericanas, gracias en gran medida no sólo a la fabulosa canción en si, sino al fantástico vídeo realizado con maravillosas litografías en movimiento a cargo del holandés MC Escher y por el cual fue nominado a los Grammy a mejor clip del año.

En cuanto a sus actuaciones cargadas de energía y adrenalina , os dejamos unos ejemplos de conciertos en directo y algunas versiones de la misma.

Según palabras de Brandon Boyd,Drive trata básicamente acerca del miedo, acerca de ser conducido por él y tomar decisiones condicionado por ese sentimiento. Se trata de imaginar la vida como si no fuera la tuya”.
Resulta paradójico que de una canción que habla del Miedo y de las inseguridades Incubus se ganara el respeto y reconocimiento que se les había resistido durante sus primeros años de carrera. Luego vendría algún éxito menor como Wish You Were Here .

En este caso, sentir miedo y contarlo mereció mucho la pena.

Sometimes I feel the fear of the uncertainty stinging clear
And I can’t help but ask myself how much I’ll let the fear take the wheel and steer

It’s driven me before, and it seems to have a vague
Haunting mass appeal
Lately I’m beginning to find that I should be the one behind the wheel

Whatever tomorrow brings, I’ll be there
With open arms and open eyes, yeah
Whatever tomorrow brings, I’ll be there, I’ll be there

So if I decide to waiver my chance to be one of the hive
Will I choose water over wine and hold my own and drive, oh oh
It’s driven me before, and it seems to be the way
That everyone else gets around
Lately, I’m beginning to find that when I drive myself, my light is found

Whatever tomorrow brings, I’ll be there
With open arms and open eyes, yeah
Whatever tomorrow brings, I’ll be there, I’ll be there

Would you choose water over wine… hold the wheel and drive?

Whatever tomorrow brings, I’ll be there
With open arms and open eyes, yeah
Whatever tomorrow brings, I’ll be there, I’ll be there

The Wallflowers : One Headlight

Pocas cosas hay más desagradecidas en la vida, pocas más crueles y devastadoras, que el hecho de tener un padre famoso. Bueno, más que famoso, un ídolo, un mito, una leyenda viva. El hijo, por mucho que se esfuerce en labrar su propia identidad, por seguir su propio camino, va a ser inexorable e irremisiblemente comparado de manera cruel y despectiva con su progenitor.
Existen muchos casos que refrendan esto: en el mundo del fútbol, por ejemplo, el bueno de Jordi Cruyff nunca pudo hacerle sombra al mito de su padre Johan a pesar de ser un aceptable jugador; en el séptimo arte ni Michael Douglas ni Kiefer Sutherland, a pesar de ser excelentes actores, han logrado rebasar la fama de Kirk y Donald.
En el mundo de la música hay incontables ejemplos de hijos que no logran emular a sus padres, caso de Hank Williams II y III, los cuales nunca han logrado ser más queridos y admirados que su padre y abuelo Hank Senior, uno de los padres del country actual. Que le pregunten al pobre Julian Lennon qué se siente al ser denostado por su apellido…

Es en este contexto donde situamos la historia del cantante de grupo californiano The Wallflowers, un tal Jakob Dylan… Os suena el apellido? Si no es así ( me costaría horrores creer que alguien que lea este blog no conozca al gran Robert Allan Zimmerman), mirad alguna foto suya: es la versión mejorada de su padre.
Incluso su timbre de voz es más agradable, menos nasal, más armónico… La verdad es que de poco vale cuando se le compara constantemente, sin dejar margen a extrapolar su carrera y constatar que el bueno de Jakob, -a pesar de no llegarle a su padre ni a la suela del zapato en cuanto a reconocimiento y popularidad -, si bien no ha tenido continuidad, logró hacerse mundialmente famoso con este su One Hit Wonder.

