Tom Waits : Hold On

En la entrada de hoy no me remitiré a hablar de una sola canción – aunque obviamente sí que centraré en ella un poco más que en el resto-porque sería una falta de respeto a toda la trayectoria musical y profesional de este extraño talento que nos ocupa, un talento oscuro, distraído, rozando lo bizarro, pero con una creatividad y sensibilidad demoledora. Un crítico dijo una vez que su voz suena como si le hubieran bañado y macerado en bourbon y después hubiese sido atropellado por un coche. Estamos hablando del inefable, del inclasificable, del inolvidable Tom Waits.

Este californiano nacido en Pomona en
1949 ya desde niño fue autodidacta en el aprendizaje del piano, instrumento que como otros muchos, tales como la guitarra y el acordeón, domina a la perfección. Embelesado por el jazz, el blues y el soul y cautivado por los escritores de la generación Beat como Jack Kerouac y Charles Bukowsky, Waits fue forjándose poco a poco una imagen de artistas sui generis, un cantautor atemporal inspirado en el vodevil y en la imagen del homeless alcohólico que se refrendaron en su primer álbum, Closing Time, y aunque no tuvo mucha repercusión, curiosamente empezaron a popularizarse sus canciones a través de versiones de otros artistas que le fueron otorgando prestigio y respeto entre los críticos y compañeros de profesión.

Hold On, buen ejemplo de espectacular tema de Tom Waits ( aunque podríamos haber elegido otros cien igualmente geniales), pertenece a su decimotercer álbum de estudio, Mule Variations (1999) y supone una de esas extrañas melodías a caballo entre el susurro y el lamento, entre el desdén y el talento, arrancando unos sonidos vocales al alcance de casi nadie que le confiere una estela maldita de vicios y excesos incontrolables con el tabaco y el alcohol pero que a su vez le otorgan una sensibilidad sobrenatural para componer maravillosos esbozos líricos. Hold On, aguanta, resiste, sigue a mi lado pase lo que pase y no te fallaré, dualidad entre esperanza y decepción, entre encanto y masoquismo, Waits sabe reflejar como nadie el lado agridulce de la vida.

Sobre estas líneas os dejamos una fenomenal versión de Hold On en directo de 1999. Además os dejamos una serie de vídeos donde vemos en primer lugar un fenomenal cover de Hold On de Waits a dúo con Emily Kinney.

Por otro lado no nos queríamos despedir hoy sin recordar la fenomenal huella que ha dejado este fenómeno raro y atípico a través de la influencia que ha dejado con canciones que otros han hecho suyas pero que pertenecen al calenturiento cerebro de este horrendo genio lleno de adicciones. En primer lugar hemos rescatado Jersey Girl en versión de Waits y de Bruce Springsteen, luego lo mismo con su original Downtown Train y la famosísima de Rod Stewart y por último con Ol’55 y el cover de The Eagles.

Para despedirnos os dejamos
Con dos joyas: un concierto de Tom Waits dentro de la serie storytellers y su arrebatadora versión del
Himno oficioso australiano Waltzin’ Mathilda.

Genio único, underground y marginal que ha logrado el reconocimiento de la crítica internacional y de su cada vez más nutrido y fiel grupo de incondicionales fans, Tom Waits pasa por ser el reflejo de un artista hecho y macerado a sí mismo, con sus miserias y grandezas, pero siempre y ante todo, Tom Waits.

They hung a sign up in our town
“if you live it up, you won’t
live it down”
So, she left Monte Rio, son
Just like a bullet leaves a gun
With charcoal eyes and Monroe hips
She went and took that California trip
Well, the moon was gold, her
Hair like wind
She said don’t look back just
Come on Jim

Oh you got to
Hold on, Hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You gotta hold on

Well, he gave her a dimestore watch
And a ring made from a spoon
Everyone is looking for someone to blame
But you share my bed, you share my name
Well, go ahead and call the cops
You don’t meet nice girls in coffee shops
She said baby, I still love you
Sometimes there’s nothin left to do

Oh you got to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here, you got to
Just hold on.

Well, God bless your crooked little heart St. Louis got the best of me
I miss your broken-china voice
How I wish you were still here with me

Well, you build it up, you wreck it down
You burn your mansion to the ground
When there’s nothing left to keep you here, when
You’re falling behind in this
Big blue world

Oh you go to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You got to hold on

Down by the Riverside motel,
It’s 10 below and falling
By a 99 cent store she closed her eyes
And started swaying
But it’s so hard to dance that way
When it’s cold and there’s no music
Well your old hometown is so far away
But, inside your head there’s a record
That’s playing, a song called

Hold on, hold on
You really got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
And just hold on

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Dead Boys : Sonic Reducer

Hubo una época en mi vida en la que me sentí verdaderamente Punk. En primer lugar, tenía 16-17 años, estaba interno ( voluntariamente) y no veía mucho a mis padres por lo que no me costaba tener que rebelarme y la consiguiente bronca. Con los amigos empezábamos a salir por ahí, beber cerveza, fumar ( mayoritariamente ) cigarros de un paquete comunitario y escuchar música. Un día un tío muy grande ( literalmente, pesaba 100 kilos y media 1,85 con 16 años) llamado Raúl Navarro trajo una cinta a una fiesta en mi casa ( pues mis padres estaban en Francia) de los Ramones, concretamente el fabuloso doble directo It’s Alive, del cual ya hablé en su día, y surgió el flechazo con el punk norteamericano

Poco después sucumbí en las redes de los Sex Pistols y su Never Mind The Bollocks, luego vino la llamada londinense de The Clash, las marranadas de The Cramps, las irreverencias de Dead Kennedys o las pintacas de New York Dolls y el gran Johnny Thunders. Pero hubo un grupo que con un par de canciones ( Sonic Reducer y Ain’t It Fun) me engancharon hasta la médula.

Dead Boys, grupo de la primera hornada de punk rock formado en Cleveland, Ohio en 1976, por su inclasificable frontman Stiv Bators (quien más adelante formaría The Lords Of The New Church), el guitarrista Cheetah Chrome ( quien procedía de la banda Proto- punk Rocket From The Tombs), el guitarrista rítmico Johnny Zero, el bajista Jeff Magnum y el batería Johnny Blitz, suponen uno de los más pendencieros y violentos grupos de la época, con un escándalo detrás de otro pero con una corta vida, ya que se disolvieron en 1979, con un breve retorno en 1986 y posteriormente en una gira Revival en 2004 y 2005 ya sin el fallecido Stiv Bators.

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Tras su traslado a Nueva York en 1976, justo después de formarse como grupo, Dead Boys comenzaron a actuar en la mítica sala CBGB -donde comenzaron también The Ramones o The Cramps– grabando varios directos Bootleg para regocijo de sus fans, aunque el único disco en estudio que nos dejaron fue Young, Loud and Snotty (1977), producido por Genya Ravan a través de Sire Records y grabado en los Electric Lady Studios de Nueva York.

Su primer single, Sonic Reducer, probablemente junto a Ain’t It Fun su tema más popular, nos habla de la filosofía punk de los setenta en su estado más puro, el nihilismo llevado a su máxima expresión. Sonic Reducer, término para definir a alguien que no tocapara  los demás, solo para sí mismo, ya que le importa un pimiento lo que las radio fórmulas digan o hagan acerca de su música, significó una evolución hacia la provocación del rechazo y de la irritación al espectador, su leitmotif era crear  una reacción adversa a través de agresividad y distorsión; la calidad musical quedaba en un segundo plano en pro de la estética y el mensaje de anarquía y rebelión que impregnaba todos los actos de la banda.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo con su actuación en el CBGB neoyorquino y otro en el que interpretan en la misma actuación Sonic Reducer, la cual ha sido versioneada multitud de veces por artistas posteriores. Bajo estas líneas os dejamos con los covers de mis queridos Pearl Jam; la banda metalera Overkill; los alemanes Die Toten Hosen; la grandísima Patti Smith en directo; los enormes Dictators en su estilo más genuino; y por último, Guns N’ Roses (que ya en su día incluirían Ain’t It Fun en su disco de versiones The Spaghetti Incident) en una versión en directo cantada por Tommy Stinson, ex bajista de The Replacements.

Dead Boys pueden no haber sido la formación punk más exitosa de cuantas haya habido pero su legado es innegable; basta escuchar grupos nacionales como La Polla Records, sin dejarnos atrás a los Guns N’Roses (Duff McKagan era su fan número 1), incluso todas las bandas Grunge de principios de los noventa están profundamente incluidas por el sonido de esta loca banda de Cleveland adoptada por Nueva York que reflejó fielmente en su actitud, su sonido y sus letras el más genuino espíritu punk.

