Imelda May : Wild Woman

Una chica loca por cantar, superdotada vocalmente, con el sexto sentido celta que los irlandeses tienen para la música, con sus cuatro hermanos y su padre apoyándole incondicionalmente desde su popular barrio dublinés de The Liberties, ya desde niña destacando en el coro del colegio, prestando su prodigioso y único timbre para anuncios de televisión (de las barritas de pescado de Findus) y comenzando a girar por los clubs nocturnos de su ciudad a la temprana edad de dieciséis años sólo puede acabar de una forma: triunfando a lo grande.

Y es que Imelda May, la nueva reina del rockabilly, lo tiene todo para gustar: originalidad, talento, un inconfundible físico con su característico tupé teñido de rubio y una banda detrás que le sustenta a la perfección el ritmo y tempo requeridos para desarrollar la pasión por un género que ya le viene desde sus primeras escuchas de discos de Eddie Cochran o Elmore James, pasado por el tamiz de sus experiencias vitales. Su padre siempre fue su gran mentor aunque también su más feroz crítico, pues no paraba de decirle que su voz debía endurecerse. Un día, al ir a llevarla a un concierto, el padre de Imelda vio que esta lloraba por una ruptura sentimental y al verla de esa manera le dijo: «¿Tienes roto el corazón? Perfecto. Ahora puedes cantar blues de verdad».

Wild Woman, la canción que hemos elegido para presentar a esta gran diva moderna, salió publicado como segundo single de Tribal (2014), el cuarto álbum de estudio de Imelda May, el 18 de abril de ese mismo año, escrita y compuesta por la propia Imelda con producción de la irlandesa junto a Mike Crossey a través del sello Decca. La letra es obviamente su declaración de intenciones, una mujer salvaje que se pone al mundo por montera y que no le tiene miedo a nada, que confía en su estilo y en su misma y que lo transmite allá donde va. Gracias a ella y a It’ s Good To Be Alive, el primer single, Tribal consiguió llegar al número 1 de ventas en Irlanda y al 3 en UK.

Su imagen de pin up moderna, dando un aire a su estilo de psychobilly, ha influido mucho en su éxito, aunque os dejamos actuaciones en directo de Imelda interpretando Wild Woman para cerciorarse del vendaval en que esta mujer se convierte al subirse al escenario. Os dejamos una actuación en Las Vegas, otra en el Festival de Jazz de Estambul en 2015 y por último su soberbia actuación en el programa de Jools Holland.

Muestra de su innegable calidad la tenemos en la multitud de colaboraciones que Imelda ha hecho con otros artistas en vivo. Por ejemplo tenemos dúos con gente tan importante como Jeff Beck, Elbow o una gira conjunta con Jamie Cullum. No sólo eso sino que además Imelda ha contribuido activamente en el tributo a Buddy Holly.

Realmente estamos ante una de las mujeres que con su carisma, originalidad (aunque musicalmente no haya innovado gran cosa, ya que recoge el espíritu Rocker de antaño) innegable talento y actitud portentosa encima del escenario, se está labrando una sólida carrera a base de hacer bien las cosas y construirse una reputación a base de impecables canciones y discos excelentes que van incrementando poco a poco pero inexorablemente la leyenda de esta chica irlandesa que cayó en las redes de un estilo grandioso y denostado pero revivido como es el rockabilly.

I knew a feral girl, once upon a time
She grew into a werewolf, that monster was all mine
She was incarcerated, to the inside of my skin
And then I sat and waited, for my nice life to begin

But th-th-there’s a wild woman
Livin’ inside of me
A wicked, wicked wild woman
Dyin’ to be free

I tried and tried to tame her, but she fought me tooth and nail
I couldn’t even train her, so I held onto her tail
I never should have fed her, didn’t know how much she’d grow
I cannae keep her in Kirk
And I think she’s gonna blow

Th-th-there’s a wild woman
Livin’ inside of me
A wicked, wicked wild woman
Dyin’ to be free

Just a little bit of danger, and I break out in a sweat
I’m trying to contain her, but she’s slippin’ through the net

Th-th-there’s a wild woman
Livin’ inside of me
A wicked, wicked wild woman
Dyin’ to be free
Th-th-there’s a wild woman (yeah yeah)
Livin’ inside of me
A wicked, wicked wild woman
Dyin’ to be free

Tom Waits : Hold On

En la entrada de hoy no me remitiré a hablar de una sola canción – aunque obviamente sí que centraré en ella un poco más que en el resto-porque sería una falta de respeto a toda la trayectoria musical y profesional de este extraño talento que nos ocupa, un talento oscuro, distraído, rozando lo bizarro, pero con una creatividad y sensibilidad demoledora. Un crítico dijo una vez que su voz suena como si le hubieran bañado y macerado en bourbon y después hubiese sido atropellado por un coche. Estamos hablando del inefable, del inclasificable, del inolvidable Tom Waits.

Este californiano nacido en Pomona en
1949 ya desde niño fue autodidacta en el aprendizaje del piano, instrumento que como otros muchos, tales como la guitarra y el acordeón, domina a la perfección. Embelesado por el jazz, el blues y el soul y cautivado por los escritores de la generación Beat como Jack Kerouac y Charles Bukowsky, Waits fue forjándose poco a poco una imagen de artistas sui generis, un cantautor atemporal inspirado en el vodevil y en la imagen del homeless alcohólico que se refrendaron en su primer álbum, Closing Time, y aunque no tuvo mucha repercusión, curiosamente empezaron a popularizarse sus canciones a través de versiones de otros artistas que le fueron otorgando prestigio y respeto entre los críticos y compañeros de profesión.

Hold On, buen ejemplo de espectacular tema de Tom Waits ( aunque podríamos haber elegido otros cien igualmente geniales), pertenece a su decimotercer álbum de estudio, Mule Variations (1999) y supone una de esas extrañas melodías a caballo entre el susurro y el lamento, entre el desdén y el talento, arrancando unos sonidos vocales al alcance de casi nadie que le confiere una estela maldita de vicios y excesos incontrolables con el tabaco y el alcohol pero que a su vez le otorgan una sensibilidad sobrenatural para componer maravillosos esbozos líricos. Hold On, aguanta, resiste, sigue a mi lado pase lo que pase y no te fallaré, dualidad entre esperanza y decepción, entre encanto y masoquismo, Waits sabe reflejar como nadie el lado agridulce de la vida.

Sobre estas líneas os dejamos una fenomenal versión de Hold On en directo de 1999. Además os dejamos una serie de vídeos donde vemos en primer lugar un fenomenal cover de Hold On de Waits a dúo con Emily Kinney.

Por otro lado no nos queríamos despedir hoy sin recordar la fenomenal huella que ha dejado este fenómeno raro y atípico a través de la influencia que ha dejado con canciones que otros han hecho suyas pero que pertenecen al calenturiento cerebro de este horrendo genio lleno de adicciones. En primer lugar hemos rescatado Jersey Girl en versión de Waits y de Bruce Springsteen, luego lo mismo con su original Downtown Train y la famosísima de Rod Stewart y por último con Ol’55 y el cover de The Eagles.

Para despedirnos os dejamos
Con dos joyas: un concierto de Tom Waits dentro de la serie storytellers y su arrebatadora versión del
Himno oficioso australiano Waltzin’ Mathilda.

Genio único, underground y marginal que ha logrado el reconocimiento de la crítica internacional y de su cada vez más nutrido y fiel grupo de incondicionales fans, Tom Waits pasa por ser el reflejo de un artista hecho y macerado a sí mismo, con sus miserias y grandezas, pero siempre y ante todo, Tom Waits.

