The Automatic : Monster

Ahora, desde la cuesta arriba ( o cuesta abajo, según se mire) de mis 43 primaveras, comienzo a entender a mis mayores cuando me decían que en nuestra generación éramos todos crápulas y solo pensábamos en pasarlo bien y emborracharnos. Claro, yo veo a los jóvenes de hoy día y pienso que nosotros éramos mejores porque bebíamos y fumábamos ( a veces con tropezón) pero no nos metíamos “nada más fuerte” , al menos en mi caso, que conozco cada uno… Hoy día, este tema está mucho más aceptado por la juventud y menos demonizado que antaño, aunque los efectos adversos siguen estando ahí. La cuestión es que hay más oferta y más posibilidad de elección, más información y más medios para combatirla, pero el peligro está ahí. Cierto es que no se puede comparar a los tiempos de la Heroina ( que se cargó a casi toda una generación , la anterior a la mía), pero sí que hoy día hay una dependencia mayor de drogas de diseño más duras que nuestro alcohol o nuestros porros. He rescatado una canción al hilo de este tema que refleja muy bien lo que puede pasar si se abusa o se juega con estas sustancias.

The Automatic, grupo galés formado en 1998 por Robin Hawkins, James Frost, Iwan Griffiths y Paul Mullen ( quien sustituyó a Alex Pennie) se caracteriza por practicar un post- punk Revival aderezado con toque electrónicos muy importantes (especialmente su base rítmica), consiguiendo un sonido actual pero con reminiscencias clarísimas del britpop por un lado, de los grupos electro pop por otro y con claro deje guitarrero en determinados momentos que nos retrotraen a un estilo post punk guitarrero, similar en ocasiones a Bloc Party o Kaiser Chiefs.

Tras varias maquetas de éxito, su debut discográfico, Not Accepted Anywhere (2006) nos trajo de la mano un implacable sonido personal y lleno de reminiscencias Brit pop y electrónicas, con los singles Recover, Raoul y Monster. Este tercer single, publicado el 5 de junio de 2006, producido por Stephen Harris, Richard Jackson e Ian Broudie a través del sello B- Unique de Polydor Records, habiendo sido grabado en los Stir Cardiff Studios, habla de las sensaciones de paranoia y alucinaciones en estado de haber consumido drogas, se narran experiencias autobiográficas, pero subrepticiamente se está condenando esa falta de control, esa pérdida del
dominio psico-fisico y mental que hace que se tengan episodios oníricos y lisérgicos y que la noción espacio-temporal se distorsione por completo.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo con las letras de Monster y otro con una actuación en directo en el programa de Jools Holland en 2007.
Para terminar de demostrar su poderío en directo, os dejamos con varias actuaciones de The Automatics interpretando Monster: un concierto de 2007 en Glastonbury; su intervención en el Leeds Festival de 2006 y por último su show en el Live Gonzo de 2008. como curiosidad os dejamos una entrañable versión de The Ukulele Orchestra Of Britain y un magnífico cover de Monster.

Monster es un clásico moderno con todos los honores, el gran triunfo de un grupo al que aún le queda mucho por hacer aunque están en un standby que ya dura desde 2010, aunque pueden estar seguros de que aquí les recordaremos siempre por este trepidante tema de atmósferas acidas y lisérgicas que esconde un trasfondo social realmente interesante.

Brain fried tonight through misuse
Through misuse, through misuse
You can’t avoid static abuse
Abuse, abuse

Without these pills you’re let loose
You’re let loose, you’re let loose
Stand up, get out, no excuse
No excuse, no excuse

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill?

Confused, mind bruised, it seeps out
It seeps out, it seeps out
Face down, home town looks so grey
Looks so grey, looks so grey

Convexed you bend, twist and shout
And shout, and shout
Stand up brush off get moving
Get moving, get moving

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Face down, home town, face down, home town
Face down, home town, it looks so grey
(x4)

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Is it a monsteeeeer?

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OMD : Enola Gay

Resulta paradójico el hecho de que algunas madres tengan que pagar con su reputación y su honor los desmanes o barbaridades de sus propios hijos, incluso cuando estos los hayan realizado en un acto de amor filial ( consciente o inconsciente) público pero irreparable y , lo que es peor de todo, indeleble.
Esto es lo que le pasó a la pobre Enola Gay Tibbett, madre del piloto de las fuerzas aéreas norteamericanas Paul Tibbett, cuando a su bien amado y agradecido hijo se le ocurrió poner su nombre al bombardero B-29 Superfortress que portaba la bomba nuclear “Little Boy”, la cual haría caer sobre la ciudad japonesa de Hiroshima un luctuoso 6 de agosto de 1945 a las 08:15 llevándose al instante la vida de más 100.000 personas.

Y esto es lo que el grupo británico OMD ( Orchestral Manoeuvres in The Dark) quiso plasmar con su Enola Gay, cuarto single de su segundo álbum Organisation (1980), escrito por el alma mater de la banda Andy McCluskey, producido por OMD junto a Mike Howlett bajo el sello Virgin Records, y grabado en los Ridge Farm Studios de Dorking (UK), alcanzando el número 1 en Francia, Italia y Portugal y el 8 en listas británicas.