One Headlight, el segundo single de su segundo álbum Bringing Down The Horse (1996), salió publicado el 24 de febrero de 1997 a través del sello Interscope y la producción de T-Bone Burnett. En listas rompió barreras al situarse número 1 en listas independientes americanas y canadienses, tanto es así que logró llevarse los Grammy a mejor canción de rock y mejor interpretación de grupo.

La MTV la situó en el número 58 de las 100 mejores canciones pop de la historia y la verdad es que es una melodía muy bien construida, perfectamente válida para sonar constantemente en bares, emisoras o fiestas. Os dejamos con algunas actuaciones en directo y en programas TV de The Wallflowers con Jakob Dylan al frente, destacando un maravilloso dúo con Bruce Springsteen.

La canción también ha sido versioneada por un gente como Relient K o John Craigie y ha sido incluido en bandas sonoras como Exceso de Equipaje (1997) con Benicio del Toro y Alicia Silverstone.

One Headlight, la historia de una amistad truncada por la muerte, la historia de una decepción, la historia de un viaje a medias, sin haberlo completado, quizás por la falta de apoyo, de cariño y de autoestima de los niños que se ven abocados a soportar la fama de sus padres y ser eternamente comparados por ello.
En cualquier caso, a Jakob nunca nadie le podrá arrebatar su momento de gloria… Aunque fuera solo con un faro encendido.

So long ago, I don’t remember when
That’s when they say I lost my only friend
Well they said she died easy of a broken heart disease
As I listened through the cemetery trees

I seen the sun comin’ up at the funeral at dawn
The long broken arm of human law
Now it always seemed such a waste
She always had a pretty face
So I wondered how she hung around this place

[сhorus:]
Hey, come on try a little
Nothing is forever
There’s got to be something better than
In the middle
But me & Cinderella
We put it all together
We can drive it home
With one headlight

She said it’s cold
It feels like Independence Day
And I can’t break away from this parade
But there’s got to be an opening
Somewhere here in front of me
Through this maze of ugliness and greed
And I seen the sun up ahead
At the county line bridge
Sayin’ all there’s good and nothingness is dead
We’ll run until she’s out of breath
She ran until there’s nothin’ left
She hit the end-it’s just her window ledge

[chorus]

Well this place is old
It feels just like a beat up truck
I turn the engine, but the engine doesn’t turn
Well it smells of cheap wine & cigarettes
This place is always such a mess
Sometimes I think I’d like to watch it burn
I’m so alone, and I feel just like somebody else
Man, I ain’t changed, but I know I ain’t the same
But somewhere here in between the city walls of dyin’ dreams
I think her death it must be killin’ me

[chorus]

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats : S.O.B.

Una de las pruebas más difíciles que nos pone la vida es la tentación, ese sentimiento de caer en lo que nos es perjudicial porque nos va a reportar un beneficio pasajero, aunque sepamos positivamente que el daño es mucho más duradero y la adicción a esa sensación de autodestrucción inconsciente es absolutamente irrefrenable.
Cuando ya no se puede controlar esa adicción (al alcohol, al sexo , a las drogas o a todo a la vez), el comportamiento se vuelve errático, bipolar : por un lado pedimos ayuda para encontrar el camino adecuado en el laberinto de nuestra confusion, pero por el otro una voz interna nos incita s seguir enfangándonos y hundiéndonos más en la espiral de la confusión.

Es en este contexto en el que se desarrolla el bombazo soul rock titulado S.O.B. ( siglas de Son of a Bitch, expresión que no necesita traducción) firmado por el ínclito soul man blanco de Missouri, Nathaniel Rateliff y su banda The Night Sweats, a saber: Joseph Pope III, Patrick Meese, Luke Mossman, Mark Shusterman, Wesley Watkins ( el único componente afroamericano) y Andy Wild, quienes mezclan soul, gospel, country, folk ,Indie y rock en una amalgama de matices que sin perder su esencia retro, da un paso hacia la innovación estilística, a modo de un Van Morrison bañado en bourbon y jugando a ser un personaje de Oh Brother!.