I don’t need anyone
Don’t need no mom and dad
Don’t need no pretty face
Don’t need no human race
I got some news for you
Don’t even need you too

I got my devil machine
Got my electronic dream
Sonic reducer
Ain’t no loser
I’m a sonic reducer
Ain’t no loser

People out on the streets
They don’t know who I am
I watch them from my room
They all just pass me by
But I’m not just anyone
Said I’m not just anyone

I got my devil machine
Got my electronic dream
Sonic reducer
Ain’t no loser
I’m a sonic reducer
Ain’t no loser

I’ll be a pharaoh soon
Rule from some golden tomb
Things will be different then
The sun will rise from here
Then I’ll be ten feet tall
And you’ll be nothing at all

The Automatic : Monster

Ahora, desde la cuesta arriba ( o cuesta abajo, según se mire) de mis 43 primaveras, comienzo a entender a mis mayores cuando me decían que en nuestra generación éramos todos crápulas y solo pensábamos en pasarlo bien y emborracharnos. Claro, yo veo a los jóvenes de hoy día y pienso que nosotros éramos mejores porque bebíamos y fumábamos ( a veces con tropezón) pero no nos metíamos “nada más fuerte” , al menos en mi caso, que conozco cada uno… Hoy día, este tema está mucho más aceptado por la juventud y menos demonizado que antaño, aunque los efectos adversos siguen estando ahí. La cuestión es que hay más oferta y más posibilidad de elección, más información y más medios para combatirla, pero el peligro está ahí. Cierto es que no se puede comparar a los tiempos de la Heroina ( que se cargó a casi toda una generación , la anterior a la mía), pero sí que hoy día hay una dependencia mayor de drogas de diseño más duras que nuestro alcohol o nuestros porros. He rescatado una canción al hilo de este tema que refleja muy bien lo que puede pasar si se abusa o se juega con estas sustancias.

The Automatic, grupo galés formado en 1998 por Robin Hawkins, James Frost, Iwan Griffiths y Paul Mullen ( quien sustituyó a Alex Pennie) se caracteriza por practicar un post- punk Revival aderezado con toque electrónicos muy importantes (especialmente su base rítmica), consiguiendo un sonido actual pero con reminiscencias clarísimas del britpop por un lado, de los grupos electro pop por otro y con claro deje guitarrero en determinados momentos que nos retrotraen a un estilo post punk guitarrero, similar en ocasiones a Bloc Party o Kaiser Chiefs.

Tras varias maquetas de éxito, su debut discográfico, Not Accepted Anywhere (2006) nos trajo de la mano un implacable sonido personal y lleno de reminiscencias Brit pop y electrónicas, con los singles Recover, Raoul y Monster. Este tercer single, publicado el 5 de junio de 2006, producido por Stephen Harris, Richard Jackson e Ian Broudie a través del sello B- Unique de Polydor Records, habiendo sido grabado en los Stir Cardiff Studios, habla de las sensaciones de paranoia y alucinaciones en estado de haber consumido drogas, se narran experiencias autobiográficas, pero subrepticiamente se está condenando esa falta de control, esa pérdida del
dominio psico-fisico y mental que hace que se tengan episodios oníricos y lisérgicos y que la noción espacio-temporal se distorsione por completo.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo con las letras de Monster y otro con una actuación en directo en el programa de Jools Holland en 2007.
Para terminar de demostrar su poderío en directo, os dejamos con varias actuaciones de The Automatics interpretando Monster: un concierto de 2007 en Glastonbury; su intervención en el Leeds Festival de 2006 y por último su show en el Live Gonzo de 2008. como curiosidad os dejamos una entrañable versión de The Ukulele Orchestra Of Britain y un magnífico cover de Monster.

Monster es un clásico moderno con todos los honores, el gran triunfo de un grupo al que aún le queda mucho por hacer aunque están en un standby que ya dura desde 2010, aunque pueden estar seguros de que aquí les recordaremos siempre por este trepidante tema de atmósferas acidas y lisérgicas que esconde un trasfondo social realmente interesante.

Brain fried tonight through misuse
Through misuse, through misuse
You can’t avoid static abuse
Abuse, abuse

Without these pills you’re let loose
You’re let loose, you’re let loose
Stand up, get out, no excuse
No excuse, no excuse

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill?

Confused, mind bruised, it seeps out
It seeps out, it seeps out
Face down, home town looks so grey
Looks so grey, looks so grey

Convexed you bend, twist and shout
And shout, and shout
Stand up brush off get moving
Get moving, get moving

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Face down, home town, face down, home town
Face down, home town, it looks so grey
(x4)

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Is it a monsteeeeer?

Survivor : Eye Of The Tiger

Esta es la historia, como tantas otras, de un capricho del destino, de un trabajo bien hecho que luego dio sus frutos y convirtió a una banda, mejor dicho, a una canción, en todo un emblema en el ámbito de los scores cinematográficos por un lado y de la música orientada al deporte por el otro; un tema que ya desde el principio engancha por su contundencia y sonoridad ( de hecho está considerado como uno de los mejores inicios de canción de la historia del rock) y que nos ha acompañado desde niños mediante un saga pugilista inolvidable. Esta es la historia del Ojo del Tigre

Survivor era un banda formada en Chicago por sus fundadores Jim Peterik ( teclados y letras ) y Frankie Sullivan (guitarra), que practicaban un incipiente AORAdult Oriented Rock– al estilo de muchas bandas de la época como Toto, Journey o Asia. Tuvieron varios cambios de vocalista , primero Jim Jamison, después Dave Bickler ( con el que conseguirían este rotundo éxito) y bastante más tarde llegaría Robin McAuley. Pero lo que les hizo realmente famosos fue un momento clave: 1982.

Sylvester Stallone, un fan confeso del AOR y el hard rock melódico, estaba buscando una canción contundente para la tercera entrega de la saga de Rocky, quería más contundencia y espectacularidad. Un día ( según cuenta el propio Sly ) escuchó en la radio un tema de Survivor, Poor Man’s Son, y le encantó. Llamó a su amigo Tom Scotti y este le puso en contacto con la banda de Chicago, a la cual le encargó que le
compusieran un tema en la línea del citado con un resultado espectacular. Bajo estas líneas os dejamos el Poor Man’ s Son para que lo comparéis con Eye Of The Tiger. Ambas tienen un único vertiginoso y un deje guitarrero aunque algo edulcorado.

Posteriormente al multitudinario éxito de Eye Of The Tiger, número 1 en listas en casi todo el orbe en 1982, Stallone les encargó otra nueva canción para Rocky IV, Burning Heart, menos célebre que la anterior pero también muy popular.

Centrándonos en Eye Of The Tiger, Peterik y Sullivan, los compositores principales de Survivor, cuentan que se inspiraron en la canción viendo imágenes del combate en la película y les salió tan bien la jugada que hasta se sincronizan perfectamente los golpes con la canción, donde reside el verdadero secreto de haber dado en el blanco con este tema. Es un tema hecho por y para el boxeo, solo hay que oír las letras, el desafío, la lucha, el rival, la mirada del tigre ( a la que se alude varias veces en Rocky III)

Sobre estas líneas os dejamos la secuencia de la canción en Rocky III y lo espectacularmente bien que se adapta a las imágenes y al ritmo del combate. Bajo estas líneas dejamos varias actuaciones de Survivor interpretando su éxito mundial Eye Of The Tiger: una actuación de 1985, otra de 2009 y otra muy reciente de 2013 en un festival en Suecia cantando Jamison y Bickler al unísono.

En cuanto a versiones,  obviamente y como no podía ser de otra manera tenemos multitud de ellas: una versión femenina cargada de feeling a cargo de Jenn Grant; la curiosa interpretación del tema a cargo de Gloria Gaynor, la diva de I Will Survive; una versión metalera de Dragonslayer y por último el cover de los hillbillies más locos, The Hayseed Dixies, en clave bluegrass country.