They hung a sign up in our town
«if you live it up, you won’t
live it down»
So, she left Monte Rio, son
Just like a bullet leaves a gun
With charcoal eyes and Monroe hips
She went and took that California trip
Well, the moon was gold, her
Hair like wind
She said don’t look back just
Come on Jim

Oh you got to
Hold on, Hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You gotta hold on

Well, he gave her a dimestore watch
And a ring made from a spoon
Everyone is looking for someone to blame
But you share my bed, you share my name
Well, go ahead and call the cops
You don’t meet nice girls in coffee shops
She said baby, I still love you
Sometimes there’s nothin left to do

Oh you got to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here, you got to
Just hold on.

Well, God bless your crooked little heart St. Louis got the best of me
I miss your broken-china voice
How I wish you were still here with me

Well, you build it up, you wreck it down
You burn your mansion to the ground
When there’s nothing left to keep you here, when
You’re falling behind in this
Big blue world

Oh you go to
Hold on, hold on
You got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
You got to hold on

Down by the Riverside motel,
It’s 10 below and falling
By a 99 cent store she closed her eyes
And started swaying
But it’s so hard to dance that way
When it’s cold and there’s no music
Well your old hometown is so far away
But, inside your head there’s a record
That’s playing, a song called

Hold on, hold on
You really got to hold on
Take my hand, I’m standing right here
And just hold on

Oasis : Live Forever

Corría el año 1994, hacia finales de septiembre y principios de octubre. Hacía seis meses que Kurt Cobain se había quitado de en medio y los grunges seguíamos de duelo total buscando darle un nuevo sentido musical a nuestras vidas. El movimiento parecía estancado, Pearl Jam, Alice In Chains y Soundgarden seguían sacando buenísimos discos pero experimentando con otros sonidos más maduros y mestizos. Un día estaba viendo la tele, no recuerdo qué cadena ni qué programa, y hablaban del nuevo resurgir de la música británica , un nuevo fenómeno al que llamaban Brit Pop: ya había escuchado a Blur y su Parklife y a Supergrass y su I’m Free. Pero aquel día, aparecieron ellos, de golpe y sin avisar, con un temazo y de repente me robaron el corazón. Esta es la historia de cómo conocí a Oasis.

Un vídeo clip alternando escenas en blanco y negro y color, con un cantante con gafas de sol y un inicio con una batería cadenciosa para explotar en un «Maybe…I Don’t Really Wanna Know…!». Zas, flechazo inmediato, una semana después ya tenía el disco en mi poder, y es que uno ha sido muy compulsivo con lo que le encanta.

Live Forever, lanzado como tercer single del disco de debut de Oasis, Definitely Maybe, el 8 de agosto de 1994, escrita por Noel Gallagher y producida por Oasis, Mark Coyle y Owen Morris a través del sello Creation, es una inspiración basada en la canción de los Rolling Stones Shine A Light, aunque bebe de su propio sonido y sus propias influencias (Beatles, Bowie, el glam de los setenta, el Mersey Beat y el Rhythm and Blues), interpretándose en ocasiones como un homenaje para Peggy, la madre de Noel y Liam.

Lo que está claro es que,  en contraposición a los mensajes de las canciones coetáneas compuestas por los grupos grunge, Live Forever destila optimismo, un mensaje de esperanza y de autoestima, al fin y al cabo y en resumidas cuentas, la eterna contraposición entre la música británica y la norteamericana.
Bajo estas líneas os dejamos el vídeo oficial de Live Forever en los States ( que resalta curiosamente los valores y personajes míticos británicos ( fútbol y Bobby Moore, Música y Lennon), y además el concierto entero de Madrid en noviembre del 97 donde tuve la oportunidad de verlos y fue una pena que anduvieran tan a la gresca los hermanos con lo buenos músicos que son, pues deslució bastante el show, aunque como casi siempre lo acabo salvando el bueno de Noel.

Bajo estas líneas os dejamos más actuaciones memorables de Live Forever en directo: en Glastonbury 1994; una actuación de 1996; un concierto en su tierra, Manchester, en 2007 y por último en Wembley en su debut en el coliseo londinense en 1995, actuación memorable donde las haya.

Muchos artistas han versioneada Live Forever pero nos quedaremos con los mejores covers en nuestra opinión : una curiosa versión de The Lemonheads de Evan Dando; la magnífica versión de la Royal Philarmonic Orchestra y la versión acústica de los propios Oasis en la MTV en 1994

Live Forever supuso el despertar a la fama de una de las más grandes bandas británicas de la historia , que si bien realizaron dos primeros discos de escándalo: el mencionado debut Definitely Maybe y What’s The Story? (Morning Glory), – cuyo lanzamiento coincidió con o estancia en UK y puedo asegurar que fue una auténtica locura-, luego su nivel bajó bastantes enteros, y aunque consiguieron un estilo propio y su legión inmensa de fans, es este tema el que los convirtió en auténticos, en genuinos, en un grupo a seguir, en unos triunfadores que lo refrendaron con sus dos otras joyas como Wonderwall y Don’ t Look Back In Anger. Oasis, pretenciosos, maleducados, genios inmortales que se dieron a conocer cantando al mundo su anhelo de vivir para siempre.

Maybe I don’t really wanna know
How your garden grows
‘Cause I just wanna fly
Lately did you ever feel the pain
In the morning rain
As it soaks you to the bone

Maybe I just wanna fly
Want to live I don’t wanna die
Maybe I just wanna breath
Maybe I just don’t believe
Maybe you’re the same as me
We see things they’ll never see
You and I are gonna live forever

I said, maybe I don’t really wanna know
How your garden grows
‘Cause I just wanna fly
Lately did you ever feel the pain
In the morning rain
As it soaks you to the bone

Maybe I will never be
All the things that I wanna be
Now is not the time to cry
Now’s the time to find out why
I think you’re the same as me
We see things they’ll never see
You and I are gonna live forever

Maybe I don’t really wanna know
How your garden grows
‘Cause I just wanna fly
Lately did you ever feel the pain
In the morning rain
As it soaks you to the bone

Maybe I just wanna fly
Want to live I don’t wanna die
Maybe I just wanna breath
Maybe I just don’t believe
Maybe you’re the same as me
We see things they’ll never see
You and I are gonna live forever

Gonna live forever

Cine & Música #81 : Una Jaula De Grillos

Hoy 365RadioBlog retoma la sección Cine & Música, donde repasamos las mejores bandas sonoras de la historia del cine.
Hoy le toca a una película transgresora, divertida y alocada, una comedia en toda regla con un aire muy original, mucho «ambiente» y unos actores espectaculares.

Estamos hablando de Una Jaula de Grillos (The Birdcage, 1996), adaptación norteamericana de la película francesa La Cage Aux Folles (La Jaula de Las Locas, 1978) de Édouard Molinaro, la cual tuvo una versión teatral muy exitosa en Francia y que fue dirigida en la versión que nos ocupa por Mike Nichols respetando el guión original pero adaptado por Elaine May y protagonizada por Robin Williams, Nathan Lane, Gene Hackman, Calixta Flockhart, Hank Azaria y Dan Futterman.

La pareja formada por Armand (Robin Williams), y Albert (Nathan Lane), intentan fingir que son una familia cristiana y tradicional, en lugar de una familia gay y judía, cuando se lo pide Val (Dan Futterman), hijo biológico de Armand fruto de un «desliz» heterosexual de juventud y que ambos han criado juntos, porque se quiere casar con la hija de un senador ultraconservador Kevin Keeley (Gene Hackman). Llaman a la madre (Christine Baranski), del muchacho para completar la comedia el día de la petición de mano, pero cuando no puede llegar debido al tráfico Albert se presenta travestido como la madre de Val. Los enredos y cómicos equívocos terminan cuando finalmente se presenta la madre y se descubre la farsa.

La espectacular banda sonora a cargo de Stephen Sondheim y Jonathan Tunick va acompañada de canciones muy bien traídas las el caso que nos ocupa como We Are Family, versión de Sister Sledge adaptada para la ocasión en una escena hilarante.