McCluskey construyó un tema articulado con un órgano inolvidable, sustentada por el apoyo de una línea de bajo que da profundidad al tema y una percusión que comenzaría a hacer futuro en los ochenta que estaban por llegar.
En cuanto a la letra de la canción, OMD apela al sentimiento materno de ser utilizada como arma de una guerra que no es la suya para aniquilar a tanta gente y al error de su hijo de cometer tan vil acto ( aunque obviamente cumpliera órdenes de sus superiores ). Aunque habían pasado ya 35 años del fin del conflicto, el Reino Unido se encontraba inmerso por entonces en plena guerra fría, con la sombra de la tercera guerra mundial planeando sobre las islas y con las bombas soviéticas apuntando hacia Londres, ya que el gobierno de Margaret Thatcher había suscrito un acuerdo con los Estados Unidos de ceder suelo británico para acoger bases nucleares norteamericanas, lo que McCluskey y los suyos, de ideología claramente izquierdista, quisieron condenar.

El resultado fue sencillamente demoledor: Enola Gay se convirtió por derecho propio en uno de los himnos del techno pop, estando indisolublemente ligado a la historia de aquella época y representando la vanguardia musical que lideró la new wave británica en un amplio abanico de grupos y estilos.

En cuanto a las versiones de esta magnífica obra, tenemos muchos ejemplos de los que os dejamos varias muestras: Cardova, Scooter y una versión rock que hemos encontrado en YouTube.

También tenemos un curioso Mash up de Enola Gay con una canción de Kate Perry, Teenage Dream, que no tiene desperdicio escuchar.

Ni que decir tiene que ha sido un tema pinchado en las discotecas hasta la saciedad por Djs de todas las épocas. De hecho los propios OMD hicieron en 2010 con motivo de los treinta años del nacimiento del tema una remix del mismo que os dejamos aquí.

En resumen, un tema de leyenda que supuso para la escena pop rock toda una revolución estilística y estética, con bastante influencia de los alemanes Kraftwerk pero también con ese deje tonal tan British muy presente en grupos como The Cure. Una amalgama de sonidos gobernados por el sintetizador como emperador absoluto de una forma de entender la música que si bien ya tuvo su momento de gloria sigue en vigencia con modificaciones pero manteniendo su espíritu.
No se podría entender la banda sonora de mi niñez sin este tema.

Enola gay, you should have stayed at home yesterday
Aha words can’t describe the feeling and the way you lied
These games you play, they’re gonna end it more than tears someday
Aha enola gay, it shouldn’t ever have to end this way

Enola gay, you should have stayed at home yesterday
Aha words can’t describe the feeling and the way you lied
These games you play, they’re gonna end it more than tears someday
Aha enola gay, it shouldn’t ever have to end this way

It’s 8:15, and that’s the time that it’s always been
We got your message on the radio, conditions normal and you’re coming home
Enola gay, is mother proud of little boy today
Aha this kiss you give, it’s never ever gonna fade away
Enola gay, it shouldn’t ever have to end this way
Aha enola gay, it shouldn’t fade in our dreams away
It’s 8:15, and that’s the time that it’s always been
We got your message on the radio, conditions normal and you’re coming home
Enola gay, is mother proud of little boy today
Aha this kiss you give, it’s never ever gonna fade away.

Annabel y Ricitos de Oro


Goldfrapp. Dúo británico procedente de Londres formado en 1999 por la cantante y frontwoman de la banda, Alison Goldfrapp , junto a su socio Will Gregory, famosos por practicar un pop que ha ido transitando desde unos inicios de electrónica experimental con melodías eléctricas con cierta dosis glamour en cuanto a imagen y ritmo sin copado se refiere dirigiendo paulatinamente sus pasos hacia un estilo más sosegado, más poético y melancólico, incluso de banda sonora, épico, alternando estas dos variables a lo largo de toda su carrera hasta su último álbum.
Su disco de debut, Felt Mountain (2000), está impregnado de una estética de postguerra, de cabaret, mezcla de romance y misterio con el que juega la increíble voz de la rubia Alison, en temazos como Lovely Head, Human, Pilots o la fantástica Utopia.
Con su segundo álbum, Black Cherry (2003), los británicos son elogiados por la crítica por su mezcla de aires retro y electro pop vanguardista, con relevancia para el glam rock y el synth pop a partes iguales en temas como su hit Strict Machine, Train, Twist o Black Cherry.
Supernature (2005), continúa en la línea de su predecesor aunque es más previsible, ya que se explota la misma fórmula de éxito con una d sus canciones más famosas, Ooh La La y un videoclip espectacular, además de Number 1, inspirada en Donna Summer y otras como Ride a White Horse o Fly Me Away.
En Seventh Tree (2008) le dan más relevancia al surrealismo, inspirándome en los aterciopelados cuentos para niños británicos pero con una estética y ambientes más inquietantes, más lados del brillo glam del anterior trabajo. A & E, Happiness, Caravana Girl y Clowns así lo atestiguan.
Su quinto LP, Head First (2010), mezclan las dos tendencias naturales de la banda, el glamour del suntuoso pop con el lirismo dramático, destacando la sublime Rocket por encima de todo lo demás. En 2012 el dúo pública The Singles como un grandes éxitos que tenía que llegar sí o si.
Así llegamos a su en mi opinión obra maestra, su sexto y hasta la fecha último disco, Tales of Us (2013), donde se refleja todo lo que ha sido la banda a través de los años en melodías de puro lirismo como este Annnabel o Drew, Jo o Alvar, virando hacia un sonido más ambiental e intimista, ayudados por los excelentes videoclips de la pareja de Alison, Lisa Gunning, donde se plasma toda la delicadeza mística y minimalista de la banda.
Me quedé boquiabierto al ver como una banda que no me interesaba mucho estilísticamente con su electroglam de sus inicios, era capaz de desarrollar una sensibilidad escénica cercana a las canciones de Shirley Bassey para James Bond o darle un cariz si cabe barroco a su sonido.
Muy interesante propuesta la de estos dos genios británicos, el arreglista y polifacetico Gregory y la carismática Alison ( que se empeñó en poner su apellido a la banda y así fue)m con una voz delicada pero estridente a la vez y un sentido de la sensibilidad fuera de lo común.
When You Dream You Only Dream Your Annabel…!