Concluyendo, decir que Eye Of The Tiger fue, es y será un soplo de aire fresco para el rock, un tema universal que gusta a todo el mundo independientemente de los estilos y filiaciones musicales; supone un antes y un después en la concepción de la banda sonora en una película y la introducción de videoclips sonoros dentro de los films que sirvieran de puente a la acción ( como por ejemplo el paso del tiempo o en este caso el entrenamiento y los combates). Sin lugar a dudas, y pese a quien le pese , estamos una obra maestra que me recuerda los tiempos web que quedábamos todos los de clase para ver las pelis de Rocky de estreno en el cine. Palabra de fan acérrimo de Rocky

Rising up, back on the street
Did my time, took my chances
Went the distance, now I’m back on my feet
Just a man and his will to survive

So many times it happens too fast
You trade your passion for glory
Don’t lose your grip on the dreams of the past
You must fight just to keep them alive

It’s the eye of the tiger
It’s the thrill of the fight
Rising up to the challenge of our rival
And the last known survivor
Stalks his prey in the night
And he’s watching us all with the eye of the tiger

Face to face, out in the heat
Hanging tough, staying hungry
They stack the odds still we take to the street
For the kill with the skill to survive

It’s the eye of the tiger
It’s the thrill of the fight
Rising up to the challenge of our rival
And the last known survivor
Stalks his prey in the night
And he’s watching us all with the eye of the tiger

Rising up, straight to the top
Had the guts, got the glory
Went the distance, now I’m not gonna stop
Just a man and his will to survive

It’s the eye of the tiger
It’s the thrill of the fight
Rising up to the challenge of our rival
And the last known survivor
Stalks his prey in the night
And he’s watching us all with the eye of the tiger

The eye of the tiger
The eye of the tiger
The eye of the tiger
The eye of the tiger

Tom Petty & The Heartbreakers : American Girl

Ayer hablábamos de las interpretaciones erróneas de los temas a través de una canción mítica como American Woman. Hoy comentaremos cómo las leyendas urbanas pueden afectar a una canción de tal manera que se han inventado hasta historias relativas a lo que se narra en ella.
La canción que nos ocupa es toda una referencia en la cultura americana, sobre todo en el ámbito universitario, no sólo por su dinámico ritmo, su energía y su buen rollo, ni por la magnífica reputación de su(s) intérprete(s). Sobre todo porque habla de una chica americana.

Tom Petty & The Heartbreakers, un solista con un grupo detrás, muy al estilo Heartland, (como Bruce Springsteen & The E Street Band o Bob Seger & The Silver Bullet Band) el cantante, el artista y un maravilloso grupo de músicos sustentando todo el ritmo y el aspecto instrumental. Y es que Mike Campbell a la guitarra, Ron Blair al bajo, Stan Lynch a la batería y Benmont Tench a los teclados, unidos a la voz, guitarra rítmica y composiciones de Petty, hacen de esta unión una de las más solventes, acertadas y exitosas de cuantas se han producido en los últimos cuarenta años, en parte gracias a canciones tan increíblemente buenas como esta.

American Girl, segundo single del álbum de debut de Tom Petty & The Heartbreakers (1976), salió publicado en febrero de 1977 compuesto por Petty, producido por Denny Cordell a través del sello Shelter / Island, la cual alcanzó el 36 en listas en 1977 ) pero en su reedición de 1994 con el Greatest Hits de Petty llegó hasta el 9 en USA), habla supuestamente de una chica que se suicidó arrojándose desde lo alto del edificio de la Universidad de Florida ( aludiendo a la interestatal 441 que pasa por debajo del complejo), pero Petty lo desmintió aclarando que solo era una leyenda urbana y que él se inspiró en la 441 californiana cuando vivió una temporada en casa de su amigo y también cantautor Leon Russell y oía los coches de la autopista cercana. La inspiración de una chica, de un amor fugaz, de una historia que no pudo terminar como hubiese querido, marcan el devenir de esta espectacular melodía cotidiana que enganchó más en su reedición que en su primer contacto con el público, allá por la segunda mitad de los setenta.

American Girl es una canción que ha tenido mucha repercusión en artistas posteriores por lo que ha sido
muy versioneada. Entre los covers que más nos han gustado hemos seleccionado los de Roger McGuinn ( ex The Byrds); Goo Goo Dolls; Of Montreal; mis queridos Pearl Jam junto a Tom Petty en un fabuloso directo; y la más actual a cargo de Tokyo Police Club.

En el celuloide American Girl también se ha prodigado bastante en películas como Aquel Excitante Curso (Fast Times At Ridgemont High, 1982) ; la famosísima escena de la chica en el coche de El Silencio de Los Corderos ( 1992), Deseando Libertad (Chasing Liberty, 2004) y en un capítulo de la serie The Sopranos.

American Girl, un pedazo de canción al más puro estilo Heartland que permanece en la memoria colectiva de nuestra generación como un tema atractivo, muy bailable y enérgico para fiestas y eventos animados pero que además nos descubrió a un artista como la copa de un pino y a su fenomenal banda de apoyo. No podían faltar aquí ya que les debo muchos buenos momentos y recuerdos imborrables de mis años mozos.

Well, she was an American girl
Raised on promises
She couldn’t help thinkin’
That there was a little more to life somewhere else
After all it was a great big world
With lots of places to run to
And if she had to die tryin’
She had one little promise she was gonna keep

O yeah, all right
Take it easy, baby
Make it last all night
She was an American girl

Well it was kind of cold that night,
She stood alone on her balcony
Yeah, she could hear the cars roll by,
Out on 441 like waves crashin’ on the beach
And for one desperate moment
There he crept back in her memory
God it’s so painful when something that’s so close
Is still so far out of reach

O yeah, all right
Take it easy, baby
Make it last all night
She was an American girl

The Guess Who : American Woman

Las canciones a veces no son lo que parecen o demuestran ser. Muchas veces el título juega equívocamente con nosotros y nos hace creer que habla de algo completamente distinto de lo que en realidad quiere expresar, nos da una pista falsa, nos lanza un mensaje erróneo, con el fin de confundirnos o de hacernos pensar intencionadamente en algo que quieren que pensemos pero que realmente no es. Al final, como dijo el gran John Lennon, las interpretaciones correctas de las canciones siempre son las que acaban haciendo los fans, viniendo a decir que muchas veces es mejor no dar muchas explicaciones y dejar que cada cual interprete lo que quiera.

Algo parecido es lo que debió pensar la banda canadiense procedente de Manitoba, The Guess Who, los cuales, fundados en la localidad de Winnipeg en 1965 por el guitarrista Randy Bachman ( el cual posteriormente formaría otro grupo de éxito como fue Bachman- Turner Overdrive), Chad Allan y Burton Cummings junto a Jim Kale y Garry Peterson en su formación original, -tras la cual vendrían muchas otras-, consiguieron crear un efecto contradictorio con uno de sus grandes éxitos que les haría mundialmente famosos, pareciendo ser un homenaje cuando realmente todo fue una gran ironía. Una gran broma que les llevó a lo más alto.

American Woman, single de The Guess Who grabado el 13 de agosto de 1969 y editado en marzo de 1970 dentro del álbum homónimo, escrito por la banda al completo y producido por Jack Richardson, alcanzó el número 1 en USA y Canadá siendo el segundo sencillo de la banda en alcanzar la cima después de These Eyes, y todo ello dentro de una controversia al pensar que American Woman era un alegato contra la guerra del Vietnam y contra la cultura americana en general. Nada más lejos de la realidad.

The Guess Who, procedentes del conservador y tradicional estado canadiense de Manitoba, al emprender la gira de 1969, observaron cómo en Chicago, Detroit, Nueva York o Boston, las chicas norteamericanas parecían ir muy por delante de las canadienses en cuanto a edad e intenciones directas, por lo cual subrepticiamente, tal y como Burton Cummings explicó, intentaron lanzar el mensaje de que preferían a sus chicas canadienses, más fieles y recatadas a las lanzadas y cosmopolitas yanquis, no sin crear controversias varias relativas a un significado que según la banda no iba más allá de eso.

Sobre todo, American Woman es un tema perfectamente construido en el aspecto musical, con un ritmo que enlaza la psicodelia con el hard rock, dando los primeros pasos de este género con un riff de escándalo, machacón y pegadizo, muy en el estilo de sus coetáneos Mountain, sentando las bases para formaciones venideras como sus vecinos yanquis Grand Funk Railroad. En cuanto a la mezcla de estilos e influencias se refiere.
Sobre estas líneas dejamos varias actuaciones en vivo, de la época y más actuales donde se ve que la esencia de Guess Who sigue intacta.

Se ha hecho multitud de versiones de American Woman, pero probablemente la más famosa sea la que realizó el gran Lenny Kravitz en 1999 y que supuso un gran éxito de ventas. Otras versiones destacables de esta gran joya de los setenta las podemos encontrar en el cover de los suizos Krokus de 1982, la de los Butthole Surfers y por último la hilarante versión de los Leningrad Cowboys.

American Woman está presente igualmente en varias bandas sonoras como la de American Beauty,con el gran Kevin Spacey cantándola mientras conduce o también en la hilarante película de Jim Carrey The Cable Guy, donde aparece en un karaoke protagonizado por un anciano.

American Woman, un himno oficial para los americanos que nunca pretendió serlo, ni siquiera una crítica ni una mofa. Simplemente The Guess Who intentaron ensalzar lo que más les gustaba (las chicas de su ciudad) aunque para ello tuvieran que rizar el rizo en cuanto a rodeos de significados confusos. Sea como fuere, canción legendaria que marcó época a nivel estilístico y abrió puertas sonoras aún por explorar en la gran avecinda del rock and roll que fueron los primeros setenta. Siempre que la escucho me magnetiza de tal manera que pienso lo grande que resulta hacer las cosas sencillas pero bien hechas.