Otra canción enorme en el film es She Works Hard For The Money de Donna Summer canturreada por el increíble Agador Spartacus encarnado por el gran Hank Azaria, del cual os dejamos un vídeo con los mejores momentos pues en mi opinión es de largo lo mejor de la película.

Otros de los temas que aparecen en esta Jaula de grillos es Conga de Gloria Stefan ( cuando formaba como Miami Sound Machine) y Love is in The Air versioneada por Robin Williams para la ocasión.

Y qué decir del hilarante y grandioso final con el senador encarnado por Hackman travestido de Drag Queen para escapar de los paparazzis, toda una apoteosis cómica e histriónica, sonando de fondo, como no, el tema central de Sister Sledge, We Are Family.

Una Jaula de Grillos, muy divertido remake de una cinta francesa que estuvo nominada a un Óscar a la mejor dirección artística que al final no consiguió y que supone una encubierta y sarcástica crítica ante el qué dirán, la represión sexual y un paso adelante en pro de los derechos homosexuales. He de reconocer que en un principio fui bastante reticente a verla pero la verdad es que es todo un vodevil coral y aleccionador en el sentido de que cada cual debe vivir su vida sin importarle lo que piensen los demás.

Best Live Albums #38 : Neil Young & Crazy Horse- Live Rust

Hoy 365RadioBlog retoma la serie Best Live Albums donde repasamos los mejores discos en directo de la historia del rock.
En esta ocasión le toca a un genio absoluto que en mi opinión ha sido injustamente infravalorado pero que atesora una calidad inigualable como compositor y ejecutor de temas míticos.

Nos estamos refiriendo al grandísimo cantautor canadiense Neil Young y al disco publicado el 14 de noviembre de 1979 titulado Live Rust, junto a su banda de acompañamiento Crazy Horse (Frank Sampedro a la guitarra rítmica y teclados, Billy Talbot al bajo y Ralph Molina a la batería), el cual fue grabado durante la gira de promoción de Rust Never Sleeps en distintas localidades, como el Cow Palace de San Francisco, con producción de David Briggs y Tim Mulligan a través de Reprise Records.

Centrándonos ya en las canciones de este doble LP, la cara A del primer disco comienza con Sugar Mountain, I Am A Child, Comes A Time y la deliciosa After The Gold Rush, la cual da paso a My My Hey Hey (Out Of The Blue) para cerrar la primera cara .

En la segunda cara nos encontramos con When You Dance I Can Really Love, The Loner, The Needle And The Damage Done, Lotta Love y Sedan Delivery.

El segundo disco comienza en su primera cara con Powderfinger, la maravillosa Cortez The Killer y otra joya como Cinnamon Girl.

La cara que cierra el segundo vinilo la inaugura la poderosísima y una de mis favoritas Like A Hurricane, continuando con Hey Hey My My (Into The Black) y cerrando este maravilloso disco con Tonight’s The Night.

Maravilloso álbum el de Neil Young con su banda de toda la vida que supuso una piedra de toque para las posteriores experiencias en vivo del canadiense, con performance incluidas y guiños a Star Wars (en el vídeo podéis apreciar personajes encapuchados que aparecen en el escenario y salen de él con toda libertad). Aunque yo conocí a Young con The Harvest pero me interesé en su carrera más adelante ( con el imborrable Rockin’ in The Free World), reconozco que este Live Rust es una maravilla eléctrica, donde el de Toronto destila toda su calidad y versatilidad , alternando temas pausados con trallazos rockeros sin perder nunca la esencia de uno de los grandes de la historia.Nunca me cansaré de escuchar este Live Rust que significó una vuelta triunfal de Young a los escenarios que ya hasta día de hoy no ha vuelto a abandonar.

Dead Boys : Sonic Reducer

Hubo una época en mi vida en la que me sentí verdaderamente Punk. En primer lugar, tenía 16-17 años, estaba interno ( voluntariamente) y no veía mucho a mis padres por lo que no me costaba tener que rebelarme y la consiguiente bronca. Con los amigos empezábamos a salir por ahí, beber cerveza, fumar ( mayoritariamente ) cigarros de un paquete comunitario y escuchar música. Un día un tío muy grande ( literalmente, pesaba 100 kilos y media 1,85 con 16 años) llamado Raúl Navarro trajo una cinta a una fiesta en mi casa ( pues mis padres estaban en Francia) de los Ramones, concretamente el fabuloso doble directo It’s Alive, del cual ya hablé en su día, y surgió el flechazo con el punk norteamericano

Poco después sucumbí en las redes de los Sex Pistols y su Never Mind The Bollocks, luego vino la llamada londinense de The Clash, las marranadas de The Cramps, las irreverencias de Dead Kennedys o las pintacas de New York Dolls y el gran Johnny Thunders. Pero hubo un grupo que con un par de canciones ( Sonic Reducer y Ain’t It Fun) me engancharon hasta la médula.

Dead Boys, grupo de la primera hornada de punk rock formado en Cleveland, Ohio en 1976, por su inclasificable frontman Stiv Bators (quien más adelante formaría The Lords Of The New Church), el guitarrista Cheetah Chrome ( quien procedía de la banda Proto- punk Rocket From The Tombs), el guitarrista rítmico Johnny Zero, el bajista Jeff Magnum y el batería Johnny Blitz, suponen uno de los más pendencieros y violentos grupos de la época, con un escándalo detrás de otro pero con una corta vida, ya que se disolvieron en 1979, con un breve retorno en 1986 y posteriormente en una gira Revival en 2004 y 2005 ya sin el fallecido Stiv Bators.

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Tras su traslado a Nueva York en 1976, justo después de formarse como grupo, Dead Boys comenzaron a actuar en la mítica sala CBGB -donde comenzaron también The Ramones o The Cramps– grabando varios directos Bootleg para regocijo de sus fans, aunque el único disco en estudio que nos dejaron fue Young, Loud and Snotty (1977), producido por Genya Ravan a través de Sire Records y grabado en los Electric Lady Studios de Nueva York.

Su primer single, Sonic Reducer, probablemente junto a Ain’t It Fun su tema más popular, nos habla de la filosofía punk de los setenta en su estado más puro, el nihilismo llevado a su máxima expresión. Sonic Reducer, término para definir a alguien que no tocapara  los demás, solo para sí mismo, ya que le importa un pimiento lo que las radio fórmulas digan o hagan acerca de su música, significó una evolución hacia la provocación del rechazo y de la irritación al espectador, su leitmotif era crear  una reacción adversa a través de agresividad y distorsión; la calidad musical quedaba en un segundo plano en pro de la estética y el mensaje de anarquía y rebelión que impregnaba todos los actos de la banda.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo con su actuación en el CBGB neoyorquino y otro en el que interpretan en la misma actuación Sonic Reducer, la cual ha sido versioneada multitud de veces por artistas posteriores. Bajo estas líneas os dejamos con los covers de mis queridos Pearl Jam; la banda metalera Overkill; los alemanes Die Toten Hosen; la grandísima Patti Smith en directo; los enormes Dictators en su estilo más genuino; y por último, Guns N’ Roses (que ya en su día incluirían Ain’t It Fun en su disco de versiones The Spaghetti Incident) en una versión en directo cantada por Tommy Stinson, ex bajista de The Replacements.

Dead Boys pueden no haber sido la formación punk más exitosa de cuantas haya habido pero su legado es innegable; basta escuchar grupos nacionales como La Polla Records, sin dejarnos atrás a los Guns N’Roses (Duff McKagan era su fan número 1), incluso todas las bandas Grunge de principios de los noventa están profundamente incluidas por el sonido de esta loca banda de Cleveland adoptada por Nueva York que reflejó fielmente en su actitud, su sonido y sus letras el más genuino espíritu punk.