S.O.B . es el primer single de su recién estrenado álbum Nathaniel Rateliff & The Night Sweats (2015), editado nada menos que por Stax Records, la mítica discográfica de Memphis que tantas glorias le dio al soul. La producción corre a cargo de Richard Swift– que también ha trabajado con The Arcs y con The Black Keys– y el resultado es un cañonazo fresco de mestizaje de todos los estilos de la América profunda, con perlas como Look It Here, la maravillosa I Need Never Get Old ( canción por la cual les conocí el año pasado escuchando Radio 3), y este S.O.B.
Hijo de puta, dame de beber! Un párrafo central brutalmente exaltado al que precede un coro gospel muy bien traído y que engancha con el trallazo del estribillo en el que se desencadena frenéticamente un ritmo muy bien dibujado en el estupendo vídeo clip carcelario de promoción del single (que tiene la pinta de ser todo un homenaje a Johnny Cash y su recital en Folsom Prison)

Os dejamos varias actuaciones de la banda en directo y un par de canciones del disco, las ya mencionadas I Need Never Get Old y Look It Here.

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats. Gran descubrimiento que ha conseguido paliar mis tedios veraniegos y que supone una vuelta de tuerca en la aportación del soul y el  gospel, de la música de raíces en definitiva, dentro del panorama actual.

I’m gonna need someone to help me
I’m gonna need somebody’s hand
I’m gonna need someone to hold me down
I’m gonna need someone to care
I’m gonna writhe and shake my body
I’ll start pulling out my hair
I’m going to cover myself with the ashes of you
And nobody’s gonna give a damn

Son of a bitch, give me a drink
One more night escaping me
Son of a bitch
If I can’t get clean I’m gonna drink my life away

Now for seventeen years I’ve been throwing them back
Seventeen more will bury me
Can somebody please just tie me down
Or somebody give me a goddamn drink

Son of a bitch, give me a drink
One more night
This can’t be me
Son of a bitch
If I can’t get clean I’m gonna drink my life away
Hey, Yeah now

My heart was breaking, hands are shaking
Bugs are crawling all over me
My heart was breaking, hands are shaking
Bugs are crawling all over me
My heart was breaking, hands are shaking
Bugs are crawling all over me
My heart was aching, hands are shaking
Bugs are crawling all over me

Son of a bitch, give me a drink
One more night
This can’t be me
Son of a bitch
If I can’t get clean I’m gonna drink my life away
Son of a bitch, give me a drink
Son of a bitch
This can’t be me
Son of a bitch
If I can’t get clean I’m gonna drink my life away
Yeah ah

La Habitación Roja: Febrero

 

Y así, como quien no quiere la cosa, nos hemos plantado en Febrero. Qué rápido pasa el tiempo, qué vertiginosas caen las hojas del calendario, y es más: esa sensación de inmediatez y fugacidad aumenta cuanto más años se cumplen ( de niños nuestra percepción era que pasaba el tiempo muy lentamente), lo que lleva irremisiblemente a añorar lo que ya no se tiene o ya pasó. Así es como nace la nostalgia.
En el diccionario de la RAE se define nostalgia como aquella sensación de tristeza por la pérdida de algo o alguien querido, aunque también podríamos añadir recuerdos o estados vitales, como la juventud o la infancia. Es el sentimiento más agridulce que existe, puesto que por un lado, nos regodeamos recordando los buenos momentos, pero por otro nos escuece el hecho de que ya no volverán más.

En ese contexto temático se desgrana esta deliciosa melodía pop rock nacional firmada por la enorme banda valenciana La Habitación Roja, formación cuyos inicios se remontan a 1995 y la cual integran Jorge Martí (voz y guitarra rítmica), Pau Roca (guitarra solista), Marc Greenwood (bajo), José Marco (batería) y Jordi Sapena (teclados), quienes practican un pop rock alternativo o Indie muy fresco y que entra a la primera, sin llegar a ser comercial, muy en la onda de otras bandas españolas como Lori Meyers o Supersubmarina

Y es que los de L’Eliana, que se inspiraron en un famosísimo cuadro de Matisse para bautizarse y comenzar su esplendorosa y longeva carrera con nueve álbumes hasta la fecha, saben tejer melodías con amables riffs de guitarra y voces armoniosas que fomentan los medios tiempos y resultan amables al oído.