American woman gonna mess your mind
American woman, she gonna mess your mind
Mm, American woman gonna mess your mind
Mm, American woman gonna mess your mind
Say A
Say M
Say E
Say R
Say I
C
Say A
N, mm
American woman gonna mess your mind
Mm, American woman gonna mess your mind
Uh, American woman gonna mess your mind

Uh!

American woman, stay away from me
American woman, mama, let me be
Don’t come a-hangin’ around my door
I don’t wanna see your face no more
I got more important things to do
Than spend my time growin’ old with you
Now woman, I said stay away
American woman, listen what I say

American woman, get away from me
American woman, mama, let me be
Don’t come a-knockin’ around my door
Don’t wanna see your shadow no more
Coloured lights can hypnotize
Sparkle someone else’s eyes
Now woman, I said get away
American woman, listen what I say, hey

American woman, said get away
American woman, listen what I say
Don’t come a-hangin’ around my door
Don’t wanna see your face no more
I don’t need your war machines
I don’t need your ghetto scenes
Coloured lights can hypnotize
Sparkle someone else’s eyes
Now woman, get away from me
American woman, mama, let me be

Go, gotta get away, gotta get away
Now go go go
I’m gonna leave you, woman
Gonna leave you, woman
Bye-bye
Bye-bye
Bye-bye
Bye-bye
You’re no good for me
I’m no good for you
Gonna look you right in the eye
Tell you what I’m gonna do
You know I’m gonna leave
You know I’m gonna go
You know I’m gonna leave
You know I’m gonna go, woman
I’m gonna leave ya, woman
Goodbye, American woman…

The House Of Love : Shine On

En el mundo en que vivimos, bueno en realidad a lo largo de toda la historia, ha prevalecido una circunstancia latente en todas las sociedades que han pisado la faz de la tierra, ya que es inherente al ser humano: la injusticia. Me explicaré mejor: el derecho ancestral, las leyes, siempre tienden a buscar la justicia, lo que es justo, el término medio o correcto de las cosas en cada situación y se busca su aplicación a todos los aspectos o facetas de la sociedad. A pesar de todo, como el ser humano es eso, humano, tendemos a equivocarnos bastante a menudo. Cuando está equivocación se desarrolla en un ámbito jurídico, o dirime entre dos partes, hablamos de injusticia.

Pero hay otro tipo de injusticia que tiene que ver más con el reconocimiento a las cosas bien hechas, al talento, a la entrega a una causa. Existen bandas que por varios motivos, no han sido reconocidas como se merecen ni los resultados de su popularidad o de sus ventas son acordes a su calidad y su originalidad. Esto es lo que le pasó exactamente a una banda británica de finales de los ochenta y por ello queríamos contar su historia, la de uno de los grupos que abanderó junto a Psychedelic Furs o Inmaculate Fools el movimiento “psicodélico” de aquella época: The House Of Love.

Este grupo procedente de Camberwell, Londres, y formado en 1986 por Guy Chadwick ( el rubio cantante y alma mater de la banda), y Terry Bickers ( el multiinstrumentista genio en la sombra), junto a otros miembros más cambiantes a lo largo de los años, consiguió un estilo propio, profundo, denso y rítmico, muy en el estilo de The Jesus & Mary Chain pero más melódicos, menos distorsionados y con la magnética voz de Chadwick inundándolo todo, con un buen gusto increíble por los temas bien construidos y bien acabados, como lo es el gran ejemplo que os traemos hoy.

Shine On, inicialmente grabado en 1987, no consiguió entrar en listas, aunque en 1990 fue reeditado y consiguió alcanzar el número 29 en UK, 17 en Irlanda y 24 en Australia y hoy día permanece como el himno indiscutible de esta denostada banda junto a otro temazo como The Beatles and The Stones. La letra, bien construida, nos habla acerca de un amor aún no encontrado que pueda contrarrestar la soledad en que nos hallamos inmersos cuando nos encerramos en nuestro propio mundo.
En mi opinión es una auténtica joya que derrocha energía, elegancia y glamour, que busca por encontrar un estilo que le va como anillo al dedo y que ya no abandonarán en toda su carrera.

Sobre estas líneas os dejamos varias actuaciones de The House Of Love interpretando Shine On en varios festivales y actuaciones recientes como Glasgow, The Haunt en Brighton o Faraday. Hay alguna versión muy interesante de Shine On como la que realizó el grupo noruego Apoptygma Berzerk en clave de rock electrónico.

Shine On también ha sonado en series como Trigger Happy TV o anuncios como el de Osiris Shoes con el campeón del mundo de Skate Board Corey Duffel. Sea como fuere, tanto la canción como la banda distan mucho de haber obtenido el reconocimiento que en mi humilde opinión se merecen teniendo en cuenta su calidad y elegancia, pero sobre todo el impacto que tuvieron entre los que éramos por entonces jóvenes. El reproductor de cassette del coche de mi amigo Luis estaba literalmente quemado por haber reproducido una y otra vez esta magnífica canción.

In a garden in the house of love, sitting lonely on a plastic chair
The sun is cruel when he hides away, I need a sister – I’ll just stay
A little girl, a little guy – in a little church or in a school
Little Jesus are you watching me, I’m so young – just eighteen

She, she, she, she Shine On
Shine On
Shine On

In a garden in a house of love, there’s nothing real just a coat of arms
I’m not the pleasure that I used to be – so young – just eighteen

She, she, she, she Shine On
Shine On
Shine On

I don’t know why I dream this way
The sky is purple and things are right every day
I don’t know, it’s just this world’s so far away
But I won’t fight, and I won’t hate
Well not today

In a garden in the house of love
Sitting lonely on a plastic chair
The sun is cruel when he hides away

Shine On…
Shine On
Shine On

….and on…and on…

Shine
Shine On
Shine
Shine
Shine

Ocean Colour Scene : The Riverboat Song

Cuando comienzas una etapa de tu vida en un país extranjero, es muy importante imbuirte todo lo que puedas de los sonidos de ese país, que se te pegue el acento, la calle, las sintonías. Yo había aprendido a los 13 años, -cuando nos trasladamos a vivir a Francia-, que un país se respira, se vive desde cada detalle, desde cada gesto, desde cada sonido, se va aprendiendo y asimilando. Y por eso es muy importante abrir las orejas y los ojos todo lo que se pueda, ser receptivo y estar atento, así es como se aprende no sólo el idioma sino la cultura, la idiosincrasia, el poso del lugar.

Así pues, a finales de 1995 a mi llegada a Wolverhampton, UK, para disfrutar del programa Erasmus, me decidí a empaparme completamente del Stiff-upper-lip británico ( lo que nosotros llamamos flema) y para ello comencé a leer periódicos, ver la TV y escuchar la radio ( aún no estaba internet lo suficientemente desarrollado). Ahí fue donde descubrí un maravilloso programa en Radio 1 de la BBC titulado Breakfast Show con el hoy día famosísimo Chris Evans, el cual eligió como sintonía una canción que me enganchó desde la primera vez que la escuché y que aunque me costó averiguar el nombre de sus intérpretes al final me enteré que eran unos chicos de Birmingham llamados Ocean Colour Scene.

The Riverboat Song fue publicado como primer single del segundo álbum de Ocean Colour Scene, Moseley Shoals (1996), producido por Brendan Lynch a través del sello Island, y supuso un éxito en listas Uk llegando al número 15 y abonando el camino para los
siguientes sencillos. A pesar de la originalidad, frescura y estilo setentero de tan maravilloso tema, The Riverboat Song no puede esconder la evidencia de un flagrante influencia o préstamo como es la de los acordes del tema Four Sticks de los legendarios Led Zeppelin ( aunque esta última se desarrolla en un ritmo 4/4 y la que nos ocupa en 6/8), y no sólo eso: la temática de las letras se asemeja bastante. No obstante, Ocean Colour Scene poseen más semejanzas musicales con los grupos sesenteros de su ciudad como The Spencer Davis Group de Steve Winwood, mezclado con un deje Brit pop de su misma época.

Sobre estas líneas os dejamos el vídeo de Four Sticks de Led Zeppelin donde se aprecian las similitudes entres ambas canciones y además dos actuaciones en directo de OCS interpretando The Riverboat Song. Debajo de estas líneas os dejamos con la memorable actuación de Ocean Colour Scene en el programa de Chris Evans en TFI.