Devo(ción) Freaky


Devo. Quinteto norteamericano formado en Akron (Ohio) en 1972 por Mark Mothersbaugh (cantante y alma mater de la banda), su hermano Bob Mothersbaugh, llamado Bob 1 (guitarra y voces), Robert Casale, llamado Bob 2 (guitarra y sintetizadores), Gerrard Jerry Casale (Bajo y Sintetizadores) y Alan Myers (Batería), siendo unos de los padres del synth pop o pop con sintetizadores, con una originalidad sarcasmo, desparpajo inusitados hasta la fecha, unido todo ello a cierta dosis de friquismo y desvergüenza que desembocan o confluyen en la idea que desarrollan y que articula toda su filosofía: la “De-Evolución” o involución, vuelta hacia atrás ( de ahí viene el término Devo), la cual sostiene que el ser humano ya no evolucionará más y esta empezando a retroceder en vez de avanzar. A esta idea ayudo el suceso que vivieron de cerca sus integrantes en la Universidad de Kent en 1970, cuando en un tiroteo murieron dos de sus amigos.
Entrando ya de lleno en su música, Devo mezclan temas de ciencia ficción con humor surrealista, kitsch, bizarro y freaky, con muchísima sátira social e ironía hacia la política el show business y el American Way Of Life, con extraños ritmos sincopados de sintetizador, coros chirriantes y nuevos compases que resultaron cruciales en influencias posteriores de grupos industriales, new wave y alternativos. Otra de las cosas en las que destacaron fue en ser uno de los primeros grupos en impulsar y cuidar la producción de los video clips com aspecto fundamental en su música, donde se mostraba su curiosa indumentaria con los llamados Energy dome o conos de energía, unos sombreros de plástico rojos a caballo entre una pieza de Lego, una esta de emergencia una torre escalonada Maya, que les confería un aspecto entre ridículo y curioso, acompañados de sus famosos monos amarillos.
Ahora pasaremos a repasar sus diez mejores canciones de mejor a peores orden descendente: Jerkin’ Back N’Forth, The Day My Baby Gave Me A Surprise, Uncontrollable Urge, Wiggly World, Freedom Of Choice, Jocko Homo, Mongoloid, I Can’t Get No (Satisfaction)-espectacular y original cover de The Rolling Stones-, Whip It ( su canción más famosa) y Girl U Want, mi favorita por su ritmo cadencioso y embaucador.
Devo, uno de los grupos más originales en todos los aspectos que jamás hayan pisado un escenario, muy imitados en los ochenta por multitud de bandas, en nuestro país fueron secundados por Aviador Dro, y con una personalidad y creatividad que quedan por encima de la falta de prejuicios y sentido del ridículo de los de Akron.
Girl U Want…!

Servicio Postal Electrónico


The Postal Service. Dúo norteamericano basado en los alrededores de Seattle formado en 2003 por el líder de Death Cab For Cutie, Ben Gibbard y su amigo Jimmy Tamborello (ex-Headset y Figurine), ayudados en ocasiones por Jenny Lewis y Chris Walla, famosos por desarrollar un pop electrónico o electro indie, con muchas bases rítmicas,- a cargo de Tamborello-, pero sin descuidar en sus composiciones las estructuras eminentemente poperas- a cargo de Gibbard-, y con gancho en sus estribillos que recuerdan levemente a New Order o Pet Shop Boys pero dando la sensación de que aportan algo nuevo, de que están descubriendo un nuevo sonido, y lo más chocante es que su procedencia, Seattle y su sello Sub Pop, invitan en un primer momento a creer que hay algo que no cuadra: ¿Qué hacen estos dos que parecen y suenan como británicos en la Meca y el sello del grunge?.
Con todo ello no es de extrañar que con tan sólo un álbum en el mercado, Give Up (2003), hayan partido la pana y arrasado tanto en ventas como en adeptos, ya que en la primera escucha se aprecia una curiosa mezcla latente en casi todos sus temas entre lo pausado y lo frenético, entre el control y el descontrol; quizás le falte un punto de locura e improvisación para ser un diez rotundo, aunque no siendo mi estilo, nunca me he cansado de escucharlo desde que llegó a mis manos y muy poco sobra en esta increíble ópera prima: su obra maestra, la evocadora Such Great Heights, el famosísimo y archiconocido en los clubs The District Sleeps Alone Tonight, con una cadencia absolutamente embaucadora, muy acid jazz; otras joyas son Sleepin In, We Will Become Silhouettes ( me encanta el inicio), This Place is a Prison, Brand New Colony o Clark Gable.
Este discazo, curiosamente el mayor éxito de Sub Pop desde que Nirvana editase Bleach, de momento permanece como el único y hermoso hijo de este dúo atareado con sus proyectos paralelos y personales pero que esperemos que en un futuro no muy lejano nos honren con otro vástago que nos deje al menos las mismas exquisiteces sonoras que el anterior.
Gratísima sorpresa la que me llevé cuando un conocido me los recomendó, lo escuché no muy seguro de si me iba a gustar, pero la verdad es que tuve que oirlo dos o tres veces del tirón porque me enganchó como pocas obras electrónicas lo hayan hecho jamás ( quizás el Homework de Daft Punk me inspiró parecidas sensaciones), pero es que además es un álbum rebosante de sensibilidad y buen gusto, nunca sientes que algo está fuera de lugar, en definitiva, todo un regalo para los oídos.
They Will See Us Waving From Such Great Heights, “Come Down Now”, They Will Say…!