Este Febrero ( más cálido que el mes que lleva su nombre), fue publicado como single de su séptimo álbum Universal (2010) a través del sello independiente Mushroom Pillow, Firmado por la banda al completo y cuyo vídeo promocional ( que colgamos arriba), destila optimismo, esperanza y color, bastante alejado de lo que cuenta una letra nostálgica ( ya que febrero es el mes de la nostalgia por antonomasia).

Magníficamente acogido en ventas y repercusión en el circuito Indie nacional, Febrero es un tema que además ha funcionado de maravilla en directo, ganando si cabe en intensidad y potencia respecto a la grabación de estudio. Aqui os dejamos
algunas muestras de su rendimiento en vivo: una de ellas en el Let’s Festival ; la versión acústica, muy acertada aunque algo carente de ritmo, y una última sacada de una actuación de la gira promocional de Universal.

Febrero se merecía que lo empezáramos con buen pie y por ello hemos elegido esta canción que aunque no muy conocida, es bastante pegadiza sin llegar a empalagar, con un ritmo muy cuidado, una sección rítmica trabajada y una letra que nos otorga uno de los mejores episodios del pop rock nacional.

Si me dices adiós en febrero piénsalo dos veces
Si me vas a olvidar por favor pronuncia antes mi nombre
Soy la misma persona que pisó la luna, que puso la tierra a tus pies
que se fue con lo puesto a la guerra de todas las guerras.

Y deshoja el futuro que se abre al cruzar esa puerta
Es algo que no puedes saber, Hay tanto que aprender
Las miradas se rompen, Los años son golpes, los días Cara a la pared
Me parecen tan cerca y tan lejos los Buenos momentos

Y aún así volvería a pasar por el mismo camino
a buscar esa piedra con la que quise tropezar*]
Y si viene Febrero temblaré de miedo: lo desconocido es brutal
pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

El momento que pasa se escapa no vuelve a pasarte
y aunque hierva la sangre se abren caminos y a andar
Curaré ese dolor que me pone a morir cada vez que te vuelvo a vivir
Si me dices adios en febrero, piénsalo dos veces.

Y aún así volvería a pasar por el mismo camino
a buscar esa piedra con la que quise Tropezar
y si viene febrero temblaré de miedo: Lo desconocido es brutal
Pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

Pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

Pero es mucho peor saber que ya nada va a cambiar.

Snow Patrol : Chasing Cars

En ocasiones, a las personas nos da por apartarnos del mundo, liarnos la manta a la cabeza y olvidarnos de todo menos de nosotros mismos y de quien más queremos. Toda la vida nos empeñamos en socializar, hacer amistades, formar parte de grupos de Wasap o Facebook, montar cenorras o irnos de viaje con más gente. Es una forma de aceptarnos, de que los demás nos acepten y de estar en el mundo.
Pero existen momentos en los que uno desea estar solo, tirarse en el suelo y dejarse ir; contemplar el cielo o la forma de las nubes y compartir esos momentos únicamente con quien más quieres en el mundo. Y ese momento íntimo, ese instante de reseteo, ese intervalo o lapso en el que únicamente oyes tu respiración y sientes a tu lado la de la otra persona; ese momento se convierte en el mayor acto de amor hacia uno mismo y hacia su alter ego.

De todo ello trata esta maravillosa y sugerente canción del grupo norirlandés Snow Patrol, formado inicialmente en Aberdeen bajo el nombre Polar Bear por su cantante y compositor Gary Lightbody junto a sus compatriotas Nathan Connolly (guitarra) y Jonny Quinn (batería) y los escoceses Tom Simpson ( teclados) y Paul Wilson (bajo), conformando un banda de corte alternativo, bastante pop pero con ramalazos potentes e intensos muy cercanos al rock, muy dados a cultivar medios tiempos e in crescendos ( como el que nos ocupa).