Esta es una de las canciones que marcaron mi estancia en Inglaterra, principalmente por los recuerdos tan buenos que me trae de los clubs nocturnos, donde sonaba mucho, de momentos inolvidables, de ambientes espectaculares en fiestas y de una nostalgia brutal al volver a casa cada ve que la escuchaba. Ocean Colour Scene, un grupo que ha sabido labrarse una carrera digna aunque menos brillante de lo inicialmente esperado, contribuyeron a poner música a mis recuerdos de aquella maravillosa etapa de mi vida y que perduran cada vez que escucho él maravilloso riff que abre la canción y que la acompaña en todo su periplo, cual barco que surca un río sonoro donde fluyen las notas inagotablemente.

I see double up ahead
Where the riverboat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
Like a King who stalks the wings and shoots a dove
And frees an eagle instead
It’s more or less the same as the things that you said

I see trouble up the road
Like the things you found in love are by the way
You like to cheat on your soul
Like the best and worst of thoughts that lose control
Before you lie on your bed

It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

It’s more or less the things you fail to say in your way that’s your trouble
Like a King who stalks the wings and shoots the moon and the stars
And his double
It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

I see trouble up ahead
Where the river boat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
I see double, that’s my trouble

The Trashmen : Surfin’ Bird

Hoy hablaremos de un fenómeno que se daba mucho en los albores de la industria musical del rock: nos referimos a los grupos que tomaban una canción o parte de ella y la hacían suya sin ningún miramiento, sin pedir permiso, únicamente porque les gustaba o porque se la habían recomendado, o simplemente entregado para grabarla. Eran tiempos donde imperaba la impunidad en cuanto a los derechos de autor, donde el artista o compositor no estaban lo suficientemente protegidos y algunos buitres disfrazados de representantes iban ofreciendo las canciones de un banda a otra. Esta es la historia de uno de los mayores plagios  del rock en sus inicios, porque no fue una canción la  que se plagió… fueron dos.

En 1963, The Trashmen era un grupo de Minneapolis basado en el incipiente sonido Surf, (el cual a su vez había surgido del garaje pero incorporando largas líneas de riff de guitarra melódica), y su trayectoria era más bien modesta, hasta que ese año oyeron dos canciones que tocaban en directo The Sorensen Brothers y un disc jockey local les convenció para que las versionearan. Dichas canciones eran Bird Is The Word y Papa-Oom-Mow-Mow, ambas del cuarteto afroamericano The Rivingtons, los cuales mezclaban el doodoowap coral de voces armónicas con el rock and roll.

Así pues, The Trashmen publicaron Surfin’ Bird como single el 13 de noviembre de 1963, producido por Jack Bates a través del sello Garrett, consiguiendo alcanzar el número 4 en listas US y vendiendo la friolera de 32.000 copias solo en su primera semana, mediante la fórmula de mezclar ambas canciones y hacerla una sola, incluyendo un frenético ritmo y añadiendo la voz nasal del batería y cantante Steve Wahrer, el cual añadía movimientos de ave en el escenario para mayor regocijo de su fans. El problema fue cuando Wahrer incluyó como autores  de “su” canción a The Trashmen‘, ante lo cual  The Rivingtons, que en un principio habían transigido en que estos les cogieran prestados los temas, se querellaron consiguiendo que en los créditos figuraran los autores originales: Frazier, White, Turner y Wilson.

Al final, The Trashmen lograron grabar su disco Surfin’ Bird (1964), el cual se convirtió en un gran éxito, aunque la fiebre del sonido surf se fue diluyendo con la llegada de la British Invasion y acabaron disolviéndose en 1967, si bien luego se volverían a reunir en 1982 hasta la muerte de Steve Wahrer en 1989. Luego han hecho tours a partir de 2007 junto a bandas del Revival surf como The Neanderthals, The Boss Martians o The Untamed Youth.

Sobre estas líneas os dejamos varias actuaciones de The Trashmen, una de 1965 y otra de 2008. Bajo estas líneas os dejamos las originales de The Rivingtons, Surfin’ Bird (titulada originalmente Bird Is The Word) y Papa-Oom-Mow-Mow, donde se puede apreciar el cambio de estilo respecto a The Trashmen.

Surfin’ Bird ha tenido muchas versiones de gente ilustre como The Cramps, The Ramones ( mi cover favorito, incluido en su LP de 1978 Rocket To Russia) la banda techno Orbital, los australianos Silverchair o The Queers.

En lo que a formar parte de una banda sonora se refiere, Surfin Bird aparece en la mítica película de Kubrick La Chaqueta Metálica (1987), en una escena apoteósica. También aparece en la serie animada Family Guy en un hilarante sketch y la tenemos asimismo la versión de Big Bird ( en España Caponata) en el programa Sesame Street.

Surfin Bird es toda una paranoia sonora, precursora del sonido surf unido a los juegos vocales, en la cual The Trashmen basaron su repertorio y que ha sido de inspiración para muchas melodías ulteriores que tienen como nexo en común este pájaro surfero con poco mensaje en sus letras pero mucho ritmo en sus alas. No hay más que ponerles esta canción a dos niños para comprobar los efectos beneficiosos que produce el aleteo de esta ave surfera.

A-well-a, everybody’s heard about the bird
Bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, the bird is the word
A-well-a, bird, bird, bird, well, the bird is the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, well, the bird is the word
A-well-a, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, well, the bird is the word
A-well-a, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, don’t you know about the bird
Well, everybody knows that the bird is the word
A-well-a, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a
A-well-a, everybody’s heard about the bird
Bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, don’t you know about the bird
Well, everybody’s talking about the bird
A-well-a, bird, bird, b-bird’s the word
A-well-a, bird
Surfin’ bird
Bbbbbbbbbbbbbbbbbb, aaah
Pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa
Pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-pa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Oom-oom-oom-oom-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, papa-oom-oom-oom
Oom-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-a-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, ooma-mow-mow
Papa-oom-oom-oom-oom-ooma-mow-mow
Oom-oom-oom-oom-ooma-mow-mow
Ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, ooma-mow-mow
Well, don’t you know about the bird
Well, everybody knows that the bird is the word
A-well-a, bird, bird, b-bird’s the word
Papa-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow
Papa-ooma-mow-mow, papa-ooma-mow-mow…

Joaquín Sabina : ¿Quién Me Ha Robado El Mes De Abril?

El mes de abril es muy especial para mí. Además de comenzar el buen tiempo y entrar de lleno en la primavera, cumplir años y celebrar los que va cumpliendo mi hijo, abril siempre me ha parecido un mes de esperanza, de proyectos renovados, de la vuelta de la luz después del largo invierno (aunque por estos lares aún sigue lloviendo copiosamente), de un nuevo ciclo vital que destapa la ilusión y las ansias renovadas de nuevos proyectos. Es, en definitiva, el mes del Renacimiento después de la hibernación.

Y sucede que cuando te roban abril es porque te han robado la inocencia; cuando te roban abril es porque te han robado la ilusión; cuando te roban abril es porque te han robado la juventud; cuando te roban abril es porque te han robado la esperanza; cuando te roban abril es porque te han robado el corazón. Ninguna época del año está tan ligada a todos estos conceptos, a este elenco de sensaciones y sentimientos, quizás porque supone una especie de renacer de la luz sobre la oscuridad, quizás porque al brotar los frutos también nos brotan nuevos deseos y anhelos…todo esto lo sabe bien Joaquín Sabina.

Y es que el de Úbeda si de algo sabe es de desengaños, de fracasos y de decepciones, porque él mismo se considera un perdedor profesional, aunque siempre con elegancia y con sorna, con sarcasmo y dobles , triples y cuádruples sentidos e interpretaciones en sus afiladas y mordaces letras. Desde sus tiempos en La Mandrágora con Javier Krahe, este canalla empedernido supo hacer de su capa un sayo y siempre impuso su peculiar estilo más allá de temas y épocas.

¿Quién Me Ha Robado El Mes de Abril?, canción editada como primer single de su sexto LP en solitario, El Hombre del Traje Gris ( 1988),- título sacado del famoso largometraje de Gregory Peck y extraído del párrafo principal de la canción que nos ocupa, es una de las canciones más melancólicas y tristes que jamás Joaquín Sabina hubiera grabado hasta la fecha, como toda la tónica general que siguen los 9 cortes que componen el álbum. Producido por Pancho Varona, Antonio García de Diego, Luis Fernández Soria y el propio Sabina a través de BMG Ariola y grabado entre los estudios Eurosonic y Circus, se quiso dotar al disco de un cariz melancólico y triste, para lo que Sabina se había encerrado anteriormente a escribir las canciones en el monasterio de El Paular, aunque, según reconoce el genial artista , ” algunas fueron concebidas en bares de cuyo nombre no quiero acordarme”.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo collage de la canción que nos ocupa seguida del vídeo original de 1988 y de una actuación reciente en la que junta ¿Quién me ha robado el mes de abril? con Así estoy Yo Sin Ti.