Ciudades del Rock #11: Estocolmo


Estocolmo. Stockholm. La ciudad de las mil islas, a orillas del lago Mälaren, llamada La Venecia del Norte. La capital sueca, con casi un millón y medio de habitantes es desde su fundación un importantísimo centro comercial, naval, económico, industrial y lúdico que la ha convertido en una referencia mundial en cuanto a belleza (aparte de sus famosas habitantes), su arquitectura colorida y preciosista aunque sobria, su bagaje cultural (con el ayuntamiento, famoso por ser sede de la entrega de los premios Nobel, por el barrio de Söndermalm, cuna de Ingrid Bergman y Greta Garbo), su modelo a protección del medio ambiente, posibilitando la pesca del salmón junto al parlamento, o su fabulosa Fiesta del agua en agosto, donde todos los suecos se lanzan a la calle en una explosión de color.
En cuanto a la música, Suecia tiene un bagaje muy importante, puesto que se ha fomentado siempre en colegios y universidades, lo que ha dado como resultado una eclosión de artistas muy importante. En este Post no sólo hablaremos de músicos holmienses, sino que ampliaremos el radio a toda Suecia, pues todos de una manera u otra pasaron por Estocolmo como parte de su formación artística.
En los años sesenta caló mucho en el país escandinavo el pop Beatles y sus variantes, saliendo grupos locales que los emulaban, hasta que empezaron a surgir bandas con identidad propia, practicando un pop muy conectado con elfolklore nórdico, tal es el caso de un grupo legendario como ABBA, precursores del pop bailable y eurovisivo (por cierto, Suecia es uno de los países que más certámenes de Eurovision ha ganado) y con millones de seguidores en todo el mundo. Otra banda conocida en los setenta por sus aires discotequeros fue Blue Swede (que versionearon el Ukashakauka). En los ochenta- noventa se produjo la eclosión del pop sueco con el dúo Roxette como estandartes, seguidos de cerca por los hermanos Neneh Cherry, Eagle Eye Cherry y Titiyo, la holmiense de origen etíope Emilia, los comercialísimos y discotequeros Ace Of Base, Army Of Lovers, Miike Snow, más recientemente Icona Pop, la euro ganadora Loreen, Little Dragon, Caramell, The Royal Concept, The Flower Kings o After Dark. En un escalafón más rock nos encontramos a los fabulosos Cardigans con la explosiva Nina Persson al frente, con Diamond Dogs, Fake, Tove Lo, el joven y prometedor dúo femenino First Aid KitAce Wilder, el ínclito Jay Jay Johansson o Peter Björn and John.
Con el rock por bandera y el garaje como refugio tenemos a varias bandas como Mando Diao, The Hives, The Sounds, Passenger o The Vectors, pero donde realmente hay una escena consolidada en Estocolmo es en el metal, con sus abanderados del nu Metal rapeado Clawfinger, Headplate, los Hard rock Eclipse y H.E.A.T., los famosísimos Heavy-moñas Europe, los grandes Hellacopters, los oscuros Treblinka, Therion y Opeth. Dentro del punk rock tenemos una escena también interesante con The Nomads, Satanic Surfers o Perkele.
Por todo ello, podemos decir que Estocolmo – y Suecia por extensión- no se reduce sólo a cuatro grupos pop sino que abarcan una extensa gama de sonidos y estilos que enriquecen más aún el bagaje cultural de este hermoso lugar.

Coge el Teléfono


The Notwist. Grupo alemán formado en 1989 por los hermanos Marcus y Michael Acher, Andi Haberl y Martin Gretschmann, radicado en Weilheim in Oberbayern, una pequeña población bávara no muy lejos de Múnich, que comenzaron practicando sonidos cercanos al Heavy Metal y Dark Indie Rock (siniestras melodías oscuras y monótonas), pero que en su búsqueda donde han encontrado el mayor reconocimiento ha sido con un estilo más electrónico, más afín a los grupos del sello alemán Morr Music.
No obstante, su gusto por el minimalismo lírico les lleva a desarrollar temas con cadencias fijas, monotonía en los versos cantados y sin embargo asincronía en las bases rítmicas, lo que provoca un resultado original, entre la ruptura Techno y la melodía Indie, desplegando una serie de efectos para ello, como la distorsión o la reverberación, lo cual ha hecho que se les compare con bandas consagradas como My Bloody Valentine o Cocteau Twins, salvando las distancias.
Hasta 2002 generaron registros modestos en cuanto a repercusión y ventas, – quizás el tema Chemicals, del 98 se saliera un poco del tedio-, pero fue en ese año con la publicación de su fabuloso álbum Neon Golden (2002), cuando alcanzaron sus cotas históricas de popularidad, con un sonido envolvente de samples más poperos y comerciales, aunque no en exceso. Temas como el enorme Pick Up The Phone, One With The Freaks, la intimista Consequence, Solitaire o Thrashing Days hacen del disco una joya que no volverían a repetir por estar el listón demasiado alto, aunque les daría el impulso necesario para introducirse en los circuitos de salas y conciertos Indies europeos y norteamericanos.
Poco más reseñar de esta banda teutona, si acaso la banda sonora del film de 2009 Sturm del germano Hans-Christian Schmid.
Por esta maravilla de video y canción y por el fabuloso Neon Golden ( entre los 25 mejores álbumes del siglo XXI), The Notwist merecían un pequeño hueco en este blog.
Pick Up The Phone…and Answer Me At Last…!