I don’t need anyone
Don’t need no mom and dad
Don’t need no pretty face
Don’t need no human race
I got some news for you
Don’t even need you too

I got my devil machine
Got my electronic dream
Sonic reducer
Ain’t no loser
I’m a sonic reducer
Ain’t no loser

People out on the streets
They don’t know who I am
I watch them from my room
They all just pass me by
But I’m not just anyone
Said I’m not just anyone

I got my devil machine
Got my electronic dream
Sonic reducer
Ain’t no loser
I’m a sonic reducer
Ain’t no loser

I’ll be a pharaoh soon
Rule from some golden tomb
Things will be different then
The sun will rise from here
Then I’ll be ten feet tall
And you’ll be nothing at all

The Automatic : Monster

Ahora, desde la cuesta arriba ( o cuesta abajo, según se mire) de mis 43 primaveras, comienzo a entender a mis mayores cuando me decían que en nuestra generación éramos todos crápulas y solo pensábamos en pasarlo bien y emborracharnos. Claro, yo veo a los jóvenes de hoy día y pienso que nosotros éramos mejores porque bebíamos y fumábamos ( a veces con tropezón) pero no nos metíamos «nada más fuerte» , al menos en mi caso, que conozco cada uno… Hoy día, este tema está mucho más aceptado por la juventud y menos demonizado que antaño, aunque los efectos adversos siguen estando ahí. La cuestión es que hay más oferta y más posibilidad de elección, más información y más medios para combatirla, pero el peligro está ahí. Cierto es que no se puede comparar a los tiempos de la Heroina ( que se cargó a casi toda una generación , la anterior a la mía), pero sí que hoy día hay una dependencia mayor de drogas de diseño más duras que nuestro alcohol o nuestros porros. He rescatado una canción al hilo de este tema que refleja muy bien lo que puede pasar si se abusa o se juega con estas sustancias.

The Automatic, grupo galés formado en 1998 por Robin Hawkins, James Frost, Iwan Griffiths y Paul Mullen ( quien sustituyó a Alex Pennie) se caracteriza por practicar un post- punk Revival aderezado con toque electrónicos muy importantes (especialmente su base rítmica), consiguiendo un sonido actual pero con reminiscencias clarísimas del britpop por un lado, de los grupos electro pop por otro y con claro deje guitarrero en determinados momentos que nos retrotraen a un estilo post punk guitarrero, similar en ocasiones a Bloc Party o Kaiser Chiefs.

Tras varias maquetas de éxito, su debut discográfico, Not Accepted Anywhere (2006) nos trajo de la mano un implacable sonido personal y lleno de reminiscencias Brit pop y electrónicas, con los singles Recover, Raoul y Monster. Este tercer single, publicado el 5 de junio de 2006, producido por Stephen Harris, Richard Jackson e Ian Broudie a través del sello B- Unique de Polydor Records, habiendo sido grabado en los Stir Cardiff Studios, habla de las sensaciones de paranoia y alucinaciones en estado de haber consumido drogas, se narran experiencias autobiográficas, pero subrepticiamente se está condenando esa falta de control, esa pérdida del
dominio psico-fisico y mental que hace que se tengan episodios oníricos y lisérgicos y que la noción espacio-temporal se distorsione por completo.

Sobre estas líneas os dejamos un vídeo con las letras de Monster y otro con una actuación en directo en el programa de Jools Holland en 2007.
Para terminar de demostrar su poderío en directo, os dejamos con varias actuaciones de The Automatics interpretando Monster: un concierto de 2007 en Glastonbury; su intervención en el Leeds Festival de 2006 y por último su show en el Live Gonzo de 2008. como curiosidad os dejamos una entrañable versión de The Ukulele Orchestra Of Britain y un magnífico cover de Monster.

Monster es un clásico moderno con todos los honores, el gran triunfo de un grupo al que aún le queda mucho por hacer aunque están en un standby que ya dura desde 2010, aunque pueden estar seguros de que aquí les recordaremos siempre por este trepidante tema de atmósferas acidas y lisérgicas que esconde un trasfondo social realmente interesante.

Brain fried tonight through misuse
Through misuse, through misuse
You can’t avoid static abuse
Abuse, abuse

Without these pills you’re let loose
You’re let loose, you’re let loose
Stand up, get out, no excuse
No excuse, no excuse

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
What’s that coming over the hill?

Confused, mind bruised, it seeps out
It seeps out, it seeps out
Face down, home town looks so grey
Looks so grey, looks so grey

Convexed you bend, twist and shout
And shout, and shout
Stand up brush off get moving
Get moving, get moving

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Face down, home town, face down, home town
Face down, home town, it looks so grey
(x4)

What’s that coming over the hill
Is it a monster? Is it a monster?
(x4)

Is it a monsteeeeer?

Survivor : Eye Of The Tiger

Esta es la historia, como tantas otras, de un capricho del destino, de un trabajo bien hecho que luego dio sus frutos y convirtió a una banda, mejor dicho, a una canción, en todo un emblema en el ámbito de los scores cinematográficos por un lado y de la música orientada al deporte por el otro; un tema que ya desde el principio engancha por su contundencia y sonoridad ( de hecho está considerado como uno de los mejores inicios de canción de la historia del rock) y que nos ha acompañado desde niños mediante un saga pugilista inolvidable. Esta es la historia del Ojo del Tigre

Survivor era un banda formada en Chicago por sus fundadores Jim Peterik ( teclados y letras ) y Frankie Sullivan (guitarra), que practicaban un incipiente AOR – Adult Oriented Rock– al estilo de muchas bandas de la época como Toto, Journey o Asia. Tuvieron varios cambios de vocalista , primero Jim Jamison, después Dave Bickler ( con el que conseguirían este rotundo éxito) y bastante más tarde llegaría Robin McAuley. Pero lo que les hizo realmente famosos fue un momento clave: 1982.

Sylvester Stallone, un fan confeso del AOR y el hard rock melódico, estaba buscando una canción contundente para la tercera entrega de la saga de Rocky, quería más contundencia y espectacularidad. Un día ( según cuenta el propio Sly ) escuchó en la radio un tema de Survivor, Poor Man’s Son, y le encantó. Llamó a su amigo Tom Scotti y este le puso en contacto con la banda de Chicago, a la cual le encargó que le
compusieran un tema en la línea del citado con un resultado espectacular. Bajo estas líneas os dejamos el Poor Man’ s Son para que lo comparéis con Eye Of The Tiger. Ambas tienen un único vertiginoso y un deje guitarrero aunque algo edulcorado.

Posteriormente al multitudinario éxito de Eye Of The Tiger, número 1 en listas en casi todo el orbe en 1982, Stallone les encargó otra nueva canción para Rocky IV, Burning Heart, menos célebre que la anterior pero también muy popular.

Centrándonos en Eye Of The Tiger, Peterik y Sullivan, los compositores principales de Survivor, cuentan que se inspiraron en la canción viendo imágenes del combate en la película y les salió tan bien la jugada que hasta se sincronizan perfectamente los golpes con la canción, donde reside el verdadero secreto de haber dado en el blanco con este tema. Es un tema hecho por y para el boxeo, solo hay que oír las letras, el desafío, la lucha, el rival, la mirada del tigre ( a la que se alude varias veces en Rocky III)

Sobre estas líneas os dejamos la secuencia de la canción en Rocky III y lo espectacularmente bien que se adapta a las imágenes y al ritmo del combate. Bajo estas líneas dejamos varias actuaciones de Survivor interpretando su éxito mundial Eye Of The Tiger: una actuación de 1985, otra de 2009 y otra muy reciente de 2013 en un festival en Suecia cantando Jamison y Bickler al unísono.

En cuanto a versiones,  obviamente y como no podía ser de otra manera tenemos multitud de ellas: una versión femenina cargada de feeling a cargo de Jenn Grant; la curiosa interpretación del tema a cargo de Gloria Gaynor, la diva de I Will Survive; una versión metalera de Dragonslayer y por último el cover de los hillbillies más locos, The Hayseed Dixies, en clave bluegrass country.