También os dejamos una versión femenina, la de Ana Belén, del tributo llamado Entre Todas las Mujeres que le hicieron conocidas artistas de nuestro país cantando sus temas, además de otra de José el Francés en tono flamenco.

Este tema también ha dado pie a poner sonido a la banda sonora del film español Sinatra, con el gran Alfredo Landa, que como se puede comprobar en el inicio de la película, le va como anillo al dedo.

Nos despedimos con una fabulosa versión de Ondina y Borja Montenegro, que deja muy a las claras que este tema es un referente en el repertorio del eterno canalla y que supo reflejar perfectamente la melancolía, el paso del tiempo y las oportunidades que dejamos escapar en la vida.

En la posada del fracaso
Donde no hay consuelo ni ascensor
El desamparo y la humedad
Comparten colchón
Y cuando por la calle pasa
La vida como un huracán
El hombre del traje gris
Saca un sucio calendario del bolsillo
Y grita

Quién me ha robado el mes de abril
Cómo pudo sucederme a mí
Quién me ha robado el mes de abril
Lo guardaba en el cajón
Donde guardo el corazón

La chica de BUP casi todas
Las asignaturas suspendió
El curso que preñada
Aquel chaval la dejó
Y cuando en la pizarra pasa
Lista el profe de latín
Lágrimas de desamor
Ruedan por las páginas de un bloc
Y en el escribe

Quíen me ha robado el mes de abril
Cómo pudo sucederme a mí
Pero, quién me ha robado el mes de abril
Lo guardaba en el cajón
Donde guardo el corazón

El marido de mi madre
En el último tren se marchó
Con una peluquera
Veinte años menor
Y cuando exhiben esas risas
De instamatic en París
Derrotada en el sillón
Se marchita viendo Falconcrest
Mi vieja, y piensa,

Quién me ha robado el mes de abril
Cómo pudo sucederme a mí
Quién me ha robado el mes de abril
Lo guardaba en el cajón
Donde guardo el corazón.

Creedence Clearwater Revival : Have You Ever Seen The Rain?

El ser humano es inconformista por naturaleza. Cuando tenemos poco, queremos mucho, cuando hay mucho, nunca es suficiente; cuando llueve, porque llueve, cuando hace sol porque abrasa. Nuestro incurable y perenne síndrome de perro del hortelano raya la patología cultural y es una característica común a la mayor parte de los mortales, grabada a fuego en nuestro caprichoso ADN. Un deseo que nos inculcan desde críos y hacia el que vamos orientando nuestras vidas es el de la realizacion personal mediante la aceptación del prójimo, a través del reconocimiento, del éxito en definitiva. Pero esto no quiere decir que nuestra expectativas sean colmadas completamente. Siempre suele haber algo que falla. Rara es la felicidad completa, y menos la que se consigue fácilmente.

Esta canción habla un poco de eso, de que hay veces que lo tienes todo, tienes el mundo a tus pies, la gente te adora, eres el ídolo de mucha gente… Pero no es suficiente. Lo que te falta es más importante que lo que tienes, lo valoras más, y eso te hace sumirte en una depresión, en una desilusión que hace que dejes de creer en lo que haces. Es como ver llover en un día soleado.

Have You Ever Seen The Rain?, canción compuesta por el enorme John Fogerty para su inmortal banda, la Creedence Clearwater Revival, fue editada como primer y único single del LP Pendulum (1970), el 23 de enero de 1971, producida por el propio Fogerty a través del sello Fantasy, la cual llegó al número 36 en listas UK, nos viene a decir ( según la explicación del mismo Fogerty), que puede que haya momentos que aunque todo nos vaya sobre ruedas, nos sintamos deprimidos y agobiados, en clara alusión a las fuertes tensiones internas que el grupo estaba atravesando por entonces: de hecho justo un año después de la publicación de este álbum, CCR anunció su disolución.

Interpretaciones ulteriores del tema sugieren que Fogerty compuso Have You Ever Seen The Rain? como metáfora alusiva a las bombas que caían durante la Guerra de Vietnam (constatación nunca efectuada por el autor), ya que se compuso en un cargado ambiente antibelicista y de protesta por la intervención de las tropas norteamericanas en el país asiático. Conjeturas en mi opinión más próximas a la verdad y a los sentimientos de Fogerty nos acercan a otra realidad más general y profunda, como es el desencanto de la generación hippie, el paulatino desengaño que sucesos puntuales como el Concierto de Altamont (donde murieron tres personas) o los atentados de Kent State, unidos a la situación general de regresión del movimiento, que pueden aproximarnos al verdadero significado último de la canción: el desencanto de toda una generación ilusionada por un cambio que nunca llegó.

Este tema lo descubrí por casualidad, como a la música de la Creedence, con 18 años viendo el programa de TVE Plastic; pusieron varios vídeos de la banda, como Sweet Hitch Hiker y Have You Ever Seen The Rain? en directo y me quedé prendado absolutamente de CCR. Días después vi en un kiosco el CD Chronicle con sus grandes éxitos y me dejé la paga en comprármelo. Desde entonces hasta hoy es uno de los discos que más he escuchado en mi vida. He elegido esta cómo podía haber elegido Bad Moon Rising, Lodi, Proud Mary, Born On The Bayou o treinta más. Da igual. En el caso de CCR el margen de error en cuanto a calidad, intensidad y belleza de una canción es mínimo.

Sobre estas líneas os dejamos una apoteósica versión de Fogerty en vivo, aunque lamentablemente no existen muchos documentos audiovisuales más de la CCR interpretando esta maravilla, pero si de algo puede presumir Have You Ever Seen The Rain? es de la cantidad de versiones que se han hecho de la misma. Tenemos covers de Rod Stewart, Bonnie Tyler o el grandísimo Johnny Cash.

Más bandas o artistas que se han atrevido con esta joya son The Ramones, The Fray o Teenage Fanclub. Como curiosidad hemos rescatado una versión en castellano a cargo de la venezolana Ana Gabriel, traducida como Ven A Ver Llover

En cuanto a bandas sonoras, aparece en varias como la australiana December Boys ( Los Chicos de Diciembre, 2007), El Clan de Los Rompehuesos ( The Longest Yard, 2005) o la oscarizada Philadelphia.

Como se puede apreciar, Have You Ever Seen The Rain? Ha tenido una grandísima influencia sobre los artistas y generaciones posteriores (en realidad como casi todos los temas de CCR) y supone un hito cultural, artístico, incluso filosófico, para todos los que amamos el Rock and Roll por encima de casi todo. Porque, a decir verdad, ¿quién no ha visto llover alguna vez en un día soleado?.

Someone told me long ago
There’s a calm before the storm,
I know; it’s been coming for some time.

When it’s over, so they say
It’ll rain a sunny day,
I know; shining down like water.

I want to know, have you ever seen the rain?
I want to know, have you ever seen the rain
Coming down on a sunny day?

Yesterday, and days before,
Sun is cold and rain is hard,
I know; been that way for all my time.

‘Til forever, on it goes
Through the circle, fast and slow,
I know; it can’t stop, I wonder.

I want to know, have you ever seen the rain?
I want to know, have you ever seen the rain
Coming down on a sunny day?

Yeah!

I want to know, have you ever seen the rain?
I want to know, have you ever seen the rain
Coming down on a sunny day?

Elbow : Open Arms

Me acuerdo perfectamente del momento en que los descubrí: 12 de agosto de 2012. Ceremonia de Clausura de los Juegos Olímpicos de Londres. Como buenos británicos, los organizadores crean un show fantástico lleno de movimiento y color en el que, por encima de todo, prima una cosa: la música. no en vano el espectáculo se tituló A Simphony Of British Music. Un elenco fantástico de artistas y cantantes va desfilando ante nuestros deleitados oídos y regalados ojos por la pista del Estadio Olímpico londinense. Vemos a la inefable Annie Lennox subida en una carroza; a mis adorados The Who, a Ray Davies y sus Kinks, al mítico Paul MCCartney, a los gigantescos Muse entonando el himno Olimpico, Queen, David Bowie…la crème de la crème. Pero entre todos ellos, a quienes ya conocía, se cuelan unos invitados desconocidos, un grupo del que nunca había oído hablar. El comentarista los anuncia: ahora actuará la London Philarmonic Orchestra acompañando a la banda británica Elbow. Sus canciones Open Arms y One Day Like This hicieron el resto: a partir de este momento les declaré amor incondicional y eterno.

El resultado fue estremecedor: Elbow incrementaron sus ventas y escuchas en la red en un 1000%, proclamándose los vencedores virtuales de cuantos actuaron en aquella memorable ceremonia . Aunque, a decir verdad, faltaríamos al respeto a tan insigne formación si acotáramos o imputáramos su éxito sólo a este evento; digamos que fue un empujón enorme, pero si llegaron hasta allí fue por sobradas razones de calidad y buenas canciones.