La Tele por la Radio


TV On The Radio. Banda afincada en Brooklyn, NYC y formada en 2001 por Tunde Adebimpe, Kyp Malone, David Andrew Sitek, Jaleel Bunton y Gerard Smith (bajista fallecido en 2011), que desarrollan un estilo muy acorde a la etiqueta Post-rock, es decir bases rítmicas próximas a la electrónica, con líneas de teclados acompañadas de riffs estudiados de guitarras de reminiscencias jazz , soul y Funky, y con la voz potente y armoniosa de Tunde que les confiere una personalidad al alcance de muy pocas bandas. Por si fuera poco, su cadencia estilística hace que, a pesar de ser reconocibles en todos sus temas con una impronta propia y un ritmo y líneas muy similares en todas ellas, no resultan en absoluto monótonos; al contrario, es una experiencia muy amena escuchar cualquiera de sus discos.
TVOTR, como son conocidos en el mundo Indie, comenzaron su andadura con un LP auto producido titulado Ok Calculator que constaba con 18 canciones tales como Freeway o Say You Do, aunque su debut oficial se produjo en 2004 con Desperate Youth, Blood Thirsty Babes, un disco de debut más que meritorio con temazos como Staring At The Sun o Dreams, con una clase incomparable que empezaba a despuntar. En 2006 publican Return To Cookie Mountain donde se hacen grandes de verdad así como conocidos con temas como su mítico Wolf Like Me o el inicial I Was a Lover. Con Dear Science (2008) llega la estabilidad y la catarsis creativa a la vez, siendo más solventes en los temas y aprovechando mejor sus virtudes, aunque dan un giro hacia lo comercial. Botones de muestra son la brillante DLZ, Dancing Choose, Stork & Owl o Crying, cerrando un brillantísimo álbum. Su siguiente trabajo, NineTypes of Light (2011) los reafirma con su temazo Will Do, aunque el resto del disco flojea bastante, si acaso se salva Second Song.
Supuestamente estaban guardando fuerzas para su último retoño hasta la fecha , Seeds, trabajo mayúsculo, redondo e inmaculado, con brillantes composiciones de las cuales hemos elegido Happy Idiot, pero podríamos haberlo hecho con su single predecesor de 2013, Mercy, un trallazo, o sus compañeros de LP Careful You, Ride, Test Pilot o Right Now. Sin duda uno de los discos del año.
Parece ser que TVOTR van in crescendo, creciendo musical y estilísticamente, cada vez con más fuerza e intensidad en sus composiciones pero sin abandonar su estilo. Habrá que ver cual es su techo, pero ahora mismo el listón está muy alto.
I’m a Happy Idiot To Keep My Mind Off You…!

La Peña de Foster


Foster The People. Trío californiano formado en Los Ángeles en 2009 por Mark Foster, Mark Pontius y Cubbie Fink que con tan sólo dos álbumes en el mercado ya ha recibido multitud de premios y está considerado como uno de los grupos avant-garde del momento, amoldándose perfectamente al correr de los tiempos a base de practicar un estilo que podríamos definir como Neo-psicodélico, con elementos rock, pero también mucho sintetizador, bases rítmicas, coros y mucha frescura en las composiciones, lo cual les ha proporcionado un éxito de proporciones gigantescas no sólo en los States sino también en Europa, ya que su música está preparada para sonar en clubs, discotecas, bares y radiofórmulas sin ser estrictamente Mainstream. La sensibilidad, energía y ganas de Foster y su banda (que tomaron la idea del nombre de un grupo llamado Foster The Duff), transmite, contagia y engancha, y tiene pinta de no pararse aquí este fenómeno.
Se formaron en 2009 cuando Mark Foster se mudó a L.A. desde Cleveland, donde estudiaba y enseguida empatizó con Pontius y Fink, firmando contrato con discográfica y sacando su primer disco en tiempo récord. Su debut, Torches (2011) es una bocanada de aire fresco, alcanzando el número 3 en listas en UK, y su primer single, mi favorita Pumped Up Kicks, es ya un auténtico himno de esta nueva década. Otros temas interesantes son el machacón Houdini, Call It What You Want (que cedieron como soundtrack del videojuego FIFA 2012) o Don’t Stop (Color on The Walls), que hizo lo propio con Nissan. Un disco redondo y provechoso que supone uno de los mejores debuts de bandas formadas en lo que va de siglo.
Supermodel (2014), su flamante segundo álbum, ratifica el gran nivel de la banda y sube aún más el listón con un giro hacia composiciones modernas y retro a la vez, con efectos de sintetizador, líneas de bajos y coros repetitivos. Hay absolutas joyas en ese trabajo, como el primer single y nuevo himno Coming of Age, mi favorita Are You What You Want To Be?, Ask Yourself o la maravillosamente inclasificable Pseudologia Fantastica.
Foster the People, un agradable descubrimiento con muchísimo que aportar aún y que ya nos han dejado un estilo inconfundible, quizás un poco edulcorado pero muy efectivo y pegadizo sin ser carne de radio fórmula. Les seguiremos muy de cerca.
All the Other Kids With The Pumped Up Kicks…!