Concluyendo, decir que Eye Of The Tiger fue, es y será un soplo de aire fresco para el rock, un tema universal que gusta a todo el mundo independientemente de los estilos y filiaciones musicales; supone un antes y un después en la concepción de la banda sonora en una película y la introducción de videoclips sonoros dentro de los films que sirvieran de puente a la acción ( como por ejemplo el paso del tiempo o en este caso el entrenamiento y los combates). Sin lugar a dudas, y pese a quien le pese , estamos una obra maestra que me recuerda los tiempos web que quedábamos todos los de clase para ver las pelis de Rocky de estreno en el cine. Palabra de fan acérrimo de Rocky…

Rising up, back on the street
Did my time, took my chances
Went the distance, now I’m back on my feet
Just a man and his will to survive

So many times it happens too fast
You trade your passion for glory
Don’t lose your grip on the dreams of the past
You must fight just to keep them alive

It’s the eye of the tiger
It’s the thrill of the fight
Rising up to the challenge of our rival
And the last known survivor
Stalks his prey in the night
And he’s watching us all with the eye of the tiger

Face to face, out in the heat
Hanging tough, staying hungry
They stack the odds still we take to the street
For the kill with the skill to survive

It’s the eye of the tiger
It’s the thrill of the fight
Rising up to the challenge of our rival
And the last known survivor
Stalks his prey in the night
And he’s watching us all with the eye of the tiger

Rising up, straight to the top
Had the guts, got the glory
Went the distance, now I’m not gonna stop
Just a man and his will to survive

It’s the eye of the tiger
It’s the thrill of the fight
Rising up to the challenge of our rival
And the last known survivor
Stalks his prey in the night
And he’s watching us all with the eye of the tiger

The eye of the tiger
The eye of the tiger
The eye of the tiger
The eye of the tiger

Tom Petty & The Heartbreakers : American Girl

Ayer hablábamos de las interpretaciones erróneas de los temas a través de una canción mítica como American Woman. Hoy comentaremos cómo las leyendas urbanas pueden afectar a una canción de tal manera que se han inventado hasta historias relativas a lo que se narra en ella.
La canción que nos ocupa es toda una referencia en la cultura americana, sobre todo en el ámbito universitario, no sólo por su dinámico ritmo, su energía y su buen rollo, ni por la magnífica reputación de su(s) intérprete(s). Sobre todo porque habla de una chica americana.

Tom Petty & The Heartbreakers, un solista con un grupo detrás, muy al estilo Heartland, (como Bruce Springsteen & The E Street Band o Bob Seger & The Silver Bullet Band) el cantante, el artista y un maravilloso grupo de músicos sustentando todo el ritmo y el aspecto instrumental. Y es que Mike Campbell a la guitarra, Ron Blair al bajo, Stan Lynch a la batería y Benmont Tench a los teclados, unidos a la voz, guitarra rítmica y composiciones de Petty, hacen de esta unión una de las más solventes, acertadas y exitosas de cuantas se han producido en los últimos cuarenta años, en parte gracias a canciones tan increíblemente buenas como esta.

American Girl, segundo single del álbum de debut de Tom Petty & The Heartbreakers (1976), salió publicado en febrero de 1977 compuesto por Petty, producido por Denny Cordell a través del sello Shelter / Island, la cual alcanzó el 36 en listas en 1977 ) pero en su reedición de 1994 con el Greatest Hits de Petty llegó hasta el 9 en USA), habla supuestamente de una chica que se suicidó arrojándose desde lo alto del edificio de la Universidad de Florida ( aludiendo a la interestatal 441 que pasa por debajo del complejo), pero Petty lo desmintió aclarando que solo era una leyenda urbana y que él se inspiró en la 441 californiana cuando vivió una temporada en casa de su amigo y también cantautor Leon Russell y oía los coches de la autopista cercana. La inspiración de una chica, de un amor fugaz, de una historia que no pudo terminar como hubiese querido, marcan el devenir de esta espectacular melodía cotidiana que enganchó más en su reedición que en su primer contacto con el público, allá por la segunda mitad de los setenta.

American Girl es una canción que ha tenido mucha repercusión en artistas posteriores por lo que ha sido
muy versioneada. Entre los covers que más nos han gustado hemos seleccionado los de Roger McGuinn ( ex The Byrds); Goo Goo Dolls; Of Montreal; mis queridos Pearl Jam junto a Tom Petty en un fabuloso directo; y la más actual a cargo de Tokyo Police Club.

En el celuloide American Girl también se ha prodigado bastante en películas como Aquel Excitante Curso (Fast Times At Ridgemont High, 1982) ; la famosísima escena de la chica en el coche de El Silencio de Los Corderos ( 1992), Deseando Libertad (Chasing Liberty, 2004) y en un capítulo de la serie The Sopranos.

American Girl, un pedazo de canción al más puro estilo Heartland que permanece en la memoria colectiva de nuestra generación como un tema atractivo, muy bailable y enérgico para fiestas y eventos animados pero que además nos descubrió a un artista como la copa de un pino y a su fenomenal banda de apoyo. No podían faltar aquí ya que les debo muchos buenos momentos y recuerdos imborrables de mis años mozos.

Well, she was an American girl
Raised on promises
She couldn’t help thinkin’
That there was a little more to life somewhere else
After all it was a great big world
With lots of places to run to
And if she had to die tryin’
She had one little promise she was gonna keep

O yeah, all right
Take it easy, baby
Make it last all night
She was an American girl

Well it was kind of cold that night,
She stood alone on her balcony
Yeah, she could hear the cars roll by,
Out on 441 like waves crashin’ on the beach
And for one desperate moment
There he crept back in her memory
God it’s so painful when something that’s so close
Is still so far out of reach

O yeah, all right
Take it easy, baby
Make it last all night
She was an American girl

The Guess Who : American Woman

Las canciones a veces no son lo que parecen o demuestran ser. Muchas veces el título juega equívocamente con nosotros y nos hace creer que habla de algo completamente distinto de lo que en realidad quiere expresar, nos da una pista falsa, nos lanza un mensaje erróneo, con el fin de confundirnos o de hacernos pensar intencionadamente en algo que quieren que pensemos pero que realmente no es. Al final, como dijo el gran John Lennon, las interpretaciones correctas de las canciones siempre son las que acaban haciendo los fans, viniendo a decir que muchas veces es mejor no dar muchas explicaciones y dejar que cada cual interprete lo que quiera.

Algo parecido es lo que debió pensar la banda canadiense procedente de Manitoba, The Guess Who, los cuales, fundados en la localidad de Winnipeg en 1965 por el guitarrista Randy Bachman ( el cual posteriormente formaría otro grupo de éxito como fue Bachman- Turner Overdrive), Chad Allan y Burton Cummings junto a Jim Kale y Garry Peterson en su formación original, -tras la cual vendrían muchas otras-, consiguieron crear un efecto contradictorio con uno de sus grandes éxitos que les haría mundialmente famosos, pareciendo ser un homenaje cuando realmente todo fue una gran ironía. Una gran broma que les llevó a lo más alto.

American Woman, single de The Guess Who grabado el 13 de agosto de 1969 y editado en marzo de 1970 dentro del álbum homónimo, escrito por la banda al completo y producido por Jack Richardson, alcanzó el número 1 en USA y Canadá siendo el segundo sencillo de la banda en alcanzar la cima después de These Eyes, y todo ello dentro de una controversia al pensar que American Woman era un alegato contra la guerra del Vietnam y contra la cultura americana en general. Nada más lejos de la realidad.