Originarios de Ramsbottom, suburbio del Gran Manchester, y fundados en 1997, Elbow ha conseguido mantener la misma formación desde el inicio, a saber: el orondo y espectacular cantante Guy Garvey, Mark Potter a la guitarra, su hermano Craig a los teclados y como productor principal de la banda, Pete Turner al bajo y Richard Jupp a la batería. Juntos practican un estilo muy orquestado, alegre y enérgico, con tintes líricos rozando la pomposidad, un estilo que supieron imitar perfectamente y hacer suyo Coldplay, pero que es nativo de estos cinco genios pseudo anónimos que son capaces de perpetrar joyas como la que nos ocupa.

Open Arms, cuarto single del quinto álbum de Elbow, Build A Rocket Boys! (2011), escrito por Guy Garvey con arreglos del resto de la banda, producido por Craig Potter y Elbow a través del sello Fiction / Polydor , supone un regalo para los oídos, una melodía cadente, armoniosa, que va dejando un rastro indeleble pero sutilmente planeado para que poco a poco nos vaya envolviendo al llegar al estribillo en un in creciendo coral absolutamente soberbio. En cuanto a la letra, estamos ante una alegoría del hijo pródigo que lo deja todo por un sueño ( por el que algunos le llaman loco, de ahí la alusión a The Man Of la Mancha o el Quijote). También es soberbia la personificación de la luna, la descripción detallada que hace Garvey de los lugares de su niñez, todo bañado con un marcado y curioso acento Pommy ( como llaman a los de Manchester) y una sensibilidad fuera de toda duda.

Sobre estas líneas os dejamos la espectacular actuación que Garvey y sus chicos ofrecieron en aquella fastuosa e inolvidable ceremonia de clausura de Londres 2012 que hizo que Elbow traspasara las fronteras sonoras del Reino Unido para comenzar a pertenecer a la escena mundial.

Aquí os dejamos varias actuaciones de Elbow interpretando Open Arms en diversos actos benéficos y actuaciones para la BBC, con coro de niños incluido o en sitios tan pintorescos como la Catedral de Manchester.

Elbow supone la superación, la clase, la armonía, la sublimación del arte hecho música.

You’re a law unto yourself
And we don’t suffer dreamers
But neither should you walk the earth alone

So with finger rolls and folding chairs
And a volley of streamers
We can be there for tweaks and repairs
Should you come back home

We got open arms for broken hearts
Like yours my boy, come home again

Tables are for pounding here
And when we’ve got you surrounded
The man you are will know the boy you were

And you’re not the man who fell to earth
You’re the man of La Mancha
And we’ve love enough to light the street
‘Cause everybody’s here

We got open arms for broken hearts
Like yours my boy, come home again
We got open arms for broken hearts
Like yours my boy, come home again

Everyone’s here
Everyone’s here
The moon is out looking for trouble
And everyone’s here

Everyone’s here
Everyone’s here
The moon wants a scrap or a cuddle
And everyone’s here

We got open arms for broken hearts
Like yours my boy, come home again
We got open arms for broken hearts
Like yours my boy, come home again

Everyone’s here
Everyone’s here
Everyone’s here
Come home again

The moon is out looking for trouble
The moon wants a scrap or a cuddle
The moon is face down in a puddle
And everyone’s here

Antonio Vega : El Sitio De Mi Recreo

En el panorama musical de este país, a lo largo de su ya dilatada historia ( si empezamos a contar desde la irrupción de los primeros artistas pop a mediados de los sesenta) han surgido figuras verdaderamente brillantes y con la suficiente personalidad como para diferenciarse del resto a base de cualidades vocales, compositivas o en algún caso puramente estéticas.
Los ha habido que sobresalían por su registro vocal prodigioso (como por ejemplo, Nino Bravo); los que demostraban dotes para el baile y la pose escénica (como Miguel Bosé) o los que hacían y aún hacen gala de una habilidad proverbial para componer letras que hacen de un tema algo grandioso ( tal es el caso de Joaquín Sabina). Pero alguien tan completo, que supiera aunar una voz melodiosa y muy personal, un físico más que aceptable en sus inicios- aún sin haberse prodigado nunca en las lides del baile- y sobre todo unas dotes líricas y poéticas sobrenaturales, solo he conocido a uno: Antonio Vega.

Este superdotado de la música, a caballo entre Bob Dylan, Joan Manuel Serrat y Johnny Thunders ( por su declarada adicción a la Heroina que acabó sepultando su carrera, su salud y finalmente su vida) nació tocado por la varita mágica de una musa permanente, de una inspiración imperecedera, quizás debido a su experiencia vital y a una sensibilidad fuera de lo común, unido todo ello a unas circunstancias sociales de dependencia que le hacían constantemente estar al filo de la navaja emocionalmente hablando.

Antonio
, ya sea en solitario o con su primo Nacho García Vega en Nacha Pop, es un tío capaz de hacernos tocar el cielo desde su mirada depresiva y melancólica, de trasmitir sensaciones sumamente íntimas pero comunes a todos los mortales, bien con su trémula voz o con sus acertadas palabras. Es alguien, en mi humilde opinión, capaz de haber escrito cuatro de las cincuenta mejores canciones en castellano ( Se Dejaba Llevar, Lucha de Gigantes, La Chica de Ayer y El Sitio de Mi Recreo).

En concreto, la canción que nos ocupa hoy, El Sitio de Mi Recreo, compuesta por Antonio Vega en 1992 y recogida en un álbum homónimo dedicado a un compendio de sus mejores baladas, es sin lugar a dudas una de las mejores canciones jamás escritas en nuestro idioma: destila dulzura, fragilidad, tristeza, desesperanza; dentro de un mundo interior autobiográfico, riquísimo en matices, anegado en un mar de contradicciones, rebosante de melancolía, de aquello que pudo ser y fue pero de otra forma a lo concebido o imaginado. El sitio de mi recreo es un lugar interior que Vega teje magistralmente y quien lo escuche lo siente como propio, como vivido, marcado a fuego en su piel y en sus recuerdos, en una sensación agridulce como la vida misma.

Mientras la azarosa y complicada existencia de Antonio Vega comenzaba a languidecer, su fama y leyenda seguían agrandándose, todos querían colaborar con el, cantar sus canciones, saber de su vida. Fruto de ello comenzaron a lloverle ofertas de programas, conciertos y especiales difíciles de rechazar , rodeándose de gente como Miguel Bosé en la última aparición de Antonio antes de su fallecimiento en 2009 en un dúo soberbio y entrañable.

El ultimo testimonio de un demacrado Antonio, destrozado por la Heroina, unido a un controvertido largometraje documental sobre su vida titulado Tu Voz Entre Otras Mil  ( ya que, según su familia, la cinta se centra demasiado en sus adicciones y menos en sus canciones), nunca empañarán el recuerdo de uno de los más grandes artistas que jamás diera este país.

Como dijo Antonio Vega una vez acerca de El Sitio de Mi Recreo, “Es una canción paisajística, responde a un momento de inspiración en el que encuentras una secuencia que te lleva por un camino. Habla de los lugares donde uno se encuentra a gusto física y espiritualmente. Más que un lugar es un estado de consenso contigo mismo, un lugar no conflictivo”.
Y es que como oí decir a alguien respecto a este genial artista, la naturalidad es la más difícil de las poses. Siempre quedará en nuestro recuerdo la fragilidad de un ser genial que supo estremecernos con su sencillez.

Donde nos llevó la imaginación,
donde con los ojos cerrados
se divisan infinitos campos.
donde se creó la primera luz
junto a la semilla de cielo azul
volveré a ese lugar donde nací.
De sol, espiga y deseo
son sus manos en mi pelo,
de nieve, huracán y abismos,
el sitio de mi recreo.
Viento que a su murmullo parece hablar
mueve el mundo con gracia, la ves bailar
y con él, el escenario de mi hogar.
Mar, bandeja de plata, mar infernal
es su temperamento natural,
poco o nada cuesta ser uno más.
De sol, espeiga y deseo…
Silencio, brisa y cordura
dan aliento a mi locura,
hay nieve, hay fuego, hay deseo,
ahí donde me recreo.

The Waterboys : Fisherman’s Blues

Cada grupo tiene su historia, sus circunstancias, su idiosincrasia, sus influencias, sus paradigmas y su recorrido. Hoy os hablaremos de un grupo que enmascara o esconde a un gran músico, la esencia, el principio y el final de ese grupo, que sin él no tendría razón de ser. Y es que como dijo nuestro sujeto de hoy, Mike Scott, alma mater del grupo anglo-irlandés-escocés The Waterboys : “No hay diferencia entre Waterboys y yo, porque para mí, significan la misma cosa”. Para el resto del mundo, también.