No Me Olvido de Alaska


Alaska. Nacida Olvido Gara Jova en México D.F. en 1963, -de familia paterna de origen asturiano y de madre cubana-, a los diez años aterrizó en Madrid y ya con solo catorce años comienza a frecuentar los ambientes musicales madrileños, formando junto a Nacho Canut, Manolo Campoamor y Carlos Berlanga el que sería uno de los grupos precursores de la movida: KK de Luxe, de corte punk, irreverente, asocial, pero efímeros, ya que en 1979 Alaska, junto a parte de sus compañeros de grupo forman Alaska y Pegamoides, donde empiezan a tener un éxito inusitado con histriónicas composiciones como Horror en el Hipermercado. Sus influencias británicas, claramente marcadas por la devoción de Olvido a Siouxsie & The Banshees, unida a la incorporación al grupo del gran Eduardo Benavente y Ana Curra (que luego formarían Parálisis Permanente), les llevarían a su gran éxito nacional, Bailando (1982), un referente que marcaría el devenir del pop español y sería uno de los himnos de la movida (que ellos mismos habían inaugurado interviniendo en el concierto homenaje a Canito dos años atrás).
Pero Alaska y su reputación subían como la espuma, y con su imagen transgresora (a mitad de camino entre lo punk y lo siniestro) consiguió un papel de presentadora en el programa juvenil La Bola de Cristal de TVE en 1984 al tiempo en que formaban un nuevo grupo con los mismos componentes llamado Alaska y Dinarama, con corte más pop, New Wave, más ochenteros con canciones como A quien le Importa, Perlas Ensangrentadas, Como Pudiste Hacerme Esto a Mí, Ni Tú ni Nadie o Un Hombre de Verdad, que les hicieron uno de los grupos más famosos de la historia de nuestra música.
En 1989 después del batacazo de su disco Fan Fatal,-con bazofias como Mi novio es un Zombi, lo peor que ha hecho Alaska sin duda-, Dinarama se disuelve para formar Alaska y Canut Fangoria, con un estilo más disco y comercial, aunque aprovechando la voz profunda y casi masculina de Olvido. Retorciendo Palabras y Miro la Vida Pasar son de lo mejor de esta última andadura que aún compagina esta atípica diva, con una personalidad arrolladora, polifacética y con don de la ubicuidad, multiplicando se en colaboraciones (con Raphaël, Miguel Bosé, etc.), programas de TV, incluso con su propio reality junto a su representante y marido, el inefable Mario Vaquerizo.
Alaska es la artista total, el carácter, la personalidad, todo lo que hace lleva su sello, y sobre todo, su don legendario de gentes, su saber estar y hacer y su pausado diálogo de la diva electropunk que nos robó el corazón siendo niños, cantando aquello de No se Ría de la Bruja Avería.

Un Ojo en el Cielo


Alan Parsons Project. Dúo londinense formado por Alan Parsons (como productor , ingeniero y compositor) y Eric Woolfson (como mezclador, compositor y vocalista) que obtuvo un notable éxito entre 1982 y 1985 con un estilo a medio camino entre el Art rock de Supertramp, tan de moda en el momento, y lo progresivo de los anteriores setenta.
Debutaron en 1976 con el álbum Tales of Mystery and Imagination, un álbum conceptual en que Parsons y Woolfson rondaron la idea de componer y producir y que cantantes invitados aportaran la parte vocal, para lo que contaron entre otros con Arthur Brown y John Miles; y lo curioso es que entre tanto sintetizador y tecnología empleada, el disco suena añejo y auténtico. Su segundo trabajo, I Robot, inspirado en el libro de Isaac Asimov, vuelve a ser conceptual, con el uso del nuevo sintetizador Moon y canciones como la homónima.
Tras tres trabajos más flojos, en 1982 llega su obra maestra, Eye in The Sky, su disco más Mainstream y conocido de cuantos hicieron, con su joya homónima, sin la cual no lograrían entenderse musicalmente los primeros ochenta. La introducción Sirius le confiere una entidad más sólida si cabe.
Otras canciones que han marcado positivamente su carrera podrían ser Nothing Left To Lose, con un portentoso riff final; Time, mi favorita junto a la del Ojo en el Cielo; Breakdown, con un gran final, y la inquietante Lucifer, entre otras muchas.
Woolfson y Parsons acabaron separándose por divergencias de estilos, metas y opiniones (Parsons acabó usando su nombre en sus discos en solitario sin el “Project”) y luego se juntaron para discos puntuales como Freudiana, pero su legado de transición musical es notorio, teniendo en cuenta que fueron de las pocas formaciones que no sucumbieron a los encantos de la radio fórmula edulcorada y blandengue de los ochenta, haciendo música electrónica pero con estilo, con letras surrealistas, oníricas y de vez en cuando reivindicativas, siempre desde un prisma conceptual (como el disco dedicado a Gaudí). En resumen, todo lo que hicieron fue como ellos quisieron. Y eso les acabó honrando.
I am the Eye in The Sky…Looking at You…I Can Read Your Mind…!