The Guess Who, procedentes del conservador y tradicional estado canadiense de Manitoba, al emprender la gira de 1969, observaron cómo en Chicago, Detroit, Nueva York o Boston, las chicas norteamericanas parecían ir muy por delante de las canadienses en cuanto a edad e intenciones directas, por lo cual subrepticiamente, tal y como Burton Cummings explicó, intentaron lanzar el mensaje de que preferían a sus chicas canadienses, más fieles y recatadas a las lanzadas y cosmopolitas yanquis, no sin crear controversias varias relativas a un significado que según la banda no iba más allá de eso.

Sobre todo, American Woman es un tema perfectamente construido en el aspecto musical, con un ritmo que enlaza la psicodelia con el hard rock, dando los primeros pasos de este género con un riff de escándalo, machacón y pegadizo, muy en el estilo de sus coetáneos Mountain, sentando las bases para formaciones venideras como sus vecinos yanquis Grand Funk Railroad. En cuanto a la mezcla de estilos e influencias se refiere.
Sobre estas líneas dejamos varias actuaciones en vivo, de la época y más actuales donde se ve que la esencia de Guess Who sigue intacta.

Se ha hecho multitud de versiones de American Woman, pero probablemente la más famosa sea la que realizó el gran Lenny Kravitz en 1999 y que supuso un gran éxito de ventas. Otras versiones destacables de esta gran joya de los setenta las podemos encontrar en el cover de los suizos Krokus de 1982, la de los Butthole Surfers y por último la hilarante versión de los Leningrad Cowboys.

American Woman está presente igualmente en varias bandas sonoras como la de American Beauty,con el gran Kevin Spacey cantándola mientras conduce o también en la hilarante película de Jim Carrey The Cable Guy, donde aparece en un karaoke protagonizado por un anciano.

American Woman, un himno oficial para los americanos que nunca pretendió serlo, ni siquiera una crítica ni una mofa. Simplemente The Guess Who intentaron ensalzar lo que más les gustaba (las chicas de su ciudad) aunque para ello tuvieran que rizar el rizo en cuanto a rodeos de significados confusos. Sea como fuere, canción legendaria que marcó época a nivel estilístico y abrió puertas sonoras aún por explorar en la gran avecinda del rock and roll que fueron los primeros setenta. Siempre que la escucho me magnetiza de tal manera que pienso lo grande que resulta hacer las cosas sencillas pero bien hechas.

American woman gonna mess your mind
American woman, she gonna mess your mind
Mm, American woman gonna mess your mind
Mm, American woman gonna mess your mind
Say A
Say M
Say E
Say R
Say I
C
Say A
N, mm
American woman gonna mess your mind
Mm, American woman gonna mess your mind
Uh, American woman gonna mess your mind

Uh!

American woman, stay away from me
American woman, mama, let me be
Don’t come a-hangin’ around my door
I don’t wanna see your face no more
I got more important things to do
Than spend my time growin’ old with you
Now woman, I said stay away
American woman, listen what I say

American woman, get away from me
American woman, mama, let me be
Don’t come a-knockin’ around my door
Don’t wanna see your shadow no more
Coloured lights can hypnotize
Sparkle someone else’s eyes
Now woman, I said get away
American woman, listen what I say, hey

American woman, said get away
American woman, listen what I say
Don’t come a-hangin’ around my door
Don’t wanna see your face no more
I don’t need your war machines
I don’t need your ghetto scenes
Coloured lights can hypnotize
Sparkle someone else’s eyes
Now woman, get away from me
American woman, mama, let me be

Go, gotta get away, gotta get away
Now go go go
I’m gonna leave you, woman
Gonna leave you, woman
Bye-bye
Bye-bye
Bye-bye
Bye-bye
You’re no good for me
I’m no good for you
Gonna look you right in the eye
Tell you what I’m gonna do
You know I’m gonna leave
You know I’m gonna go
You know I’m gonna leave
You know I’m gonna go, woman
I’m gonna leave ya, woman
Goodbye, American woman…

Cine & Música #80 : La Chaqueta Metálica

Hoy en 365RadioBlog retomamos una nueva entrega de Cine & Música con una película que ( al igual que la de la semana pasada) pertenece a la nueva hornada de cine bélico que comenzó a descollar a lo largo de los años ochenta y que contenía una gran dosis de drama psicológico y crítica social.

La Chaqueta Metálica (Full Metal Jacket, 1987), producida y dirigida por el gran genio Stanley Kubrick ( La Naranja Mecánica, 2001: una Odisea del Espacio) y co escrita por él mismo junto a Michael Herr adaptando una novela de Gustav Hasford, protagonizada por Matthew Modine como Joker, Vincent D’Onofrio como Gomer Pyle– Patoso en castellano- y el inolvidable papel de R. Lee Ermey como Sargento Hartman, es una mordaz crítica al sistema comenzando por la preparación de los marines y los agresivos métodos de entrenamiento empleados en ellos. La segunda parte, ya en Vietnam, retrata la crudeza de la guerra con irónicos comentarios y dándole especial protagonismo a lo soldados rasos y a la prensa que cubría el conflicto, pero sobre todo a la crueldad y a la deshumanización de quién está inmerso en el sinsentido de la guerra.

Full Metal Jacket, el titulo original que hace mención a un tipo de munición muy empleado en Vietnam es una obra maestra de principio a fin y tanto el ambiente de la academia militar como el del frente en Saigón están perfectamente reflejados por ese genio absoluto del celuloide llamado Stanley Kubrick.

Un aspecto a resaltar es el lado humano , casi de documental de la película, hecho que hace que haya calado tan profundo en casi todo el mundo que la ha visto. Por ello escenas de maltrato y desigualdad absolutas nos hacen incluso reír al verlas. Valga como perla alguna escena de los cánticos de los marines en la academia al mando del inefable sargento Hartman.

Para la banda sonora Kubrick contó con su propia hija Vivian para dirigir el score, aunque ella prefirió esconderse bajo el pseudonimo Abigail Mead, quien mezcla espectacularmente las marchas militares con las canciones de la época de la guerra de Vietnam, por ejemplo la célebre Surfin’ Bird  de The Trashmen.

Otra muestra del buen gusto de la heredera de Kubrick es la inclusión de la canción de Nancy Sinatra These Boots Are Made For Walking 

También tenemos un clásico como el de Sam The Sham & The Pharaohs, Wooly Bully y también el himno de los Marines.

En definitiva, tremenda y enorme película que me encanto desde la primera ve que la vi por su originalidad, frescura e impactantes escenas, como la del recluta Patoso en el WC.

Gran película de un gran director con geniales actores y una banda sonora de auténtico lujo, no en vano está incluida en el número 457 de las mejores 500 películas de la historia y considerada como uno de los mejores films bélicos que se hayan rodado jamás.

Best Live Albums #37 : Led Zeppelin- How The West Was Won

Hoy 365RadioBlog os trae una nueva entrega de la sección Best Live Albums, donde recordamos los mejores discos en directo de la historia. Hoy le toca a una banda mítica entre las míticas, a un cuarteto que revolucionó el rock desde el folk y el blues y que sigue siendo aún hoy un absoluto referente en el podium de los más grandes: Page, Plant, Jones y Bonham. O lo que es lo mismo, Led Zeppelin.

How The West Was Won, triple álbum directo ( y tercero en su carrera tras BBC Sessions y The Song Remains The Same) fue grabado durante los conciertos que ofreció la banda británica los días 25 y 27 de junio de 1972 en el Forum de Los Ángeles y en el Long Beach Arena respectivamente, siendo publicado en marzo de 2003. La totalidad del LP la compone el material de grabación encontrado por Jimmy Page mientras buscaba imagenes de esta gira (que más tarde formarían parte del DVD que lo acompaña) y se dio cuenta de que tanto la calidad de la grabación como de la interpretación superaban con creces los dos anteriores álbumes en vivo de la banda y por ello decidieron editarlo como triple álbum a través de Atlantic con la producción del propio Jimmy Page.