Chasing Cars salió publicado el 6 de junio de 2006 como tercer single de su cuarto álbum Eyes Open (2006), su cénit creativo y de ventas, sin lugar a dudas su obra más completa. La producción corrió a cargo de Jacknife Lee bajo el sello Interscope y los créditos los firma el grupo al completo aunque la sombra de Lightbody es demasiado alargada y empequeñece la labor creativa de sus compañeros.
Y es que, como bien explica el lider de Snow Patrol, la expresión que da título al hit ( el cual alcanzó el número 1 en Australia y Estados Unidos y el 2 en UK), proviene de una vez que estando en casa de su padre, le presentó a una chica inaccesible para él y que posteriormente le abandonaría, situacion que su progenitor explicaría comparando al bueno de Gary con un perro persiguiendo un coche el cual está tan lejos de su alcance que si se diera la remota posibilidad de alcanzarlo, no sabría qué hacer.

La fama de Chasing Cars, -independientemente de ser una excelente canción, bien construida, con mucha sensibilidad, destilando un In Crescendo que confluye en un final
apoteósico e intenso-, se la debe en gran parte a su inclusión en la famosa serie de TV Anatomía de Grey, protagonizada por Patrick Dempsey y Ellen Pompeo, hecho que le dio otra dimensión, le valió el número 1 en listas USA y les permitió grabar otro vídeo para la MTV norteamericana.

También cabe decir que el disco en el que se encuadra esta joya, Eyes Open, contiene varias canciones a tener en cuenta como Open Your Eyes o Hands Open.
En cuanto a las versiones son varias las que se han hecho de este tema, los propios Snow Patrol hicieron un acústico que no tiene desperdicio, y otros artistas como Natasha Bedingfield o Ed Sheeran junto al propio Lightbody.

Finalmente os dejamos un par de actuaciones en directo de Snow Patrol interpretando Chasing Cars en el Live V Festival de Chelmsford en 2012 y otra de 2009 en Live At Oxegen

Gran tema, a medio camino entre lo romántico y lo melancólico, que habla de sueños por cumplir, de sentimientos puros de amor sincero, de lo sencillo que es ser feliz… Y lo difícil que nos resulta llegar hasta ese estado.

We’ll do it all
Everything
On our own
We don’t need
Anything
Or anyone
If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?
I don’t quite know
How to say
How I feel

Those three words
Are said too much
They’re not enough
If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?
Forget what we’re told
Before we get too old
Show me a garden
That’s bursting into life
Let’s waste time
Chasing cars
Around our heads

I need your grace
To remind me
To find my own

If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?

Forget what we’re told
Before we get too old
Show me a garden
That’s bursting into life
All that I am
All that I ever was
Is here in your perfect eyes
They’re all I can see

I don’t know where
Confused about how as well
Just know that these things
Will never change for us at all

If I lay here
If I just lay here
Would you lie with me
And just forget the world?

Beatsteaks: Summer

En ocasiones me sucede que encuentro joyas musicales que no busco conscientemente de la manera más fortuita y casual, divagando entre recopilatorios y grandes éxitos, y la verdad es que me resulta realmente gratificante toparme de cuando en cuando con temas como el que nos ocupa.
Y muchas veces, la culpa de que te llegues a encontrar con un sonido la tiene una imagen, una visión agradable o impactante, un gancho en forma de tarjeta de presentación. Me explicaré mejor…
Hace unos tres o cuatro años, navegando por Spotify, tropecé con un recopilatorio de un grupo alemán llamado Beatsteaks del que nunca había oido hablar titulado 23 Singles. La portada presentaba a un chaval de unos diez años con camiseta interior y ademanes de boxeador incipiente en actitud de combate, mordiéndose el labio inferior y con ganas de querer partir la cara a alguien.