The Waterboys fue únicamente concebido por Scott como un grupo de formación estable desde su Edimburgo natal, aunque las diferentes etapas, cambios de formación y de estilo de la banda han estado inexorablemente ligados a las circunstancias vitales, creativas y compositivas de su líder, quien comenzó su andadura con The Waterboys (nombre tomado por Scott de la canción The Kids de Lou Reed, incluida en el LP Berlin de 1973), como un grupo de Big Music allá por 1983, adquiriendo un estilo muy similar al de Simple Minds, Big Country o Hothouse Flowers, cuyo magnífico resultado se vería en su obra cumbre This Is The Sea (1985), con joyas como The Whole Of The Moon, en mi opinión la referencia absoluta de la banda ( por supuesto junto a la canción que nos ocupa).

Tres años más tarde, en 1988, Mike Scott se traslada a Dublin, donde se enamora perdidamente del folk irlandés (aparte de la conexión inherente entre los escoceses y los de la isla verde) y le da un giro a su estilo rodeándose de músicos expertos en folk como el violinista Steve Wickham, el multiinstrumentista Anthony Thistlethwaite o el trompetista Roddy Lorimer, aparte de varios músicos provenientes de la música celta, los cuales supieron generar esa amalgama perfecta entre el folk y el rock.

La temática de las canciones también varía sustancialmente respecto a la anterior etapa, centrándose en Irlanda, el mundo Celta, sus gentes y costumbres, indagando sobre metáforas y leyendas de dicha cultura ( a la que Scott también pertenece al ser escocés) y consiguiendo el efecto deseado de conectar con el gran público con un single de leyenda como es este Fisherman’s Blues, primer single del disco homónimo de 1988, producido por Mike Scott bajo el sello Chrysalis y grabado a caballo entre Windmill Lane Studios y Spiddal House ( la residencia de Scott).
En este medio tiempo folk, Scott y los suyos desgranan la típica historia de raigambre celta, sueños de soledad, añoranza del mar, anhelo por el ser querido… Aunque también tenemos algún elemento propio de temáticas más modernas como el rechazo al establishment, las andanzas de un vagabundo moderno que va de tren en tren y de ciudad en ciudad. En definitiva, la mezcla de estilos entre el folk y el rock que crean una melodía absolutamente arrebatadora y contagiosamente pegadiza.

Sobre estas líneas os dejamos varias actuaciones de The Waterboys interpretando Fisherman’s Blues, entre ellas una de 2997 en el prestigioso Royal Albert Hall Londinense, donde solo tocan los más grandes.
Además os dejaremos alguna versión de esta joya a cargo de The Brewer Boys o Emilia Clarke.

Tampoco podemos obviar las bandas sonoras en las que ha aparecido esta delicia folk rock, como El Indomable Will Hunting con Matt Damon y Robin Williams o Dom Hemingway ( a la que pertenece el vídeo con Emilia Clarke)

En definitiva, es un pedazo de tema que aparte de todas sus connotaciones anteriores, me trae buenísimos recuerdos de mis dieciocho años , cuando comenzaba COU en un nuevo centro y conocí a nuevos amigos que ahora son mis buenos y viejos amigos. Como testigo o banda sonora de esas imágenes una de las que suena siempre en mi cabeza cuando rememoro aquellos tiempos es este sublime blues del Pescador.

I wish I was a fisherman
Tumblin’ on the seas
Far away from dry land
And it’s bitter memories
Casting out my sweet line
With abandonment and love
No ceiling bearin’ down on me
‘Cept the starry sky above
With light in my head
You in my arms

I wish I was the brakeman
On a hurtlin’ fevered train
Crashing a-headlong into the heartland
Like a cannon in the rain
With the beating of the sleepers
And the burnin’ of the coal
Counting the towns flashing by
In a night that’s full of soul
With light in my head
You in my arms

Well I know I will be loosened
From bonds that hold me fast
That the chains all hung around me
Will fall away at last
And on that fine and fateful day
I will take me in my hands
I will ride on the train
I will be the fisherman
With light in my head
You in my arms

Light in my head
You in my arms
Light in my head
You in my arms
Light in my head
You in my arms
Light in my head
You in my arms

Radiohead : High & Dry

La canción de hoy, una de mis favoritas de esta banda británica, me suscita dos discursos divergentes pero a su vez incluidos en la esencia misma del tema.
El primero de ellos reside en la temática de la canción, de la cual se pueden extraer varias interpretaciones, aunque nos quedaremos con la más aceptada ( ya que sus autores nunca aclararon este punto, pues prefieren que sus letras sean susceptibles de conjeturas varias) es la de la gente que se mueve en la vida por puro prestigio, únicamente para ser valorados por lo que hacen y no por lo que son, yendo contra sus principios en sus actos pero anhelando aceptación por encima de todas las cosas, incluso de la dignidad. “Kill Yourself For recognition” ( te matarías por reconocimiento) o “It’s The Best Thing That You Ever Had” ( es lo mejor que nunca has tenido, en referencia a los falsos halagos de gente que te ensalza y luego te escupirá en cuanto caigas), son verdaderas joyas líricas cargadas de realidad dentro de una melodía absolutamente embriagadora, de contrastes rítmicos  entre la sonoridad de la batería y el riff acústico que acompaña y viste todo el tema con una elegancia irresistible. Por no hablar de la melódica voz de Yorke.

Enlazando con el segundo discurso que comentábamos al principio, decir que esta preciosidad sonora llamada High & Dry y ejecutada por la maravillosa, originalísima y peculiar banda británica Radiohead – una de mis favoritas de todos los tiempos-, extraída como segundo sencillo de su segundo LP The Bends junto a Planet Telex (solo en UK, en el resto del mundo fue Fake Plastic Trees) en febrero de 1995- aunque ya habría sido grabada en 1993 pero fue descartada para su álbum de debut Pablo’s Honey-, producida por John Leckie y Radiohead a través del sello Parlophone (UK) y Capitol Records (USA), no es precisamente la favorita del grupo, habiéndola denostado y descartado desde hace mucho tiempo de las set list de canciones que suelen interpretar en directo.

Paradójicamente, sus dos canciones más queridas por sus fans y por el entorno mainstream, es decir, Creep y High & Dry, son dos temas que no tocan en vivo desde la gira de Paranoid Android, hace ya casi veinte años. Es esa exclusión la que sorprende, atendiendo la misma a dos posibles razones no aclaradas por Radiohead: bien podría ser porque son canciones que se han quedado fuera del estilo que adoptaron a partir de OK Computer (1997), más experimental, cercano incluso al dub o al techno, fuera de la onda mainstream, donde este tema encaja mejor. Otro argumento podría ser el de romper con un pasado enfocado en hits para dar paso a algo más conceptual, a un todo, no sólo piezas sueltas e inconexas, como parecen haber decidido hacer las cosas los de Abingdon.

Sobre estas líneas y en la cabecera os dejamos las dos versiones del vídeo, esta última la original de 1995, que al parecer no gustó demasiado a la banda y por ello encargaron otro, de 1998, que se convirtió en el oficial y que narra historias paralelas dentro de un a cafetería típicamente americana donde se sucede una trama con desenlace fatal.
Además hemos recuperado algún vídeo de actuaciones en directo ya remotas interpretando High & Dry, concretamente una de Glastonbury en 1997, otra de un show de TV en 1996 y otra en un a sesión de estudio en la radio en 1995

Por otro lado también hay bastantes versiones de este atractivo tema por parte de artistas como Jamie Cullum en 2002, la de la banda afroamericana Jacksoul en 2006 y una curiosidad con el cover del uruguayo Jorge Drexler también de 2006.

Es increíble lo menospreciada que ha sido esta canción por radio fórmulas y por el auto veto al que fue sometida por los propios Radiohead, pero la verdad es que High & Dry contribuyó sobremanera a aupar a The Bends como uno de los mejores álbumes de su década en cuanto a ventas y calidad se refiere, todo un Hit muy a pesar de sus creadores.

Two jumps in a week
I bet you think that’s pretty clever don’t you boy?
Flying on your motorcycle,
Watching all the ground beneath you drop
You’d kill yourself for recognition,
Kill yourself to never ever stop
You broke another mirror,
You’re turning into something you are not

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

Drying up in conversation,
You will be the one who cannot talk
All your insides fall to pieces,
You just sit there wishing you could still make love
They’re the ones who’ll hate you
When you think you’ve got the world all sussed out
They’re the ones who’ll spit at you,
You will be the one screaming out

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry

It’s the best thing that you ever had,
The best thing that you ever, ever had
It’s the best thing that you ever had,
The best thing you ever had has gone away

Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry
Don’t leave me high, don’t leave me dry