El primer disco comienza con la intro titulada L.A. Drone que nos da paso a la fabulosa Inmigrant Song, la mejor versión en vivo que jamás escuché; le sigue una impresionante Heartbreaker y su famoso riff; después viene una de mis favoritas, la sublime Black Dog.

Over The Hills And Far Away precede a una maravillosa versión de 8 minutos de Since I’ve Been Loving You, antesala de la más grandiosa canción que jamás pariera el rock, Stairway To Heaven. Le siguen para cerrar el disco Going To California, That’s The Way y la folkie Bron-Y-Aur Stomp.

El disco dos inicia con una larguísima versión de 25 minutos de Dazed and Confused ( la cual, aunque no lo indiquen los créditos lleva incluidas improvisaciones de Louie Louie, Thank You, Communication Breakdown y Tangerine); continúa con los cortes Walter’s Walk, The Crunge, What Is And What Should Never Be, Dancing Days y lo clausura con una increíble y larguísima versión de Moby Dick en la que Bonzo Bonham se marca uno de los mejores solos de batería de la historia.

El disco tres comienza con la inimitable Whole Lotta Love y un Medley que incluye varios temas clásicos como Boogie Chillum de John Lee Hooker, Let’s Have A Party, Hello Mary Lou de Gene Pittney y Going Down Slow.

Después de este Medley viene la poderosisima Rock and Roll, esencia de los Zeppelin; le sigue The Ocean y concluye con Bring It On Home.

Es una pena que no haya más imágenes de estos conciertos porque a tenor del sonido fueron de lo mejor en directo de la carrera de Led Zeppelin. Tal y como dijo John Paul Jones, «en aquellos conciertos lo astros estaban alineados, sonamos como nunca».

How The West Was Won ( traducido  como La Conquista del Oeste) pertenece por derecho propio a los altares de los mejores directos jamás perpetrados en la historia del rock, y aunque el material recuperado fue por casualidad, debemos de agradecer al señor Page el esfuerzo en juntar todos estos momentos que ayudaron a engrandecer la leyenda de aquel maravilloso Zeppelin.

The House Of Love : Shine On

En el mundo en que vivimos, bueno en realidad a lo largo de toda la historia, ha prevalecido una circunstancia latente en todas las sociedades que han pisado la faz de la tierra, ya que es inherente al ser humano: la injusticia. Me explicaré mejor: el derecho ancestral, las leyes, siempre tienden a buscar la justicia, lo que es justo, el término medio o correcto de las cosas en cada situación y se busca su aplicación a todos los aspectos o facetas de la sociedad. A pesar de todo, como el ser humano es eso, humano, tendemos a equivocarnos bastante a menudo. Cuando está equivocación se desarrolla en un ámbito jurídico, o dirime entre dos partes, hablamos de injusticia.

Pero hay otro tipo de injusticia que tiene que ver más con el reconocimiento a las cosas bien hechas, al talento, a la entrega a una causa. Existen bandas que por varios motivos, no han sido reconocidas como se merecen ni los resultados de su popularidad o de sus ventas son acordes a su calidad y su originalidad. Esto es lo que le pasó exactamente a una banda británica de finales de los ochenta y por ello queríamos contar su historia, la de uno de los grupos que abanderó junto a Psychedelic Furs o Inmaculate Fools el movimiento «psicodélico» de aquella época: The House Of Love.

Este grupo procedente de Camberwell, Londres, y formado en 1986 por Guy Chadwick ( el rubio cantante y alma mater de la banda), y Terry Bickers ( el multiinstrumentista genio en la sombra), junto a otros miembros más cambiantes a lo largo de los años, consiguió un estilo propio, profundo, denso y rítmico, muy en el estilo de The Jesus & Mary Chain pero más melódicos, menos distorsionados y con la magnética voz de Chadwick inundándolo todo, con un buen gusto increíble por los temas bien construidos y bien acabados, como lo es el gran ejemplo que os traemos hoy.

Shine On, inicialmente grabado en 1987, no consiguió entrar en listas, aunque en 1990 fue reeditado y consiguió alcanzar el número 29 en UK, 17 en Irlanda y 24 en Australia y hoy día permanece como el himno indiscutible de esta denostada banda junto a otro temazo como The Beatles and The Stones. La letra, bien construida, nos habla acerca de un amor aún no encontrado que pueda contrarrestar la soledad en que nos hallamos inmersos cuando nos encerramos en nuestro propio mundo.
En mi opinión es una auténtica joya que derrocha energía, elegancia y glamour, que busca por encontrar un estilo que le va como anillo al dedo y que ya no abandonarán en toda su carrera.

Sobre estas líneas os dejamos varias actuaciones de The House Of Love interpretando Shine On en varios festivales y actuaciones recientes como Glasgow, The Haunt en Brighton o Faraday. Hay alguna versión muy interesante de Shine On como la que realizó el grupo noruego Apoptygma Berzerk en clave de rock electrónico.

Shine On también ha sonado en series como Trigger Happy TV o anuncios como el de Osiris Shoes con el campeón del mundo de Skate Board Corey Duffel. Sea como fuere, tanto la canción como la banda distan mucho de haber obtenido el reconocimiento que en mi humilde opinión se merecen teniendo en cuenta su calidad y elegancia, pero sobre todo el impacto que tuvieron entre los que éramos por entonces jóvenes. El reproductor de cassette del coche de mi amigo Luis estaba literalmente quemado por haber reproducido una y otra vez esta magnífica canción.

In a garden in the house of love, sitting lonely on a plastic chair
The sun is cruel when he hides away, I need a sister – I’ll just stay
A little girl, a little guy – in a little church or in a school
Little Jesus are you watching me, I’m so young – just eighteen

She, she, she, she Shine On
Shine On
Shine On

In a garden in a house of love, there’s nothing real just a coat of arms
I’m not the pleasure that I used to be – so young – just eighteen

She, she, she, she Shine On
Shine On
Shine On

I don’t know why I dream this way
The sky is purple and things are right every day
I don’t know, it’s just this world’s so far away
But I won’t fight, and I won’t hate
Well not today

In a garden in the house of love
Sitting lonely on a plastic chair
The sun is cruel when he hides away

Shine On…
Shine On
Shine On

….and on…and on…

Shine
Shine On
Shine
Shine
Shine

Ocean Colour Scene : The Riverboat Song

Cuando comienzas una etapa de tu vida en un país extranjero, es muy importante imbuirte todo lo que puedas de los sonidos de ese país, que se te pegue el acento, la calle, las sintonías. Yo había aprendido a los 13 años, -cuando nos trasladamos a vivir a Francia-, que un país se respira, se vive desde cada detalle, desde cada gesto, desde cada sonido, se va aprendiendo y asimilando. Y por eso es muy importante abrir las orejas y los ojos todo lo que se pueda, ser receptivo y estar atento, así es como se aprende no sólo el idioma sino la cultura, la idiosincrasia, el poso del lugar.

Así pues, a finales de 1995 a mi llegada a Wolverhampton, UK, para disfrutar del programa Erasmus, me decidí a empaparme completamente del Stiff-upper-lip británico ( lo que nosotros llamamos flema) y para ello comencé a leer periódicos, ver la TV y escuchar la radio ( aún no estaba internet lo suficientemente desarrollado). Ahí fue donde descubrí un maravilloso programa en Radio 1 de la BBC titulado Breakfast Show con el hoy día famosísimo Chris Evans, el cual eligió como sintonía una canción que me enganchó desde la primera vez que la escuché y que aunque me costó averiguar el nombre de sus intérpretes al final me enteré que eran unos chicos de Birmingham llamados Ocean Colour Scene.