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Fue esa imagen la que me hizo sumergirme en el contenido de ese grandes éxitos.
Y zas. Como si hubiese salido el niño del disco y me hubiese conectado un gancho de izquierda a la mandíbula, me encontré con este pedazo de canción, la primera de la lista: Summer. Tema que precisamente fue el primer single oficial de esta banda berlinesa formada en 1997 pero que en 2002, para promocionar su LP Living Targets, editó este arrollador y contundente sencillo, -grabado en unos estudios de Colonia con el sello Epitaph– que evoca en mí tiempos pretéritos de desfase grunge y guitarrero.

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Los culpables: Arnim Teutoburg-Weiss a la voz, Bernd Kurtzke y Peter Baumann a las guitarras,  Torsten Scholz al bajo y Thomas Götz a la batería, Beatsteaks, formación que se fundó con pretensiones punk-hardcore pero que fue paulatinamente introduciendo sonidos más alternativos, herederos del grunge y cercanos en otros casos al ska, muy conectados ideológicamente con sus paisanos Die Toten Hosen o Die Ärzte pero más cercanos en estilo a los americanos Bad Religion, NOFX o Pennywise, uno de los motivos por los cuales (excepto en sus inicios), cantan en inglés.
La fama de Beatsteaks en Alemania es brutal, no así en el resto del mundo, aunque sí que han funcionado bien en circuitos indies, radios alternativas y festivales y conciertos de rock.
En cuanto a su gran canción, pues la verdad es que no contiene unos versos realmente relevantes cualitativamente, aunque sí que refleja- tal y como muestra el videoclip promocional-  el espíritu del grupo a la perfección : Quemar el verano de concierto en concierto, sin mirar atrás, viviendo el presente, disfrutando y haciendo disfrutar con lo que más nos gusta. Esencia puramente grunge, vitalista por antonomasia, noventera por definición. De hecho, puestos a suponer, parece como si  el grupo la hubiera compuesto en 1997 y la hubiera rescatado cinco años después, ya que no solo encaja perfectamente dentro de la filosofía del Memento Mori, (se repite hasta la saciedad el mantra I´m Alive, como ya lo hiciera en su día Pearl Jam) sino también posee un estilo visceral de guitarras sincopadas y estridentes que engancha desde el inicio en un soberbio in crescendo, dejando el protagonismo a líneas de riffs poderosos en altibajos continuos pero siempre con un mismo hilo conductor. Intensidad sonora y vocal (aunque Arnim me parece un pelín justito como vocalista).
Os dejo un par de actuaciones, una del Rock am Ring de 2007 y otra del Live Wuhlheide de Berlín de 2009 , en las que se observa esta energía eléctrica, estas ganas de transmitir, típicas de grupo joven y con miras altas, aunque no sé si por temas de manager o puramente de merchandising, Beatsteaks no han sabido traspasar del todo la frontera mediática y sonora del país teutón.

Queda comentar que he elegido esta canción por pura nostalgia; sé que si Summer hubiera sonado en 1992 este tema sería uno de mis favoritos, y la verdad es que mucho de himno tiene. Cierto que llegó tarde, como en una especie de anacronismo, y además gracias a una poderosa portada de su disco recopilatorio. Pero Summer ha llegado para quedarse entre mis melomanías recurrentes.

We burned the summer down
There’s dust when we’re around
It’s done this afternoon
We came right back from moon
We paint the town red
To see what we will get
Don’t care about the past
Today we’ll make it last
We came around
Breaking up the silence that we’ve found
And I’m alive I’m alive
There ain’t no place to stay
So watch our tailights fade
The way it’s said and done
It leads to where I’m bound
We came around
Breaking up the silence that we’ve found
And I’m alive I’m alive
We burned the summer down
There’s dust when we’re around
It’s done this afternoon
We came right back from moon
We came around
Breaking up the silence that we’ve found
And I’m alive I’m alive…

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