Ciudades del Rock #9: Birmingham


Birmingham. Brum. The Second City. La ciudad de los mil negocios. Considerada ( en empate técnico con Manchester) como la segunda ciudad más poblada del Reino Unido, con una conurbación de 3.683.000 habitantes, capital de las West Midlands con poblaciones grandes muy cercanas como Wolverhampton (donde cursé mi erasmus entre 1995 y 1996 ), posee un tejido industrial gigantesco, con industria acerera, siderúrgica y de automoción que ha hecho de la zona uno de los mayores focos de inmigración de todo Gran Bretaña, y por ello tiene zonas donde es mejor no ir, pero sus pubs, el Bull Ring Center, sus recintos deportivos como el Villa Park y sobre todo, su rica y variada escena musical, hacen de Birmingham un espacio muy atractivo de visitar.
Es a partir de 1960 donde empieza a desarrollarse la escena musical de la ciudad, con el movimiento denominado Brum Beat, en el que empiezan a despuntar grupos de la zona como The Fortunes, The Ivy League y sobre todo, tres de las bandas más importantes del momento: The Moody Blues, The Move y los maravillosos Spencer Davis Group del enorme Stevie Winwood, que luego formaría el inmortal grupo Traffic y Blind Faith junto a Eric Clapton. Es de destacar el revival folk que se produjo por entonces con Ian Campbell, Fairport Convention o Joan Armatrading, la primera británica de color que tuvo éxito con el folk.
Otro campo a destacar fue el de la psicodelia, donde destacaron grupos como Atomic Rooster o Carl Palmer del súper grupo Emerson, Lake & Palmer, lo que fue evolucionando hacia lo progresivo con grupazos como The Idle Race, los glammy Slade o la mitad de los Zeppelin, Robert Plant y John Bonham. Mención especial haremos a Jeff Lyne y su Electric Light Orchestra, adalid de las bandas sinfónicas de los setenta.
Pero en lo que de verdad destacó musicalmente Birmingham fue en dar el espaldarazo definitivo a uno de los géneros más importantes del rock: el Heavy Metal, originado según la leyenda en el barrio de Aston, donde las prensas de las fábricas generaban un sonido machacón y cautivador que sirvió de inspiración a un genio como Tony Iommi, quien embaucó a un enorme monstruo cantando como Ozzy Osbourne para formar junto a otro brummy, Geezer Butler, un mito como Black Sabbath. Por si fuera poco, cerca de allí, en West Bromwich, nacería otra grandísima banda liderada por Rob Halford y K.K. Downing , los legendarios Judas Priest.
Otros estilos destacables fueron el Reggae, fruto de la extensa colonia jamaicana, con grupos como UB40; el punk con Swell Maps o Misspent Youth, con The Prefects como más destacados, así como The Killjoys, germen del fantástico grupo multitudinario de Wolverhampton Dexy’s Midnight Runners (los de Come On Eileen), o G.B.H.
Otro estilo cultivado aquí en las Midlands fue el Two Tone o Ska, con The Specials como líderes, The Beat o Pigbag. Además tenemos música más de baile o techo con el cantante de los Fine Young Cannibals, Roland Gift The Au Pairs o The Bureau. Por encima de todos ellos, los New Romantics Duran Duran, uno de los mejores grupos británicos de los ochenta y noventa.
Más recientes reseñaremos a una de mis bandas favoritas, los noventeros con aires de los setenta Ocean Colour Scene, además de  Goldie, The Streets, Babylon Zoo, Pram, Editors, la cantante afrobritánica Laura Mvula, los industriales Godflesh, el DJ y productor Techno Surgeon y un largo etcétera que hacen de Birmingham una de las escenas musicales más ricas y variadasde todas cuantos se encuentran en el orbe del Rock.
Para terminar, nos hemos fijado en el video de cabecera como un ejemplo del renacimiento arquitectónico y urbanístico que esta sufriendo Birmngham, a lo que han contribuido las personalidades que pertenecen a la ciudad, entre ellas se citan muchos de los cantantes y grupos que aparecen en este espacio. Merece la pena.
Long Life to the Black Country, Long Life to Brum!

El Poder del Metal Industrial Teutón


Rammstein. Sexteto formado en la antigua República Democrática Alemana (todos sus miembros nacieron entre Berlín, Leipzig y Schwerin) formado por Till Lindeman y Oliver Riedel junto a Richard Zven Kruspe, Christopher Schneider, Paul Landers y Flake Lorenz, representando la máxima expresión del rock alemán, el llamado Neue Deutsche Härte, mezcla de Rock Industrial y Heavy Metal. Ellos mismos denominan su estilo como Tanzmetal (metal de baile).
El origen de su nombre viene de la ciudad homónima donde hubo en 1988 un accidente aéreo del que se comenta pudo gestarse el germen de la protesta que derrocó el régimen comunista de la DDR y precipitó la caída del muro; de hecho, otro significado de Rammstein es piedra chocando, en alusión al derribo del Muro de Berlín.
En cuanto a su estilo, Rammstein bebe por un lado del rock industrial tipo Front 242, Laidbach o Ministry, pero también tiene reminiscencias de Die Toten Hosen y sobre todo de Kraftwerk en lo que a su toque electrónico se refiere. Sus temáticas son controvertidas, abordando desde el sadomasoquismo hasta la pederastia y encima se les ha acusado de profesar una ideología neonazi, cosa que han desmentido por activa y pasiva. Donde destacan es en sus conciertos llenos de sonido, imágenes y efectos pirotécnicos que los han consagrado como uno de los más brillantes grupos en directo.
En cuanto a su discografía, excelente con discos como Sehnsucht, Reise Reise o Rosenrot, despliega multitud de matices y sonidos y una evolución musical fantástica.
Para mi sus mejores canciones de peor a mejor son estas: Reise Reise, Ich Tu Dir Weh, Feuer Frei, Sonne, Keine Lust, Mein Teil, Ich Will, Amerika, Engel y su pedazo de himno Du Hast, el cual ha tenido un éxito mundial irrefrenable.
Rammstein, el rock bizarro, particular, transgresor y arrebatador que llegó de la antigua Alemania del Este.
Du.. Du Hast… Du Hast Mich…!