The Riverboat Song fue publicado como primer single del segundo álbum de Ocean Colour Scene, Moseley Shoals (1996), producido por Brendan Lynch a través del sello Island, y supuso un éxito en listas Uk llegando al número 15 y abonando el camino para los
siguientes sencillos. A pesar de la originalidad, frescura y estilo setentero de tan maravilloso tema, The Riverboat Song no puede esconder la evidencia de un flagrante influencia o préstamo como es la de los acordes del tema Four Sticks de los legendarios Led Zeppelin ( aunque esta última se desarrolla en un ritmo 4/4 y la que nos ocupa en 6/8), y no sólo eso: la temática de las letras se asemeja bastante. No obstante, Ocean Colour Scene poseen más semejanzas musicales con los grupos sesenteros de su ciudad como The Spencer Davis Group de Steve Winwood, mezclado con un deje Brit pop de su misma época.

Sobre estas líneas os dejamos el vídeo de Four Sticks de Led Zeppelin donde se aprecian las similitudes entres ambas canciones y además dos actuaciones en directo de OCS interpretando The Riverboat Song. Debajo de estas líneas os dejamos con la memorable actuación de Ocean Colour Scene en el programa de Chris Evans en TFI.

Esta es una de las canciones que marcaron mi estancia en Inglaterra, principalmente por los recuerdos tan buenos que me trae de los clubs nocturnos, donde sonaba mucho, de momentos inolvidables, de ambientes espectaculares en fiestas y de una nostalgia brutal al volver a casa cada ve que la escuchaba. Ocean Colour Scene, un grupo que ha sabido labrarse una carrera digna aunque menos brillante de lo inicialmente esperado, contribuyeron a poner música a mis recuerdos de aquella maravillosa etapa de mi vida y que perduran cada vez que escucho él maravilloso riff que abre la canción y que la acompaña en todo su periplo, cual barco que surca un río sonoro donde fluyen las notas inagotablemente.

I see double up ahead
Where the riverboat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
Like a King who stalks the wings and shoots a dove
And frees an eagle instead
It’s more or less the same as the things that you said

I see trouble up the road
Like the things you found in love are by the way
You like to cheat on your soul
Like the best and worst of thoughts that lose control
Before you lie on your bed

It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

It’s more or less the things you fail to say in your way that’s your trouble
Like a King who stalks the wings and shoots the moon and the stars
And his double
It’s more or less the same as the things that you said
Anyway for all the things you know tell me why does the river not flow
Anyway for all the things you said tell me why does the river run red
Anyway for all the things you’ve seen tell me when will the river run green
And anyway for all the things you know tell me why does the river not flow

I see trouble up ahead
Where the river boat swayed beneath the sun
Is where the river runs red
I see double, that’s my trouble

Black Sabbath : Heaven And Hell

Todas las bandas tienen su propia singladura, su proceso creativo, sus etapas, sus vaivenes, sus cambios y finalmente su historia; y más en aquellos primeros setenta donde se estaba forjando la mejor música que se ha hecho jamás, donde las ideas e influencias de los pioneros sesenta se iban macerando  en la ebullición de la termomix del talento de las nuevas generaciones que utilizaron la psicodelia como campo de pruebas para ir evolucionando hacia un estilo más agresivo, duro, directo y definitivamente setentero, aunque encontró la madurez definitiva y su apogeo en los ochenta: el heavy metal. Y si buscamos un sinónimo de este estilo en clave de grupo, lo tenemos muy claro: Black Sabbath.

La banda de Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward fue poco a poco haciéndose a la idea del hecho de que su camino y el de Ozzy Osbourne, el genuino príncipe de las tinieblas, eran totalmente divergentes  lejos ya de los tiempos gloriosos de Paranoid o War Pigs;  y así fue como sus motivaciones escénicas y musicales, así como su estilo cada vez fue enfrentando más las posiciones de ambos bandos hasta que la situación se hizo insostenible y fueron aconsejados por su representante, Sharon Arden ( que paradójicamente acabaría siendo años después la señora Osbourne) , de que lo mejor era sustituirle por otro cantante de renombre. Y así fue como Iommi se fijó en un diminuto pero maravilloso cantante que era la sensación de la banda de Ritchie Blackmore, Rainbow. Así fue como en 1979 llegó a Black Sabbath en el pequeño gran Ronnie James Dio. Y comenzó la leyenda.

Heaven and Hell (1980) fue el grandioso resultado en forma de LP del espectacular debut de Dio con Black Sabbath en un cambio de estilo hacia un rock más épico, más heavy metal, más profundo en sus letras y en sus actitudes, más legendario si cabe. Todo ello sustentado por su santo y seña, el tema homónimo que nos ocupa, Heaven and Hell, el cual trata acerca de  la eterna dicotomía entre el bien y el mal, los estados de ánimo y la delgada línea que los separa, todo ello desde un prisma personal, todos tenemos nuestro cielo y nuestro infierno. Dio, recién llegado a la banda, supo imprimir su propio estilo a una banda que ya era muy grande cuando él llegó.

El periodista británico experto en rock Martin Popoff situó Heaven and Hell en el número 11 de las 500 mejores canciones de Heavy Metal, teniendo en cuenta todo el legado que supuso para las generaciones venideras, suponiendo la piedra de toque para el origen de bandas de NWOBHM ( New Wave Of British Heavy Metal ) como Iron Maiden o Judas Priest, con su intensidad, profundidad y capacidad de atraparnos en sus densas y sonoras redes, con sus cambios de ritmo y esa prodigiosa voz de un privilegiado como Dio. Lástima que a los Sabbath solo les durara dos años, lo suficiente para grabar dos de sus mejores álbumes ( el susodicho y Mob Rules). Después volaría solo para regalarnos joyas como Holy Diver.

Tras la disolución de Black Sabbath (y sus colaboraciones con otros cantantes como Ian Gillan, Glenn Hughes o Tony Martin), Dio se volvió a juntar con Iommi y Butler formando Heaven & Hell, nombre sintomático y muy significativo de lo que supuso este tema para la banda.
Bajo estas líneas os dejamos varias versiones de este temazo a cargo de bandas como los enormes Dream Theater, Manowar, Anthrax o Stryper y una actuación de Dio con su banda en 2005.

Esta canción, a pesar de que se atribuye a Black Sabbath y la parte musical fue creada por Tony Iommi, siempre será recordada por pertenecer al más íntimo recuerdo de Ronny James Dio, leyenda grandiosa de un movimiento como el hevy metal al que regaló una voz de ensueño y su famosísima mano cornuta, al cual contribuyó a crear y crecer gracias a maravillas épicas como esta. Heaven and Hell pertenece al selecto grupo de canciones inmortales por muchas razones: innovadora, transgresora, profunda, legendaria… Pero también refleja el sentir de toda una generación de inconformistas que hicieron del rock su bandera y que tuvieron en Black Sabbath a sus más íntimos aliados para hacer su vida algo mejor.

Sing me a song, you’re a singer
Do me a wrong, you’re a bringer of evil
The devil is never a maker
The less that you give, you’re a taker
So it’s on and on and on, it’s heaven and hell
Oh well

The lover of life’s not a sinner
The ending is just a beginner
The closer you get to the meaning
The sooner you’ll know that you’re dreaming
So it’s on and on and on, oh it’s on and on and on
It goes on and on and on, Heaven and Hell
I can tell
Fool, fool

Oh uh
Yeah, yeah, yeah

Well if it seems to be real, it’s illusion
For every moment of truth, there’s confusion in life
Love can be seen as the answer, but nobody bleeds for the dancer
And it’s on and on, on and on and on and on and on and on and on

They say that life’s a carousel
Spinning fast, you’ve got to ride it well
The world is full of kings and queens
Who blind your eyes and steal your dreams
It’s heaven and hell, oh well

And they’ll tell you black is really white
The moon is just the sun at night
And when you walk in golden halls
You get to keep the gold that falls
It’s heaven and hell, oh no

Fool, fool
You’ve got to bleed for the dancer
Fool, fool
Look for the answer
Fool, fool, fool