Fiesta en Helicóptero


Bloc Party. Uno de los mejores grupos británicos que nos ha dejado la última década, sin duda. A medio camino entre el postpunk de The Cure, Siouxsie and The Banshees, con reminiscencias de Franz Ferdinand y Mogwai,-más coetáneos-, y con una evolución hacia lo electrónico tal y como les sucediera en su día a Radiohead, estos cuatro británicos liderados por Kele Okereke a la voz y Russell Lissack a la guitarra están llamados a convertirse en referencia principal de toda una generación si es que no lo son ya, aunque hay que reconocer que en sus dos últimos trabajos su calidad creativa ha menguado sensiblemente.
Inspirados en la dualidad política pero sin tendencias marcadas eligieron el nombre para aludir al Bloque Comunista (Bloc) y los partidos occidentales (Party). Su álbum de debut, Silent Alarm (2005), es todo un soplo de aire fresco, con guitarras muy características, rasgadas, marcando la pauta, con la voz afrobritánica de Kele en una mezcla de quejido y grito rebelde. Para mí, en cuanto a sonido y nivel de las canciones, es de lo mejor del nuevo siglo. Ejemplos como Helicopter, Banquet, Pioneers (colosal videoclip animado), o la depresiva So Here We Are nos dejan clara la idiosincrasia de un enorme grupo.
Con A Weekend In The City (2007) el nivel obviamente desciende por momentos pero tenemos momentos álgidos como The Prayer, I Still Remember o Hunting For Witches. Con el último single publicado de este LP, Flux, dan un giro de tuerca a sí estilo, metiendo sintetizadores y cambiando los riffs de Lissack por las líneas Techno de Gordon Moaker.
Esto se acentúa en su tercer trabajo, Intimacy (2008),en el que lo electrónico impera, dando una sensación de que la banda pasa de lo setentero a lo ochentero pero en sólo cuatro años, como por ejemplo, con Mercury o Talons.
Tras un receso de cuatro años en los que cada componente busca reforzar sus proyectos en solitario, en 2012 publican su cuarto álbum, Four, retornando en gran medida a lo anterior y poniendo énfasis en la distorsión o repetición de ritmos a base de pedales y efectos de guitarra, hecho Latente en mi tema favorito de este LP, Octopus. También son buenos cortes Day Four o Truth.
En concierto, según gente cercana que los ha visto, se salen, se entregan, sobresaliendo Kele y su presencia física y vocal, así como el virtuosismo de sus guitarras y acompañamientos.
Muy buena banda, de las que aportan cosas nuevas, innovan e investigan, aunque siempre esta latente el problema de siempre:la lucha de egos. Bueno, mientras les sirva para crear y no destruir, bienvenida sea. Esperamos un par de “Silent Alarms” más antes de que les dé por parar…
Are You Hoping For a Miracle?…

Barbudos a Tope


ZZTop. Uno de los Power Trío más famosos de la historia del rock. Este grupo de Houston, Texas, formado por los barbudos Billy Gibbons -guitarra, voz y composiciones- y Dusty Hill-bajo y coros-, más el batería Frank Beard (que sólo lleva bigote porque dice que la barba ya la lleva en el apellido), ha demostrado ser desde sus inicios a principios de los setenta uno de los mayores exponentes del llamado Rock Sureño, aunque también han tenido etapas de Hard Rock y de Electrorock en los ochenta.
Denominados así al parecer al juntar dos marcas muy famosas en USA de tabaco de liar, estos virtuosos barbudos comenzaron hurgando en las raíces del Blues con discos muy en la onda sureña. Como muestras están sus famosísimas La Grange, Tush, Bad To The Bones (no confundir con la de George Thorogood) Just Got Paid o Jesus Just Left Chicago. Avanzando los setenta su rock va recogiendo influencias del country en primer lugar, como por ejemplo Heard It On The X, y más adelante del Funky y el Boogie con Cheap Sunglasses y I Thank You.
El gran cambio vino en los ochenta con sus discos más vendidos ( en mi opinión no por ello los mejores): Eliminator (1983), con sus más famosos momentos en vídeos repletos de coches y chavalas como Sharped Dressed Man, Gimme All Your Lovin, Legs o Got Me Under Pressure, todas ellas con abuso de sintetizadores sobre las guitarras; Dos años después, con Afterburner (1985), siguieron la pauta marcada en los ochenta, destacando cortes como Planet Women o Velcro Fly.
Después de esto, giras mastodónticas codeándose con los mejores- Sammy Hagar, Twisted Sister o Meat Loaf-, recopilatorios, y ya entrando en los noventa discos como Recycler (1990) que suponen una vuelta a los riffs setenteros pero sin renunciar del todo a los sintetizadores.
En su tercer recopilatorio, su cover de Elvis Viva Las Vegas fue el detonante para volver al garaje rock de antaño de una forma más rotunda. Quedará para el recuerdo su versión a dúo con John Lee Hooker del maravilloso Boom Boom, del cual heredaron su grito de guerra How How How How de La Grange, y su Temazos para la BSO de Regreso al Futuro
Una banda, tres tíos, dos barbas, un bigote, primera década de rock sureño y country genuinos sin estridencias, entrada en los ochenta con mucho glamour estético pero más conformismo comercial en lo sonoro. Al final, subida a los altares del rock a base de colaboraciones con los más grandes. Todo esto fue,  es y será ZZTop.
Nunca podré olvidar a los barbudos señalando el Ford Rojo del 33 alejarse a toda velocidad…pero la sensación de escuchar los primeros compases de La Grange es algo que sólo te lo da el oído.
Gimme AllYour Lovin’…!